La cattedra di Architettura del Paesaggio e Paesaggio Industriale ha pubblicato un libro sul parco High Line di New York. Il famoso progetto di riconversione è stato progettato da James Corner „Field Operations“ in collaborazione con Diller Scofidio + Renfro Architects e l’architetto di giardini olandese Piet Oudolf. Abbiamo letto e recensito la pubblicazione per voi.

A meno di dieci anni dalla sua apertura, la High Line è da tempo una tappa obbligata di New York. Non solo per gli esperti: non c’è blog di insider tip senza la High Line, né guida turistica senza il parco sull’ex linea ferroviaria sopraelevata di Manhattan. È quindi giunto il momento di rendergli omaggio. La cattedra di Architettura del Paesaggio e Paesaggio Industriale dell’Università Tecnica di Monaco ha colto l’occasione del conferimento del dottorato honoris causa a James Corner, l’architetto paesaggista del parco della High Line, per pubblicare il volume „Inspiration High Line“. In esso, 27 personalità dell’architettura del paesaggio scrivono del significato del parco, del suo fascino e anche delle sue insidie. Tentano di classificarlo nella serie dei parchi dismessi, in cui in realtà non sembra rientrare, dato che la massicciata, le traversine e i binari sono stati inizialmente rimossi. Per poi reintegrarli parzialmente in una nuova struttura artificiale. Questo distingue la High Line dai suoi predecessori, come il parco paesaggistico di Duisburg Nord, dove le strutture sono rimaste in uso.

Wolfram Höfer, professore alla Rutgers University, afferma che la High Line va oltre l’architettura paesaggistica post-industriale. La definisce un approccio neo-post-industriale. Altri autori, come Peter Latz, professore emerito dell’Università Tecnica di Monaco, sottolineano il merito della veemente richiesta di James Corner, secondo cui l’architettura del paesaggio deve assumersi la responsabilità della pianificazione urbana. E lo ha fatto con la High Line, che ha un impatto enorme sull’ambiente circostante. Forse anche troppo forte? Lilli Lička, docente all’Università di Vienna di risorse naturali e scienze della vita, parla di gentrificazione. Queste sono solo alcune delle sfaccettature affrontate. E così i testi personalizzati si intrecciano per formare un quadro complessivo della High Line.

Dati bibliografici:

Cattedra di Architettura del Paesaggio e Paesaggio Industriale (a cura di): Inspiration High Line. Università tecnica di Monaco di Baviera, 2018. ISBN 978-3-941370-89-0

L’atteso Richard Gilder Center for Science, Education and Innovation di New York è stato inaugurato ufficialmente il 4 maggio 2023. Non si tratta di un tipico ampliamento. Piuttosto, il centro dell’American Museum of Natural History offre un’architettura spettacolare, nuove mostre e aule di nuova generazione. Per saperne di più leggi qui.

Il Richard Gilder Center for Science, Education and Innovation è stato inaugurato a New York il 4 maggio 2023. Questo ampliamento dell’American Museum of Natural History colpisce per la sua architettura spettacolare, che intende incarnare la missione del museo. Secondo Richard Gilder, il filantropo americano scomparso nel 2020, c’è un urgente bisogno di un facile accesso all’istruzione. Il centro che porta il suo nome nel cuore del museo è stato progettato proprio per questo. Con aule, gallerie espositive e strutture per la ricerca scientifica e le collezioni, il museo avrà più spazio per il suo lavoro.

Alla cerimonia di inaugurazione hanno partecipato il presidente del Consiglio di amministrazione del museo, il sindaco di New York e il presidente del museo. Erano presenti anche senatori, membri del Consiglio comunale, rappresentanti della comunità e amministratori del museo. All’inaugurazione ha partecipato anche Jeanne Gang dello Studio Gang, che ha progettato il Richard Gilder Centre. Anche le classi delle scuole elementari di Manhattan e del Bronx che partecipano al programma Urban Advantage e i partecipanti al programma Early Adventures del museo hanno preso parte ai festeggiamenti.

Questo rappresenta l’ampiezza delle nuove offerte educative che il Richard Gilder Centre sosterrà e promuoverà. Il centro rappresenta la più ampia modernizzazione delle aule del Museo di Storia Naturale in quasi un secolo. 18 aule di nuova costruzione o rinnovate fanno parte del progetto di 230.000 piedi quadrati.

Il Richard Gilder Centre, inaugurato con una cerimonia, è composto da sei piani fuori terra e un seminterrato. Quattro dei piani sono aperti al pubblico. Hanno una forma organica con molti fori e connessioni che rappresentano 33 nuovi collegamenti tra gli edifici del museo e il campus. È stato inoltre creato un nuovo ingresso sul lato ovest del museo.

Con questo progetto, il Museo di Storia Naturale intende adempiere meglio alla sua missione educativa. Il Richard Gilder Centre mira a suscitare curiosità e a invitare i visitatori a meravigliarsi. Nuove mostre in sale dal design accattivante, nuove strutture ed eventi educativi in prossimità delle collezioni di ricerca sottolineano il ruolo centrale delle collezioni di storia naturale nella scoperta scientifica.

