In dodici mestieri precedentemente esenti da licenza, il requisito di maestro artigiano sarà nuovamente applicato a partire dal 2020. È una mossa giusta? – Fateci sapere la vostra opinione.

Il Bundestag ha approvato il progetto di legge sul ritorno dei maestri artigiani. La legge si applica a dodici mestieri, tra cui piastrellisti, pavimentatori e mosaicisti, produttori di blocchi di cemento e terrazzo e posatori di massetti. Hans Peter Wollseifer, della Confederazione tedesca dell’artigianato, afferma che il passaggio all’Allegato A del Codice dell’artigianato è „l’accento giusto e necessario per una maggiore qualità e qualificazione nei mestieri specializzati“. Egli auspica che il governo federale concluda rapidamente il processo legislativo. Affinché entri in vigore, il testo deve ancora essere inviato al Cancelliere federale e al Ministro competente per la controfirma, tra le altre cose. Il Presidente federale ne verificherà anche la conformità costituzionale. La legge viene quindi pubblicata nella Gazzetta Ufficiale Federale ed entra in vigore il 14° giorno successivo alla pubblicazione. Il piano prevede l’entrata in vigore già nel gennaio 2020. Tuttavia, le imprese esistenti che non sono attualmente soggette al requisito del maestro artigiano saranno protette.

Secondo il presidente della ZHD Wollseifer, „il certificato di maestro artigiano è e rimane il marchio di qualità di cui i clienti si fidano di più“. L’associazione sottolinea che la decisione andrà anche a vantaggio della formazione professionale e della futura redditività delle imprese, eliminando le distorsioni del mercato. Stefan Bohlken, capo della corporazione dei piastrellisti e dei posatori di pietra naturale di Oldenburg, si è battuto per la riverifica del suo mestiere nel 2018 – e ha spiegato il perché in un’intervista a STEIN. La sua tesi principale all’epoca era che non si trattava di „chi è il miglior piastrellista“, ma di conoscenze commerciali e di garantire prestazioni di formazione.

I maestri artigiani come ostacolo all’ingresso nel mercato

Ma non tutti la vedevano così. Quando nel 2004, nell’ambito dell’Agenda 2010, l’allora governo rosso-verde abolì le qualifiche obbligatorie di maestro artigiano in 53 mestieri, intendeva sostenere i lavoratori autonomi. In effetti, negli anni successivi il numero di nuove imprese è aumentato, così come la concorrenza. Gli economisti sostengono che questo sia un vantaggio per i clienti. Perché possono decidere da soli se scegliere o meno l’attività di un artigiano, spesso più costosa. Achim Wambach, presidente della Commissione Monopoli, avverte, ad esempio, che il ricircolo rende molto più difficile l’ingresso di nuove imprese sul mercato. A lungo termine, l’esame di maestro artigiano, costoso e lungo, farà sì che i consumatori debbano aspettare ancora più a lungo per trovare un artigiano.

STEIN si chiede: la rimasterizzazione è la strada giusta?

La rimasterizzazione contrasterà la carenza di manodopera specializzata e il dumping competitivo e aumenterà il valore dei mestieri specializzati? Oppure chiuderà il mercato e ostacolerà la libera concorrenza? La ri-masterizzazione avrebbe più senso solo nelle professioni in cui è giustificata dal rischio e dalla protezione dei consumatori? Ritenete che l’obbligo di rimappatura sia uno strumento efficace o una leva sbagliata nel dibattito sulla futura vitalità dei mestieri artigianali? Regolamenta abbastanza o troppo?

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Il maestro artigiano come marchio di qualità

In dodici mestieri precedentemente esenti da licenza, il requisito di maestro artigiano sarà nuovamente applicato a partire dal 2020. È una mossa giusta? – Fateci sapere la vostra opinione. Il Bundestag ha votato a favore del progetto di legge per la reintroduzione dei maestri artigiani. La legge si applica a dodici mestieri, tra cui piastrellisti, pavimentatori e mosaicisti, produttori di blocchi di cemento e terrazzo e posatori di massetti. Hans Peter Wollseifer della Confederazione tedesca dell’artigianato […]

Il 1° settembre 2021 il maestro scalpellino Thomas Jornitz e suo figlio lanceranno una campagna Instagram che durerà tre anni: un „apprendistato virtuale“ nel mestiere di scalpellino. Più volte alla settimana forniranno ai follower del canale @lets.metz informazioni sul mestiere, video e compiti. Thomas Jornitz parla con STEIN dell’idea, del necessario sviluppo della formazione e della diffusione del mestiere attraverso i social media.