Questi elementi fanno parte del Richard Gilder Centre:

• Kenneth C. Griffin Exploration Atrium: questo spazio pubblico di cinque piani funge da nuovo ingresso al museo da Columbus Avenue.
• Insettario della famiglia Susan e Peter J. Solomon: qui, al primo piano del centro, si trovano grandi modelli, 18 specie di insetti vivi e mostre interattive digitali.
• Louis V. Gerstner, Jr. Collections Core: il centro di cinque piani offre una panoramica delle collezioni in funzione.
• Collezioni: Dietro a esposizioni a tutta altezza su tre livelli, ad esempio, si trovano le Gallerie della Collezione della Fondazione Macaulay al primo e al secondo piano del centro.
• Vivarium delle farfalle della famiglia Davis: questa mostra permanente al secondo piano è aperta tutto l’anno e invita i visitatori a osservare fino a 1.000 farfalle che volano libere in un habitat lussureggiante e a temperatura controllata.

Il nuovo centro ospita anche una mostra intitolata „Mondi invisibili“, che consiste in un’esperienza interattiva a 360 gradi al terzo piano. Qui, le reti della vita sulla Terra sono esplorate a diverse scale. Ciò offre l’opportunità di esplorare reti troppo piccole, troppo veloci o troppo lente per l’occhio umano.

In una nuova ed elegante sala di lettura, i visitatori del museo hanno la possibilità di avvicinarsi alle risorse della biblioteca come mai prima d’ora. Il centro multidisciplinare di incontro e apprendimento è collegato alla biblioteca di ricerca David S. e Ruth L. Gottesman. Il centro dispone anche di 18 aule moderne, laboratori didattici e aree educative. Un ristorante offre un servizio di ristoro.

L’ingresso al Richard Gilder Centre è incluso nell’ingresso al Museo di Storia Naturale. Alcune mostre, come i Mondi invisibili e il Vivarium delle farfalle, hanno un costo aggiuntivo.

A proposito: potete leggere ulteriori informazioni sul Richard Gilder Centre anche sulla rivista topos.

L’ampliamento del museo è stato finanziato dalla città di New York, dallo Stato e dal Senato. Inoltre, diverse famiglie e fondazioni hanno donato fondi per rendere possibile il Richard Gilder Centre. Di conseguenza, il Museo Americano di Storia Naturale, fondato nel 1869, dispone ora di strutture ancora più attraenti. È una delle più importanti istituzioni scientifiche, educative e culturali degli Stati Uniti e comprende un totale di oltre 40 sale espositive permanenti.

Il Richard Gilder Centre è importante anche dal punto di vista architettonico. Dimostra come l’architettura moderna possa sostenere la missione delle istituzioni educative storiche. La riprogettazione del cuore del museo attirerà anche gli appassionati di architettura. Inoltre, il centro ha creato un nuovo e invitante ingresso al museo. Nell’ambito dei lavori, il museo ha anche migliorato il vicino parco Theodore Roosevelt con nuove aree verdi e posti a sedere. Si spera che il Richard Gilder Center abbia un impatto positivo anche sullo spazio urbano circostante.

Un’altra nuova apertura a New York: il flagship store di Tiffany sulla Fifth Avenue, un edificio storico di New York, è stato recentemente ristrutturato.

Il pellicano è un motivo che si ritrova spesso nell’arte. Con il suo caratteristico becco e l’elegante forma del corpo, compare ripetutamente in dipinti, sculture e illustrazioni. In questo articolo esaminiamo la rappresentazione del pellicano nell’arte e il suo significato simbolico in diverse culture ed epoche.

Il pellicano è un motivo popolare non solo per il suo aspetto suggestivo, ma anche per il suo significato simbolico. In molte culture, il pellicano simboleggia la cura, l’abnegazione e la fertilità. Il modo in cui nutre i suoi piccoli dando loro il cibo dal marsupio della gola ha fatto supporre che li nutra con il suo sangue. Nell’iconografia cristiana, in particolare, il pellicano è quindi sinonimo di carità: nel Medioevo si credeva che nutrisse i suoi piccoli in questo modo. Secondo la credenza, doveva aprirsi il petto e nutrire i suoi piccoli con il sangue fino alla morte. Questo lo rendeva un simbolo di sacrificio, devozione e amore autosacrificante. Queste caratteristiche lo hanno reso un motivo ricercato nelle arti visive fin dalla più tenera età. La versatilità del pellicano – a volte naturalistico, a volte simbolico – consente agli artisti di utilizzarlo sia a livello decorativo che narrativo. Il risultato è un motivo che è sia esteticamente piacevole che profondo in termini di contenuto.

Il pellicano nell’arte medievale e religiosa

Come già accennato, il pellicano è spesso presente nell’arte cristiana del Medioevo. Manoscritti, finestre di chiese e altari lo mostrano spesso in relazione alla rappresentazione di Cristo o come allegoria della „caritas“, cioè della carità. Nell’illuminazione dei libri, il pellicano può essere spesso visto mentre nutre i suoi piccoli – un’immagine del sacrificio di Cristo. Tuttavia, può anche simboleggiare la Passione di Cristo o Gesù stesso. Nella „Crocifissione di Cristo“ del Beato Angelico, il pellicano è raffigurato con i suoi piccoli direttamente sopra il Cristo crocifisso. Un esempio di rappresentazione del pellicano nella miniatura dei libri è il libro di preghiere di Carlo il Temerario, realizzato nel XV secolo. I dettagli dell’uccello, la sua postura e la rappresentazione del suo comportamento riproduttivo simboleggiano la devozione e la responsabilità, valori centrali dell’epoca.

Rinascimento e Barocco: il pellicano prende vita

Durante il Rinascimento, la rappresentazione artistica si sposta verso un approccio più naturalistico. Il pellicano appare in dipinti e sculture che enfatizzano l’osservazione ravvicinata della natura. In questo periodo il pellicano viene utilizzato non solo come simbolo ma anche come motivo estetico. La forma ricurva del becco, la postura elegante e il piumaggio imponente ne fecero il soggetto preferito per affreschi, ritratti e opere decorative nei palazzi aristocratici.
Il pellicano è frequente anche nella pittura decorativa barocca e rococò. Questi murales si trovano spesso nei castelli. I pellicani sono anche raffigurati insieme ad altri uccelli autoctoni e non. È anche un motivo popolare su arazzi e dipinti. L’artista olandese Melchior d’Hondecoeter, ad esempio, è noto per i suoi dipinti che raffigurano l’uccello insieme ad altri volatili. Di solito trovava i suoi modelli nei serragli di corte.

La petrologia, nota anche come , è lo studio della formazione, delle proprietà e dell’utilizzo delle rocce. Nella nostra nuova serie online, presentiamo i tipi di pietra e la loro presenza: Questa volta, il Silberquarzit Dunkel (Spaltrau).

Nel frattempo, sul mercato si è diffusa la voce che le quarziti sono pietre naturali con eccellenti proprietà tecniche. Questo è probabilmente il motivo per cui molte pietre naturali vengono commercializzate sul mercato mondiale con il nome di quarzite, che da un punto di vista petrografico sono arenarie legate alla quarzite. Sebbene molte di queste arenarie contengano la percentuale necessaria di quarzo (almeno l’80%), non hanno una sufficiente sovrastampa metamorfica. Appartengono quindi al gruppo delle rocce sedimentarie, mentre la Silberquarzit Dunkel è una vera quarzite, che appartiene al gruppo delle rocce metamorfiche. La roccia primaria di questa quarzite era infatti un’arenaria legata alla quarzite, trasformata in una roccia molto compatta ed estremamente resistente dalle forze della metamorfosi. Si parla di metamorfosi quando un complesso roccioso è stato esposto a una pressione di almeno quattro kilobar e a una temperatura di almeno 200 gradi Celsius.

Maggiori informazioni in STEIN 9/2020.

„Enigmatico“ è una delle prime parole che vengono in mente guardando l’edificio residenziale di Balsthal, in Svizzera. È stato progettato dal giovane architetto svizzero Pascal Flammer.

Si staglia nera nella nebbia. L’illuminazione interna cade attraverso grandi superfici vetrate e lascia trasparire i toni caldi della costruzione in legno. Tuttavia, la casa non ha nulla di accogliente. La forma del tetto ricorda una tradizione costruttiva locale, che si cerca invano negli altri elementi architettonici. Anche la particolarità architettonica del piano terra, abbassato di 75 cm, suggerisce un legame con la terra che la casa nel suo complesso non vuole realizzare. In un modo strano, fa parte dell’ambiente circostante e allo stesso tempo rimane un corpo estraneo.

La casa si sviluppa su tre piani, ognuno dei quali reagisce in modo diverso all’ambiente circostante. Entrando, al piano terra si viene accolti dalla natura ad altezza d’uomo. Le vetrate a tutto campo e il pavimento ribassato trasmettono la sensazione di trovarsi in mezzo a un prato. Il piano superiore, invece, varia nella sua apertura e offre scorci occasionali attraverso finestre circolari o ampie vetrate nella parte anteriore dell’edificio. A differenza degli altri piani, è diviso da pareti interne a forma di croce, alle quali si aggiunge una scala a chiocciola come appendice. La composizione formalmente rigorosa e le porte scorrevoli nelle pareti divisorie sul lato della facciata portano a una riduzione dell’area di circolazione, creando allo stesso tempo una pianta aperta.

La costruzione in legno è ben visibile nelle aree vetrate. Una cassaforma orizzontale verniciata di nero funge da involucro per le intemperie. La struttura e i rivestimenti sono realizzati con lo stesso legno di abete. Il tetto a sella a bassa inclinazione è ricoperto da tegole convenzionali.