Su instagram.com/lets.metz, il maestro scalpellino Thomas Jornitz e suo figlio André forniscono regolarmente informazioni sulla vita quotidiana di uno scalpellino. Foto: Privato

STEIN: Come le è venuta l’idea di offrire una formazione virtuale?

Thomas Jornitz: Attualmente sono in molti a chiederlo: Vieni nel settore dei mestieri qualificati, fai un apprendistato! Ma spesso non si va oltre, e noi crediamo che questo tipo di reclutamento di apprendisti non sia efficace in molti luoghi. Abbiamo bisogno di un formato fresco, che si rivolga ai giovani. E loro passano molto tempo sui social media. Per questo crediamo che se ci impegniamo a fondo nella campagna e la interpretiamo nel modo giusto, possiamo anche generare attenzione. Ma non vogliamo solo dare ai giovani una visione dettagliata dell’apprendistato, vogliamo anche raggiungere chi li circonda e le persone interessate di tutte le età. Dopo tutto, l’apprezzamento dell’apprendistato sta soffrendo nella società, e non solo nei mestieri qualificati. La gente fa presto a dire: „Quindi fai SOLO l’apprendistato?“. Per questo motivo stiamo pianificando la campagna in modo piuttosto esteso. Vogliamo cambiare attivamente l’opinione comune secondo cui „l’apprendistato non è un granché“, mostrando quante conoscenze vengono impartite in questi tre anni di formazione. La nostra azienda è attiva nel settore delle lapidi in Turingia e a Potsdam, ma per la formazione virtuale stiamo collaborando con grandi colleghi che lavorano nel restauro, sono scultori di pietra o sono specializzati in cucine, per esempio.

STEIN: Che cosa avete in mente esattamente? I seguaci dovrebbero diventare attivi a loro volta?

Thomas Jornitz: Insieme a mio figlio, pubblicherò contenuti più volte alla settimana. Potrebbero essere foto con informazioni, ma anche video di YouTube e storie di Instagram, scambi con i colleghi, compiti che la comunità può svolgere se lo desidera. La formazione interattiva viene sempre filmata in modo tale che i follower abbiano la sensazione che mio figlio sia accanto a loro durante l’allenamento. Vogliamo anche tenere una sorta di libretto di formazione. Ci saranno anche contenuti didattici tratti dal programma di formazione della scuola professionale, ad esempio sulla storia della scrittura. Vogliamo approfondire questo aspetto, perché è importante per la professione riconoscere perché la scrittura, e con essa una parte della cultura e dell’arte, si è sviluppata nel modo in cui si è sviluppata. Vogliamo anche mostrare molto della vita di tutti i giorni, la cooperazione spesso grande tra scalpellini, ma anche quando le cose vanno male sul lavoro. Dopo tutto, l’immagine esagerata dell’artigiano infallibile può scoraggiare i giovani che vorrebbero fare uno stage, ad esempio. A mio avviso, è molto più importante insegnare a imparare dagli errori nel miglior modo possibile. E poi abbiamo già qualche idea creativa su come vogliamo illustrare aspetti come lo spostamento delle pietre e le varie tecniche che si possono usare per farlo senza macchine. Naturalmente, saremmo lieti se tra i nostri follower ci fossero anche gli apprendisti, ad esempio, interessati a partecipare attivamente ai nostri contenuti. A tal fine, abbiamo avviato una collaborazione con un produttore di utensili e stiamo mettendo in palio un premio per i tirocinanti sotto forma di un buono per gli utensili. Prima di iniziare a settembre, è prevista una fase di candidatura. Gli interessati possono candidarsi all’apprendistato virtuale tramite Instagram.

STEIN: Sembra un lavoro impegnativo. Cosa volete ottenere per la vostra azienda?

Thomas Jornitz : La campagna richiederà molto tempo, ma non riguarda tanto la nostra azienda. Certo, si ottiene attenzione e visibilità. Ma la nostra motivazione è il nostro impegno nei confronti dell’intero settore del commercio specializzato. Dopo tutto, quasi tutte le imprese del settore sono alla ricerca di giovani talenti e, allo stesso tempo, la società apprezza sempre meno la formazione. In Germania, lo studio è considerato la „disciplina suprema“. Non solo gli artigiani, ma anche le corporazioni e la politica educativa hanno perso molto. Speriamo che se adottiamo un approccio fresco e soprattutto positivo, rompendo questa certa freddezza del settore e mantenendo così la soglia per i giovani il più bassa possibile, possiamo fare la differenza.

STEIN: Secondo lei, cosa deve cambiare nella formazione?