Probabilmente è l’aspetto artificiale della casa a far riflettere l’osservatore. L’architetto cita come influenze Gerhardt Richter, Sigmar Polke, Kazuo Shinohara, Paulo Mendes da Rocha, Buddha e Walter de Maria, tutti riferimenti che fanno capire che non si tratta principalmente di un contesto. Un’altra grande influenza è probabilmente quella di Valerio Olgiati, che progetta architetture altrettanto enigmatiche e nel cui studio Pascal Flammer ha lavorato fino al 2005. Nonostante la stretta relazione, l’edificio ha una forza indipendente che ci incuriosisce per i progetti futuri.

Foto: Iona Marinescu

Lo studio di design britannico Heatherwick Studio sta progettando un parco accanto alla sede della Harley-Davidson a Milwaukee, negli Stati Uniti. Il parco comprenderà anche un anfiteatro per ospitare fino a 700 moto. Si tratta del primo passo di un piano in più fasi per trasformare la sede dell’azienda in occasione del suo 120° anniversario quest’anno. Leggi qui tutte le informazioni sul progetto.

Il nuovo parco e anfiteatro, realizzato dal pluripremiato studio di design e architettura britannico Heatherwick Studio, sorgerà proprio accanto alla sede centrale di Harley-Davison. Lo spazio verde sostituirà un „noioso parcheggio“ accanto all’attuale sede. In collaborazione con lo studio di progettazione HGA di Minneapolis, il parco pubblico e non recintato sarà sviluppato nei prossimi mesi. L’idea dell’anfiteatro paesaggistico è quella di fornire uno spazio per i raduni di motociclisti.

Fino a 700 moto possono partecipare a raduni nell’anfiteatro. Tuttavia, secondo lo Studio Heatherwick, il parco sarà utilizzato per il 99% del tempo dai dipendenti e dai visitatori di Harley-Davidson. Nel restante 1% del tempo, l’anfiteatro offrirà spazio ai raduni di motociclette. Il parco sarà utilizzato anche come sede di eventi. L’anfiteatro, largo 83 metri, sarà dotato di posti a sedere a più livelli, rampe per le moto, cerchi di svolta e punti di osservazione a 360 gradi.

20 specie di alberi e 120 specie di piante garantiranno una nuova biodiversità nell’area adiacente alla sede della Harley-Davidson. L’anfiteatro stesso sarà composto da dieci diversi blocchi di costruzione e da acciaio resistente alle intemperie di provenienza locale. Scegliendo un anfiteatro, un „guscio teatrale“, Heatherwick Studio mira consapevolmente a creare una comunità in cui le persone possano incontrarsi, vedersi e ascoltarsi.

Il progetto, finanziato dalla Harley-Davidson Foundation, è stato commissionato dall’amministratore delegato dell’azienda, Jochen Zeitz. Egli aveva già incaricato Heatherwick Studio di progettare lo Zeitz Museum of Contemporary Art Africa a Città del Capo. Analogamente al Little Island Park di New York, Heatherwick Studio creerà un parco che „non è solo un altro parco“, ma un luogo interessante. La priorità di Zeitz è quella di creare un luogo che sia piacevole da visitare e che inviti la comunità del Westside e chiunque sia interessato alle Harley-Davidson.

L’apertura del parco dello Studio Heatherwick è prevista per il 2024. Fa parte di un piano più ampio di ristrutturazione degli uffici Harley-Davison. Gli uffici si trovano in questa sede da quando l’azienda è stata fondata nel 1903. Secondo Jochen Zeitz, il parco è un primo passo importante nel progetto di ristrutturazione della sede centrale dell’azienda, articolato in più fasi. L’anfiteatro fornirà uno spazio per il dialogo come luogo di incontro senza barriere. L’azienda sta cercando uno spazio per tutti e inviterà sia il pubblico che i dipendenti a compiere i prossimi passi per dare forma al futuro di Harley-Davidson a Milwaukee.

Nel 2025, la casa motociclistica celebrerà il suo 120° anniversario. Per celebrare l’occasione, l’amministratore delegato Zeitz vuole trasformare il marchio in un marchio completamente elettrico e, allo stesso tempo, creare un valore aggiunto per la sua città natale.

Secondo Thomas Heatherwick, fondatore di Heatherwick Studio, il progetto trasformerà il sito in cemento armato in un luogo di aggregazione civico e verde. „Il nostro obiettivo è trasformare questo storico sito industriale in un nuovo parco pubblico per gli abitanti di Milwaukee. Vogliamo creare uno spazio comunitario emozionante, dove le persone possano riunirsi con amici e familiari e vivere un’esperienza all’aria aperta, insieme a spazi per il cibo, le performance e il gioco. È il nostro modo di sottolineare e celebrare la nuova vita nel Near West Side di questa città così speciale“, ha dichiarato.

Il design dell’anfiteatro intende promuovere l’idea di unione per la comunità, i motociclisti e i dipendenti Harley-Davidson. Da un lato, infatti, si potrà ammirare la vista degli edifici in mattoni che costituiscono la sede originaria di Harley-Davidson. Inoltre, nell’altra direzione, i visitatori vedranno un parco ricco di specie vegetali autoctone, alcune delle quali sono sacre ai Potawatomi della Contea di Forest.