Thomas Jornitz : Deve essere adattata con urgenza ai tempi attuali. È inaccettabile che tutti gli apprendisti falegnami lavorino con programmi CNC durante la loro formazione, mentre agli scalpellini vengono insegnate per anni solo le nozioni di base, come il taglio dei profili. L’industria non trasferisce nella formazione i progressi degli ultimi 20 anni, ma vuole mantenere la tradizione a tutti i costi, anche se esistono alternative tecniche, ad esempio. Le scuole professionali fanno molti sforzi, ma parte del materiale didattico è obsoleto o molto blando. Vorrei anche che si desse più spazio alle relazioni interpersonali. Un dipendente di un’azienda di lapidi, ad esempio, ha bisogno di un istinto sicuro per consigliare con riverenza le persone in lutto. Ma nessuno l’ha ancora imparato. Infine, sarebbe opportuno, al giorno d’oggi, agevolare i cambi di carriera che vogliono completare una qualifica professionale, ad esempio, ma che hanno già un lavoro a tempo pieno e hanno bisogno di modelli flessibili.

Il 1° settembre 2021 il maestro scalpellino Thomas Jornitz e suo figlio lanceranno una campagna Instagram che durerà tre anni: un „apprendistato virtuale“ nel mestiere di scalpellino. Più volte alla settimana forniranno ai follower del canale @lets.metz informazioni sul mestiere, video e compiti. Thomas Jornitz parla con STEIN dell’idea, del necessario sviluppo della formazione e […]

L’interazione tra la città e le infrastrutture per l’acqua piovana necessita di un cambiamento di paradigma: solo sulla base di una pianificazione ben ponderata della gestione dell’acqua, infatti, un equilibrio idrico quasi naturale e la prevenzione delle inondazioni nella pianificazione urbana possono essere integrati a lungo termine. Nell’ambito del progetto „Strategie di progettazione degli spazi aperti“ del progetto INIS (sistemi infrastrutturali intelligenti e multifunzionali per un approvvigionamento idrico e uno smaltimento delle acque reflue sostenibili) SaMuWa, è stata sviluppata una linea guida per l’azione, che è stata modellata e testata a Bochum e Gelsenkirchen.

Area modello di Gelsenkirchen: unire la gestione delle acque piovane e lo sviluppo urbano

Nell’ambito di un progetto modello a Gelsenkirchen, è stato sviluppato un concetto integrato per le misure di gestione delle acque piovane sulla base di un’analisi del deficit del bacino idrografico del bilancio idrico urbano utilizzando lo strumento WABILA. Questo modello di bilancio idrico, sviluppato nell’ambito del progetto SAMUWA, consente un bilanciamento semplificato del bilancio idrico urbano.

Sulla base di un’analisi completa dell’area selezionata(fase 1), WABILA viene utilizzato per confrontare i valori medi annui del deflusso superficiale, della ricarica delle acque sotterranee e dell’evaporazione dell’area edificata con quelli dell’area non edificata e per identificare e visualizzare i deficit del bilancio idrico come base per la pianificazione delle misure(fase 2). Il risultato mostra chiaramente che il deficit di evaporazione è significativamente maggiore del deficit di ricarica delle acque sotterranee in molte aree. La mappa dei risultati dell’analisi del deficit del bilancio idrico urbano mostra in quali aree si registrano le maggiori deviazioni rispetto al bilancio idrico dello stato non sviluppato e dove quindi è più necessario intervenire.

Sulla base di questi risultati e tenendo conto dei modelli esistenti e degli scenari di sviluppo territoriale, viene creato un modello di sviluppo urbano legato all’acqua(fase 3), che formula obiettivi di sviluppo per le varie aree di sotto-catenamento con l’obiettivo di ottimizzare il bilancio idrico delle varie aree urbane. Il sistema idrico dovrebbe diventare visibile e tangibile e, insieme a un sistema di spazi aperti legati all’acqua, collegare i vari quartieri e spazi urbani tra loro e creare nuove qualità spaziali che aumentino la qualità della vita e la resilienza della città alle influenze climatiche.

Le aree con una maggiore necessità di intervento identificate dall’analisi del deficit vengono esaminate in relazione al possibile potenziale di sinergia con altre pianificazioni specializzate e, su questa base, vengono definite aree di trasformazione e di interesse(fase 4). Per queste aree selezionate, vengono sviluppate e visualizzate diverse combinazioni di misure sulla base di un sistema modulare di misure con l’obiettivo di ottimizzare il rispettivo bilancio idrico(fase 5), come la riprogettazione di un’area commerciale con tetti verdi, spazi verdi ottimizzati per l’evaporazione e strade.

I concetti risultanti sono poi testati per i loro effetti sul bilancio idrico utilizzando il modello di bilancio idrico WABILA, che consente di ottimizzare iterativamente la pianificazione delle misure con l’obiettivo di approssimare il bilancio idrico naturale. Come richiesto dall’attuale DWA-A 102 (2016), il metodo sviluppato dimostra che il bilancio idrico naturale locale, con la sua relazione specifica tra le componenti principali di deflusso, infiltrazione ed evaporazione, può rappresentare il punto di partenza per l’implementazione di concetti di misure integrate.

Per saperne di più su questo argomento, consultare Garten+Landschaft 11/2016 – Pianificare con l’acqua piovana.

È difficile sapere da dove cominciare. Ora vi recate a Norimberga con la ferma convinzione di dover solo accompagnare un triste residuo di una pianta morente, in preda a un’inesorabile infermità, nell’ultimo tratto di un viaggio infinitamente lungo e faticoso verso il suo ultimo respiro. E cosa succede?

Si incontrano visitatori della fiera, tra cui qualche volto noto e molti stimati colleghi, che sono di buon umore mentre raccolgono informazioni presso gli stand di quegli espositori che, nonostante tutte le profezie di sventura, hanno osato entrare nei noti padiglioni fieristici. Anche gli espositori sono di buon umore. Anche nel padiglione 4A, noto negli ambienti industriali come il padiglione delle tombe. Ma è qui che torna alla ribalta l’editorialista di Metz, che non è del tutto sicuro che sia auspicabile che nel padiglione fieristico ci siano molti più espositori di quanti ce ne siano.

Il fatto che, da un punto di vista soggettivo, gli estremi sembrino divergere sempre di più in uno spazio sempre più piccolo offre anche spunti di riflessione: design discreto ed equilibrato accanto a scorze lucide e stridenti. L’ostentazione sovraccarica accanto alla moderazione ridotta. Espositori che osano porre domande fondamentali, sotto gli occhi di altri che non se le pongono nemmeno quando i cambiamenti sociali non lasciano più nulla del loro modello di business.

E in mezzo a tutto questo, Metz, che è palpabilmente estasiato, in cui si fa strada lo smarrimento. Ma per fortuna ci sono ovunque colleghi, diciamo così, attenti che ti riportano rapidamente in un mondo in cui c’è molto da vedere. E da ascoltare. Per esempio: „Dovrebbero essere impiccati, i due commentatori di STEIN!“. L’editorialista macellaio è esultante perché ora ha la prova evidente che non tutto è vano. E che è vivo: la sua scena!

Sguardi laterali da STEIN nel luglio 2013.

Il G+L di maggio si concentra sulla pianificazione tra città e regione. Perché? Non per il previsto esodo urbano causato dal coronavirus, ma perché il cambiamento demografico ha una previsione diversa: Le aree rurali si stanno riducendo, seguite da posti vacanti e da crescenti problemi di offerta. Il team editoriale di G+L ha imparato soprattutto una cosa lavorando alla rivista: che le aree rurali hanno bisogno di più visioni! E Ursula Sowa può aiutarci in questo. L’architetto qualificato e portavoce della politica edilizia per il partito dei Verdi vorrebbe una Mostra Internazionale dell’Edilizia, una IBA Bavaria – Ursula Sowa ritiene che una IBA Bavaria possa dare forma ai necessari processi di trasformazione regionale di cui la Baviera ha bisogno.

Un’Esposizione Internazionale dell’Edilizia (IBA) offrirebbe l’opportunità di concentrarsi sulle questioni urgenti del futuro nello Stato Libero di Baviera. I centri urbani della Baviera soffrono di una mancanza di alloggi e di gravi problemi di traffico. Nelle aree rurali, invece, i comuni stanno lottando contro l’emigrazione, i posti vacanti e la mancanza di collegamenti con i centri urbani più grandi. A ciò si aggiungono tendenze globali come la trasformazione digitale, che stanno già avendo un impatto decisivo sulla Baviera nel suo complesso.

In Baviera non si è ancora tenuta una mostra internazionale dell’edilizia. Ora si prevede di organizzare un’IBA nella regione metropolitana di Monaco di Baviera con il tema guida „Spazi di mobilità“. A partire dal 2022, l’IBA inviterà i comuni e gli stakeholder della regione metropolitana di Monaco a mostrare come una regione urbana in crescita possa ripensare l’abitare, il lavorare e il viaggiare insieme, rimanendo al contempo vivibile e in movimento in un processo decennale per il futuro.

Un inizio è stato fatto con il progetto dell’IBA di Monaco sul tema della mobilità. Ma il potenziale di un’IBA dovrebbe andare a beneficio di tutta la Baviera e non limitarsi alla regione di Monaco. Anche il nord della Baviera – in particolare la Franconia, che, a differenza del sud in crescita, sta lottando con una popolazione in calo a causa dell’emigrazione e dei cambiamenti demografici – deve essere collegato a questo progetto. La forza innovativa di un’IBA potrebbe contrastare il crescente divario tra il nord e il sud della Baviera. Si potrebbero avviare sviluppi territoriali per rendere il nord attraente per l’immigrazione, rafforzare i fattori di localizzazione nelle regioni rurali e creare così un equilibrio in tutta la Baviera.