Sono previsti anche una via del mercato, un giardino tranquillo e un parco giochi naturale. La Harley-Davidson Foundation, che sta supervisionando e finanziando lo sviluppo iniziale, ha anche espresso interesse per opportunità di sponsorizzazione e donazione a lungo termine. Heatherwick agisce come Design Guardian, collaborando con aziende locali come HGA, Greenfire Management Service e vari fornitori locali. L’inizio dei lavori è previsto per la primavera del 2023.

Heatherwick Studio ha sede a Londra. Ha 200 dipendenti o „risolutori di problemi“ che lavorano per rendere il mondo fisico un posto migliore per tutti. Tra i lavori più recenti figurano la pluripremiata Little Island a New York, Coal Drops Yard a King’s Cross a Londra, il campus di Google a Bay View, in California, e lo Zeitz Museum of Contemporary Art Africa a Città del Capo. Il primo grande progetto dello studio aprirà anche in Giappone nel 2023.

Un’altra curiosità: nel 2016 a Londra era previsto il Garden Bridge, un altro progetto di Heatherwick. Non è mai stato costruito, ma il piano è ancora attuale. Per saperne di più sul progetto , cliccare qui.

Chiunque si diriga verso Colonia può vederla da lontano: la Cattedrale di Colonia, questo inconfondibile punto di riferimento in pietra della città, che con le sue torri filigranate, quasi senza peso, e la sua facciata imponente, quasi intimidatoria, ha un impatto duraturo sull’intera silhouette di Colonia – ed è molto, molto di più di un semplice motivo fotografico per turisti.

Da un lato, la chiesa monumentale è considerata una meraviglia architettonica del mondo di rango quasi inimmaginabile e, dall’altro, è stata per secoli uno dei centri religiosi d’Europa. Dal 1996, inoltre, è stata insignita del prestigioso riconoscimento di Patrimonio dell’Umanità dell’UNESCO. Le Nazioni Unite hanno premiato la Cattedrale di Colonia in termini particolarmente solenni come „testimonianza unica della creatività umana e della raffinatezza artistica“. L’inclusione nella lista selezionata dei siti del patrimonio mondiale è stata preceduta da criteri attentamente esaminati, ovvero (i) – il capolavoro ineguagliabile, (ii) – il significativo scambio di idee nell’edificio sacro gotico e (iv) – il monumento eccezionale di un’intera epoca. Tra il 2004 e il 2006, tuttavia, l’edificio è stato considerato come una vera e propria minaccia per la sua integrità ed è stato quindi inserito nella nota „Lista Rossa“ dei siti del Patrimonio Mondiale in pericolo. Tuttavia, grazie ad ampi miglioramenti urbanistici, finalmente attuati con la massima coerenza, il restauro redentore ha finalmente avuto luogo.

Da piccola chiesa tardo-antica a simbolo nazionale

Il sito sulla collina della cattedrale era già utilizzato dall’ancora piccola comunità cristiana di Colonia nella tarda antichità: gli scavi archeologici hanno rivelato i resti di un battistero a est del coro della cattedrale. Materno è considerato il primo vescovo di Colonia, che si dice abbia lavorato in questo sito intorno al 313. Dopo il crollo del dominio romano sul Reno, la dinastia dei Merovingi prese il potere e fece costruire una chiesa sulla collina della cattedrale, come dimostrano i reperti di scavo. In epoca carolingia, il sito fu nuovamente oggetto di lavori di costruzione e la cosiddetta Cattedrale di Hildebold fu consacrata nell’870.
Il 15 agosto 1248 iniziò la costruzione della cattedrale gotica con la posa cerimoniale della prima pietra, motivata dalla traslazione delle reliquie dei Re Magi a Colonia avvenuta poco prima. Il trafugamento delle ossa può essere descritto come un evento di portata quasi storica mondiale, che elevò molto rapidamente la cattedrale a luogo di pellegrinaggio venerato in tutta Europa. Come spesso accade per progetti monumentali di questo tipo, i lavori di costruzione si trascinarono per molti secoli: a partire dal 1560 la cattedrale fu quasi completamente abbandonata per oltre 280 anni. Solo con il risveglio nazionale del XIX secolo l’opera assunse un nuovo significato. Sotto la direzione prussiana e con il sostegno attivo della cittadinanza impegnata, la monumentale facciata a due torri fu finalmente completata. Nel 1880 Colonia festeggiò con entusiasmo la cerimonia di completamento: con i suoi 157,38 metri, la cattedrale era ora, per un breve ma glorioso periodo, l’edificio più alto del mondo.