Il sostegno dello Stato Libero

A Norimberga, per esempio: dopo che la città non è riuscita a vincere il titolo di Capitale europea della cultura, un’IBA potrebbe invece fornire le innovazioni necessarie al di là dei confini della città. Norimberga ha un patrimonio architettonico multiforme che potrebbe essere il punto di partenza per un’IBA. I temi della cultura industriale e della città della scienza fornirebbero uno stimolo interessante per un’IBA, così come la questione di come Norimberga possa diventare più ecologica e rispettosa del clima. Norimberga ha un grande potenziale per trasformarsi in una metropoli moderna e per perseguire con coraggio questa strada senza perdere l’equilibrio tra tradizione e futuro.

L’IBA non è solo la strada giusta per Monaco, ma anche per Norimberga e altre regioni della Baviera. Come progetto congiunto che coinvolge diverse città e regioni – una rete policentrica di progetti e idee innovative che abbraccia l’intera Baviera – l’IBA Bayern potrebbe apportare cambiamenti sostenibili in un arco di tempo di dieci anni che avrebbero un impatto positivo su tutte le regioni della Baviera. Un’IBA Baviera è una grande opportunità per lo sviluppo territoriale in Baviera e un ottimo strumento per dare forma ai processi di trasformazione regionale.

Anche se un’IBA si basa su un ampio processo di partecipazione e non può essere imposta dai governi federali o statali, sarebbe auspicabile un sostegno da parte dello Stato libero per approfondire le idee e sviluppare una struttura progettuale, organizzativa e finanziaria per il processo IBA, in modo che ancora più autorità locali salgano sul carro dell’IBA.

Ursula Sowa è un architetto qualificato di Bamberg. In qualità di portavoce del partito bavarese dei Verdi per la politica edilizia, intende presentare una mozione interpartitica in seno alla commissione edilizia per portare avanti l‘IBA in Baviera. Chiunque abbia idee sull’IBA Bavaria è invitato a contattare Ursula Sowa: iba@ursula-sowa.de.

Qui potete acquistare G+L 05 sul tema „Pianificazione tra città e regione“.

Siete interessati allo strumento dell’Esposizione Internazionale dell’Edilizia? Potete trovare tutte le informazioni sull‘IBA di Basilea, la prima IBA tri-nazionale, nella pubblicazione specializzata „Gemeinsam Grenzen überschreiten – Au-delà des limites, ensemble“, o saperne di più sull’attuale IBA Thüringen.

L’Alte Pinakothek di Monaco di Baviera arricchisce la propria collezione con un vero capolavoro della pittura tedesca antica: la “Maria Regina del Cielo” di Hans Baldung Grien. Questo straordinario dipinto risalente agli inizi del XVI secolo, che colma una lacuna nel patrimonio della collezione, non è solo un gioiello estetico, ma rappresenta anche un passo significativo per la promozione dell’arte e della cultura da parte delle fondazioni private in Baviera.

Le Collezioni statali di pittura bavaresi ampliano la loro collezione di pittura tedesca antica con un’opera di particolare rilievo: la «Maria come Regina del Cielo» di Hans Baldung Grien, realizzata intorno al 1516/18, fa ora parte dell’Alte Pinakothek. L’acquisizione è stata resa possibile dalla Fondazione Pesl della Baviera, dalla Fondazione artistica Ernst von Siemens e dall’Associazione della Pinacoteca.
L’immagine devozionale dipinta su legno di tiglio (35 x 25,5 cm) era una delle ultime opere di Hans Baldung ancora conservate in mano privata e «non solo completa la collezione, ma la arricchirà», ha affermato Thomas Weckbach, presidente della Fondazione Pesl. La nuova acquisizione è considerata eccezionale dal punto di vista artistico e iconografico. Il dipinto sarà presentato per la prima volta al pubblico a partire dal 5 giugno 2025 nell’ambito della mostra «Come raccontano le immagini. Storytelling da Albrecht Altendorfer a Peter Paul Rubens», al piano terra ovest dell’Alte Pinakothek.
«Un’acquisizione celestiale per la Baviera: la “Maria come Regina del Cielo” di Hans Baldung Grien diventa monacense!», commenta il ministro di Stato Markus Blume. «Il fatto che possiamo ammirare in modo permanente questa straordinaria opera della pittura tedesca antica nell’Alte Pinakothek lo dobbiamo in gran parte all’impegno di Maja e Rudolf Pesl.»

Mecenati con una visione

Con questa acquisizione, la Fondazione Pesl della Baviera si afferma per la prima volta come partner di importanti acquisizioni museali. La fondazione, istituita nel 1991, promuove l’arte, la cultura e l’istruzione in Baviera e in futuro renderà possibili ulteriori acquisizioni per l’Alte Pinakothek, la Neue Pinakothek e il Museo Nazionale Bavarese.
«Potere acquisire un’opera così eccezionale è un’occasione rara e fortunata. Renderla possibile è stato per noi al tempo stesso un dovere e una gioia», sottolinea il dott. Thomas Weckbach, presidente del consiglio di fondazione.
Anche la Fondazione artistica Ernst von Siemens e l’Associazione delle Pinacoteche hanno contribuito in modo determinante all’acquisizione. «Hans Baldung, un uomo del Rinascimento creativo e colto, ha conferito alla Regina del Cielo un aspetto pittoricamente perfetto, cromaticamente impressionante, divino e sensuale», afferma il dott. Martin Hoernes, segretario generale della Fondazione Siemens.

Un’opera di importanza storico-artistica

Hans Baldung, detto Grien (1484/85–1545), è considerato uno dei più importanti esponenti della pittura della Germania antica. Dopo la formazione nella bottega di Albrecht Dürer, sviluppò a Strasburgo uno stile inconfondibile. Le sue opere uniscono una tecnica pittorica magistrale a una profondità intellettuale. In particolare, le raffigurazioni della Madre di Dio occupano un posto centrale nella sua opera.
«Maria come Regina del Cielo» ne è un esempio impressionante. La combinazione tra la Madonna incoronata e la Maria lactans, ovvero la raffigurazione della Madonna che allatta, rimanda a molteplici significati teologici. Dettagli pittorici come il velo trasparente, che si fonde con la fasciatura del Bambino Gesù, evidenziano la capacità di Baldung di creare un simbolismo figurativo complesso.
«Il dipinto contrappone la figura mariana, di una bellezza ideale e sensuale, a un neonato raffigurato in modo realistico», si legge nel comunicato delle Collezioni statali di pittura. «Il velo leggerissimo unisce entrambe le figure e rimanda alla doppia natura di Cristo».
Anton Biebl, direttore ad interim delle Collezioni statali di pittura bavaresi, sottolinea la dimensione strategica dell’acquisto: «Questa partnership ci consentirà di sviluppare una strategia di acquisizione volta a consolidare la collezione di fama mondiale ai massimi livelli».

Provenienza illustre

La storia dell’opera risale a oltre un secolo fa. Da una collezione privata di Basilea, nel 1907 entrò a far parte del Museo Principesco degli Hohenzollern a Sigmaringen, fu acquistata nel 1928 dal collezionista ebreo Robert von Hirsch e nel 1933 poté emigrare con lui in Svizzera. Dopo la morte di Hirsch, la collezione fu messa all’asta a Londra nel 1978. Nel 2012 l’opera passò in mano a proprietari americani, da dove è ora tornata a Monaco di Baviera.
La nuova incorniciatura dell’opera è stata realizzata con una cornice storica coeva in legno di noce (1500–1550 circa), finanziata dalla Fondazione Pesl della Baviera.

Importanza per la collezione di pittura altotedesca

Con questa acquisizione, l’Alte Pinakothek non solo arricchisce la propria collezione di un’opera di grande rilevanza storico-artistica, ma lancia al contempo un segnale per il futuro della pittura tedesca antica in Baviera.
«All’Alte Pinakothek mancava finora un’immagine devozionale di piccole dimensioni di Baldung», sottolinea Gabriel Dette, responsabile della collezione di pittura tedesca antica. «L’opera si inserisce perfettamente nella collezione esistente, come se fosse sempre stata destinata a questo luogo.»

Per saperne di più: A Milano l’architettura storica incontra l’eleganza moderna.

© Collezioni statali bavaresi di pittura – Alte Pinakothek di Monaco
Foto: Sibylle Forster

Max Liebermann (1847–1935) ha immortalato su tela, in numerosi dipinti, il giardino della sua villa sul lago Wannsee a Berlino. Ma anche questo giardino, come molti altri, risente dei cambiamenti climatici. Ora, grazie alle donazioni, il giardino del pittore verrà rimesso a nuovo per affrontare il futuro.