L’ingegneria gotica: facciate, torri e pilastri che svettano nel cielo

La cattedrale di Colonia è un’affascinante fusione tra l’Alto Gotico francese e il tipico perfezionismo tedesco. Sebbene i capomastri si siano inizialmente orientati alle famose cattedrali di Amiens e Beauvais, hanno anche creato un sistema indipendente con cappelle uniche a sette punte disposte in uno schema regolare a 12 angoli. I possenti contrafforti stabilizzano le pareti straordinariamente alte e allo stesso tempo creano spazio per il più grande ciclo di vetrate medievali di tutta Europa. La magnifica facciata risplende grazie al gioco di trafori ornamentali e a un ricco programma di figure, mentre all’interno, opere d’arte impressionanti come il famoso Santuario dell’Epifania e la moderna finestra di Richter affascinano i visitatori in egual misura.

Da meta di pellegrinaggio a calamita turistica: La cattedrale oggi

Con circa sei milioni di visitatori all’anno, la Cattedrale di Colonia è senza dubbio uno dei luoghi più visitati della Germania di oggi. Per gli abitanti di Colonia è stato a lungo impossibile immaginare la città senza la cattedrale, come recita un verso della famosa canzone di carnevale „Mer losse d’r Dom in Kölle“ („Lasceremo la cattedrale a Colonia, perché è lì che deve stare“). („Lasceremo la cattedrale a Colonia, perché è quello il suo posto“). Questo verso riassume il tutto: „Wat sull dä dann woanders, dat hät doch keine Senn“. („Perché dovrebbe essere altrove, non ha senso?“).
La cattedrale non solo funge da centro sacro della città, ma è anche la sede dell’arcivescovo e il punto focale delle funzioni religiose solenni, spesso allestite a festa. Diverse offerte, come le visite guidate informative, gli impressionanti concerti d’organo, la faticosa ma gratificante salita alla torre sud con i suoi 533 gradini o il tesoro della cattedrale con i suoi ori medievali, rendono la visita un’esperienza indimenticabile – sia per le persone di fede che per i viaggiatori amanti della cultura di tutto il mondo.

Suggerimento per gli esploratori:
Se volete godere di una vista davvero impareggiabile, è meglio avventurarsi sulla torre sud in una giornata particolarmente limpida, perché in cima, ad altezze elevate, vi aspetta un panorama davvero unico su Colonia e sulla pittoresca regione del Bergisches Land.

I concorsi per studenti del Baumeister fanno parte di un contesto discorsivo. Fanno parte della storia infinita dello sviluppo urbano – siamo nella città come la troviamo realmente, con tutte le sue carenze, contraddizioni e imposizioni. Quest’anno sono stati richiesti i migliori progetti incentrati sul tema dell’aggiunta di piani. Il concorso è stato organizzato per la quinta volta consecutiva insieme al fornitore di software Nemetschek Allplan Systems. Oltre alla fattibilità tecnica del progetto, l’attenzione si è concentrata sul modo in cui è stata analizzata l’architettura data.

266 studenti di 16 università si sono cimentati in questo compito, che non era specifico del luogo e poteva quindi essere interpretato in modo leggermente diverso da ogni università. I lavori presentati hanno mostrato molti approcci sorprendenti nel trattare gli edifici esistenti, ma la maggior parte ha affrontato soluzioni realmente praticabili. Quest’anno le aree dismesse sono state particolarmente apprezzate per la logica dell’aggiunta di piani, come dimostrano i progetti vincitori e i premi: Bunker, torri contraeree e altri edifici esistenti nel cuore della città o nelle aree portuali. Per saperne di più sui progetti vincitori e sui tre encomi, consultare Baumeister 7/2014.

Illustrazione in alto: „Bunker subacqueo“ di Thomas Haber, RWTH Aachen; in basso: „Tre case sotto lo stesso tetto“ di Barbara Trojer, Markus Munzig, Cosima Krubasik, TU Munich

L’architetto americano William Lane ha progettato nuove torri di salvataggio per Miami Beach. Tuttavia, le torri di salvataggio di Lane sono ben lontane da costruzioni puramente funzionali che servono solo a fornire la migliore vista possibile della spiaggia e della costa. Con colori vivaci e forme scultoree, la transizione tra architettura e opera d’arte sembra essere fluida.

Torri dei bagnini di Miami Beach: vista sul mare

Sebbene l’architettura delle case di guardia sia orientata alla funzione per cui sono state costruite, hanno anche una funzione che va oltre. „Sono attivatori dello spazio pubblico, in questo caso della spiaggia. Sono antropomorfe e forniscono al litorale una formazione unica di personaggi che sono espressione dell’identità e della cultura della regione“, afferma William Lane. Per lui le guardiole sono un’opportunità per contribuire a dare forma alla spiaggia come spazio pubblico e alla sua esperienza“.

Lane fa anche un paragone con i Moai dell’Isola di Pasqua, le monumentali sculture di pietra. Tuttavia, mentre la maggior parte di queste figure in pietra volge le spalle al mare e guarda verso l’interno, le torri di salvataggio sono orientate verso il mare. Con la loro posizione elevata, tuttavia, non servono a sorvegliare, ma piuttosto a tenere d’occhio i bagnanti in difficoltà.