Intorno al 1900, tra l’alta borghesia berlinese si diffuse la moda di possedere case di campagna. Nel luglio 1909, Max Liebermann riuscì ad aggiudicarsi uno degli ultimi appezzamenti di terreno in riva al lago nella colonia di ville di Alsen sul Wannsee. Su due lotti di terreno al numero 24 della Große Seestraße (oggi Colomierstraße 3) creò un rifugio per sé e la sua famiglia. Lì, lontano dal trambusto e dal frastuono della grande città di Berlino, realizzò con grande attenzione ai dettagli, oltre a una villa, anche uno splendido giardino. Le lettere che scrisse al suo amico Alfred Lichtwark (1852–1914), riformatore del giardinaggio e all’epoca direttore della Kunsthalle di Amburgo, testimoniano le riflessioni profonde e accurate di Liebermann sulla progettazione dell’edificio residenziale e del giardino. Il 26 luglio 1909, ad esempio, riferì a Lichtwark che la facciata «assomiglia troppo a una casa di campagna», per poi aggiungere: «Vorrei una casa di campagna costruita da un cittadino. Come sempre, la cosa più semplice è anche la più difficile» [sic]. La villa fu progettata dall’architetto Paul Otto Baumgarten, che era già stato responsabile della vicina Villa Hamspohn. Sul lato della strada, la villa è caratterizzata da due colossali colonne in calcare conchilifero, mentre il lato del giardino, rivolto verso il lago, è dominato da un risalto centrale coronato da un frontone. Il giardino fu progettato da Albert Brodersen. Già nella primavera del 1910 la dimora era pronta per essere abitata e anche l’allestimento del giardino era in gran parte completato. Da allora, dal 1910 fino alla morte di Max Liebermann nel 1935, i Liebermann trascorsero le loro vacanze estive nel loro «castello sul lago».

Progettazione del giardino in stile riformista

A causa dello scoppio della Prima guerra mondiale, Liebermann non poté più intraprendere i suoi soggiorni annuali dedicati alla pittura che lo portavano nei Paesi Bassi, e il suo rifugio nel giardino divenne sempre più la sua fonte di ispirazione. I suoi soggiorni estivi tra il 1910 e il 1934 diedero vita a oltre 200 dipinti a olio e a numerose opere su carta. Nelle sue opere l’artista raffigurò il proprio giardino in tutto il suo splendore cromatico, preservandone così l’aspetto anche per i posteri. Dopo la morte di Liebermann nel febbraio 1935, la casa subì una storia movimentata, il cui triste culmine fu la vendita coatta del 1940. I nazisti costrinsero la vedova di Liebermann, Martha, a vendere la proprietà alla Deutsche Reichspost. Quest’ultima istituì nella villa un «campo di addestramento» per il proprio «personale femminile». Di conseguenza, il giardino dei Liebermann fu quasi completamente distrutto e unito a quello della vicina Villa Hampsohn. Dopo il 1945 la villa, insieme alla vicina Villa Hampsohn, fu utilizzata dall’ospedale comunale di Wannsee come reparto chirurgico. Nel 1951 la figlia di Liebermann, Käthe, riottenne la proprietà. Stipulò un contratto di locazione con l’ospedale. Sua figlia Maria ereditò la casa dopo la morte della madre nel 1952 e la vendette nel 1958 al Land di Berlino. La clinica avrebbe dovuto utilizzare l’edificio fino al 1969. L’edificio rimase quindi vuoto per due anni, finché il Club Subacqueo Tedesco non lo prese in affitto come sede associativa. Con la sua fondazione nel 1995, anche la Società Max Liebermann si impegnò a preservare il rifugio estivo dell’artista per vi istituire un museo dedicato a Liebermann. Tuttavia, contemporaneamente, il Comune aveva prorogato anticipatamente di vent’anni il contratto di locazione con i subacquei. Nel 1997, dopo una lunga battaglia e grazie all’impegno di numerosi cittadini, si riuscì a realizzare la destinazione museale dell’edificio. Il Senato di Berlino diede il proprio consenso in occasione del 150° anniversario della nascita di Liebermann. Tuttavia, non fu garantito alcun finanziamento. Molti privati e istituzioni sono intervenuti quando, nel 2002, sono iniziati i lavori di restauro e ristrutturazione della villa. A partire dal 2004 è stato ripristinato il giardino originario. In quattro fasi di costruzione, portate a termine entro il 2014, il giardino è stato ricostruito fedelmente all’originale. In parte è stato possibile attingere alla struttura originale, come i muri di sostegno, le scale, la siepe di tigli nel giardino antistante e i resti della siepe di carpini. Anche fotografie storiche, lettere, progetti e persino i dipinti di Liebermann sono serviti alla ricostruzione.
Il giardino dei Liebermann è suddiviso in diverse aree, ciascuna con una destinazione d’uso specifica. Oltre all’orto con alberi da frutto e ortaggi, realizzato nella parte anteriore del giardino verso la strada, sul retro si trovano un boschetto di betulle e giardini a siepe che ospitano un quadrato di tigli, un giardino ovale e un roseto. Liebermann fece realizzare il giardino secondo i principi del giardino riformato. I giardini contadini della Germania settentrionale sono serviti da modello per il giardino ortofrutticolo. Un viale centrale delimita le aiuole fiorite da quelle orticole ed è fiancheggiato da rigogliose aiuole fiorite. Questa disposizione crea un asse visivo diretto che, attraversando la casa, offre la vista sul Wannsee e che esiste ancora oggi. Dietro la casa si trova il lago, verso il quale il giardino digrada a terrazze. Accanto alla terrazza, che fungeva da estensione del soggiorno per la famiglia, sono state realizzate aiuole fiorite e giardini con siepi. Un boschetto di betulle fiancheggia sul lato sud il prato primaverile, che a partire da marzo è costellato di fiori primaverili e offre una vista sul lago. Su richiesta di Liebermann, il boschetto di betulle è stato conservato. Tuttavia, vent’anni fa le vecchie betulle hanno dovuto essere sostituite con nuove piante. Tre giardini a siepe completavano la progettazione del giardino. I giardini a siepe erano uno strumento progettuale importante per i riformatori del giardinaggio. L’idea alla base di questo elemento progettuale era quella di creare ulteriori spazi architettonici.