Con le loro forme insolite, le torri di guardia sembrano quasi delle sculture. La transizione tra opera d’arte e architettura sembra qui fluida. Nei suoi prototipi per la Miami Beach Lifeguard Tower, Lane combina allusioni e riferimenti di ogni tipo: forme biomorfe e tecno-fluide, colori vivaci, echi di retro-futurismo e Art Déco. Nella sua descrizione, l’ufficio di Lane fa riferimento, tra l’altro, all’animismo o al biomimetismo insito nelle singole case di guardia. Grazie ai diversi design, le singole case di guardia sembrano avere ciascuna un proprio „carattere“. Anche le associazioni che le forme possono evocare sono numerose.

Interessante anche il fatto che quando si pensa al cubismo, si pensa subito a pittori e scultori famosi. Ma il cubismo ha avuto un’importante influenza anche sull’architettura. Scoprite qui com’era esattamente: Il cubismo

Sorveglianza della spiaggia dai colori vivaci

A Miami Beach, 36 nuove torri di salvataggio sorvegliano il litorale. Queste case di guardia in legno, che non solo si distinguono per le loro combinazioni di colori vivaci, sono state progettate dall’architetto statunitense William Lane. Sono disposte in fila lungo un tratto di spiaggia di sette miglia (più di undici chilometri). Questo tratto si estende dalla punta meridionale di Miami Beach fino alla 87esima strada.

Sei nuovi prototipi di torri di salvataggio

Lane ha iniziato a studiare scultura prima di passare all’architettura. Tuttavia, il suo interesse per una forma narrativa con un’inclinazione per la scultura e il surreale è rimasto con lui. Un piccolo lavoro in particolare lo ha reso famoso in tutto il mondo: nel 1995 gli è stato commissionato per la prima volta il progetto di cinque stazioni di guardia acquatica per Miami Beach. Queste dovevano sostituire le stazioni di salvataggio distrutte dall’uragano Andrew nel 1992. Una delle cinque stazioni di salvataggio – una casa rotonda di colore rosa e arancione – è stata creata in collaborazione con l’artista Kenny Scharf.

Le allegre casette di guardia di Lane, dai colori pop, hanno in seguito attirato molta attenzione e sono diventate un marchio di fabbrica per la spiaggia. 20 anni dopo, la città di Miami Beach si rivolse nuovamente a Lane per progettare sei nuovi prototipi.

Silhouette d’impatto con brio

Esistono sei versioni di ciascun prototipo delle torri di salvataggio in diverse palette di colori: il lilla polveroso e il viola acceso si incontrano con l’arancione brillante, il verde erba è abbinato al turchese e al blu scuro. In totale sono state create 36 postazioni di salvataggio, che oggi guardano verso il mare. Ognuna di queste postazioni poggia su una base fatta di travi di legno e puntoni d’acciaio, che poggia su una specie di slitta. Invece di essere saldamente ancorate alla sabbia, le postazioni di guardia sono trasportabili. Ciò consente di trasportarli dietro le dune, ad esempio in caso di uragani imminenti. La costruzione della sottostruttura solleva la cabina e la piattaforma di osservazione di una torre di guardia di circa 2,4 metri dalla sabbia. Le cabine, con struttura in legno, sono coperte da tetti in alluminio con giunture verticali.

Mentre uno dei prototipi si distingue dagli altri sei per la sua forma arrotondata, è soprattutto la forma del tetto della cabina che conferisce agli altri la loro silhouette distintiva. Su quattro dei sei prototipi, il tetto si estende dal lato rivolto verso il mare fino alla parte posteriore della cabina in una curva di forma diversa. Le pareti laterali riempiono la forma del tetto, per così dire. Come la facciata rivolta verso il mare, sono perpendicolari alla piattaforma. Un altro tetto piatto sporge dal corpo della cabina. Questo fornisce l’ombra necessaria alla piattaforma panoramica.

Punte inclinate, curve ondulate, scale curve

Mentre in uno dei prototipi il tetto si incurva in forma ondulata verso l’estremità superiore della facciata posteriore, in un altro le punte radialmente sporgenti ricordano un frammento di stella. Altri due prototipi delle torri di salvataggio presentano curve diversamente arrotondate nella forma del tetto.

Nel quinto prototipo non è solo il profilo a variare. Le punte di questo tetto sono leggermente inclinate e sporgono oltre le facciate laterali della cabina. Si potrebbe pensare che le due punte formino il negativo di un tetto a sella con superfici inclinate verso il centro del tetto.

A differenza degli altri, un sesto prototipo è caratterizzato da forme morbide. Il tetto sporgente è circolare, la piattaforma è rotonda e la scala continua la sua forma curva, mentre la disposizione della cabina è una combinazione di segmenti circolari e poligonali.

Il completamento è previsto per il 2026: La nuova chiesa parrocchiale di Ørestad per la capitale danese Copenaghen – la prima nuova chiesa in oltre 30 anni. La progettazione e la costruzione dell’edificio sacro di 1.750 metri quadrati, che offre un nuovo approccio architettonico al linguaggio architettonico espressivo di Ørestad, richiederà quattro anni. Il progetto di Henning Larsen riflette la natura del paesaggio aperto di Ørestad e allo stesso tempo pone le basi per l’auspicata certificazione DGNB Gold.

Lo studio internazionale di architettura, paesaggio e design urbano Henning Larsen pone l’interazione tra luce e natura al centro della sua filosofia progettuale. Basandosi su un’etica scandinava, lo studio sviluppa edifici sperimentali e orientati al contesto, senza perdere di vista il loro impatto sostenibile. Quest’ultimo non va inteso solo in termini di ambiente, Henning Larsen cerca anche di offrire agli utenti, alle comunità e alle città un valore aggiunto duraturo attraverso la sostenibilità sociale. Lo studio vanta un’esperienza decennale nella progettazione di chiese ed edifici religiosi in Danimarca.

La tradizione di Ørestad di sperimentare con l’ambiente costruito e la posizione della chiesa parrocchiale tra due file di case richiedono un concetto urbano che attiri l’attenzione dall’esterno. A ciò si aggiungono fattori come la sostenibilità e la sacralizzazione. Jacob Kurek, Global Design Director di Henning Larsen, spiega come questi fattori possano essere ricavati: „Costruire con il legno e sfruttare il potere della luce era la soluzione più ovvia per il clima, il contesto e la comunità“.

La facciata della chiesa parrocchiale di Ørestad è una delle sue caratteristiche esterne più memorabili. È ruvida come la corteccia di un albero e si comporta come tale. Il suo carattere cambia con le stagioni e il passare del tempo. Funge da ponte con la natura che circonda Ørestad. Questo effetto è rafforzato dal pavimento continuo in mattoni, che interseca l’edificio sacro con l’ambiente circostante e ricorda le foglie cadute grazie ai suoi diversi colori e agli elementi in vetro incorporati. Anche le panchine, le nicchie per sedersi e le piattaforme sorgono dal terreno o si sviluppano dalla facciata, sempre omogenee al rispettivo materiale. In questo modo, il percorso conduce dalla congregazione e dall’ambiente circostante all’interno della chiesa, passando per lo spazio esterno estroverso e attivato.

Anche la forma scultorea del tetto è un elemento che colpisce della chiesa di Ørestad. Le varie torri conferiscono alla facciata un aspetto di piccole dimensioni, ma il motivo continuo della facciata con scandole di legno la mantiene sobria. All’interno, l’edificio sacro rimane incontaminato dal trambusto della città: le torri di legno sono percepibili all’interno e derivano dalla sensazione di trovarsi sotto una chioma di alberi nella foresta. Agiscono come cascate di luce, aprendo la vista al cielo e rifrangendo la luce in modi diversi ogni giorno. La cappella, inondata di luce dall’alto, stimola anche la spiritualità delle persone grazie al suo legame con la natura.

Henning Larsen ha utilizzato il progetto della nuova chiesa di Ørestad per incorporare i moderni concetti di sostenibilità sociale nel suo nucleo: per coinvolgere l’intera congregazione, è stato considerato anche l’utilizzo al di fuori delle funzioni religiose. Lo spazio flessibile della chiesa può essere adattato a diverse funzioni e cerimonie, mentre l’ufficio della chiesa e gli spazi culturali informali invitano a condividere i pasti, i piccoli concerti, lo yoga, la danza o le conferenze.

Tuttavia, i toni pacati della chiesa non vengono trascurati: gli interni semplici offrono ai visitatori un sollievo dalla vita quotidiana e li invitano a fermarsi per un momento. Grazie ai giochi di luce, il design del tetto trasforma la sala delle assemblee in una radura sotto gli alberi. Nello stile dei giardini dei monasteri, l’edificio della chiesa protegge un cortile interno illuminato dall’alto e adiacente a una piccola cappella. Gli angoli ombreggiati lasciano spazio a un giardino dove i visitatori possono sedersi in pace e tranquillità. Ispirandosi alla vicina riserva naturale di Amager Fælled, anche le aree esterne della chiesa di Ørestad sono piantumate con erbe, arbusti e ciliegi.

Il nuovo punto di riferimento della parrocchia è riconoscibile come chiesa solo a un secondo sguardo e ha uno splendore diverso da quello della cattedrale di Colonia, ad esempio – ma forse è proprio questo che dobbiamo tenere presente quando costruiamo nuove chiese, che è diventata una rarità: Il numero di fedeli è in calo, servono nuovi concetti e il coraggio di realizzarli. Con il progetto per Ørestad, Henning Larsen ha raggiunto l’obiettivo di un edificio sacro sostenibile che si armonizza con l’ambiente circostante. Se l’idea di una chiesa come luogo di incontro per la comunità sia stata azzeccata lo si capirà tra qualche anno.

A Cuenca, nella Spagna centrale, lo studio di architettura madrileno Sancho-Madridejos ha costruito una cappella in cui bisogna assolutamente cercare il legno. Per saperne di più su quest’originale opera d’arte in cemento armato, visitate il sito.