Immergersi nei dipinti di Liebermann

Poiché il giardino storico, come molti altri giardini, è colpito dai cambiamenti climatici, la Max-Liebermann-Gesellschaft ha lanciato l’iniziativa «Garten. Spende. Zukunft» per raccogliere donazioni. Attraverso diversi grandi progetti, il giardino verrà reso pronto per il futuro. Oltre ai donatori privati, partecipa all’iniziativa anche la Fondazione tedesca per la tutela dei monumenti. Con le donazioni verranno realizzati complessivamente quattro progetti. A causa delle estati sempre più secche anche a Berlino, il prato e le piante devono essere irrigati regolarmente. Finora si utilizzavano irrigatori a scomparsa. Questi, tuttavia, presentano lo svantaggio che l’acqua evapora rapidamente e raggiunge anche punti che non necessitano di irrigazione, come ad esempio i vialetti. L’impianto di irrigazione dovrà quindi essere modificato per renderlo più sostenibile. In alcune zone del giardino verrà installato un sistema di irrigazione a goccia. Un ulteriore problema nel giardino è rappresentato dalla piralide del bosso e dalle infestazioni fungine sui bossi. Poiché tuttavia i bossi costituiscono un elemento centrale nella progettazione del giardino di Liebermann, si sono cercate soluzioni per sostituire le piante infestate. In collaborazione con alcuni centri di ricerca, si è deciso di sostituire le bordure di bosso attaccate con specie simili al bosso. Un altro elemento centrale nella progettazione del giardino del pittore sono le rose, che risplendono con i loro fiori rossi, rosa e bianchi. Sulla terrazza fiorita estiva, i gerani rossi completano il quadro d’insieme. Poiché si tratta di monocolture, il terriccio deve essere sostituito dopo 15 anni. Il quarto e ultimo progetto riguarda il rifacimento dei sentieri e il potenziamento delle aiuole. Ogni anno oltre un milione di visitatori e visitatrici visitano il giardino di Max Liebermann, per cui i sentieri sono sottoposti a forti sollecitazioni. Per questo motivo, le superfici dei sentieri saranno dotate di nuovi strati di copertura e le aree pavimentate saranno rifatte. I lavori nel giardino dell’artista, che egli ha immortalato in numerosi dipinti e opere su carta, dovrebbero essere completati quest’anno per consentire a molti visitatori di immergersi ancora nelle immagini del famoso impressionista berlinese.

Scultorei, grafici e dinamici: così possono essere descritti i due tessuti per tende „Rennes“ e „Chainette“, creati dal duo di designer Ronan ed Erwan Bouroullec per l’azienda tessile danese Kvadrat. In Rennes, strisce a trama fitta con diversi gradi di trasparenza formano un vivace motivo di verticali e diagonali.

Nel corso della giornata, quando le condizioni di luce cambiano, Rennes rivela sempre nuove e sottili sfumature grazie alle piccole irregolarità del tessuto. Chainette, invece, traccia delicatamente i contorni di Rennes: Le linee ricamate si incrociano sulla base trasparente bianca o grigio scuro, creando forme geometriche accattivanti e conferendo al tessuto un sottile carattere tridimensionale. Le „trecce“ ricamate hanno anche dato il nome al tessuto: „Chainette“ significa „piccola catena“ in francese.

Foto: Brian Buchard

Il Rococò non è solo uno stile architettonico e pittorico, ma anche un riflesso delle strutture sociali, dello stile di vita aulico e dell’autopresentazione culturale del XVIII secolo. Mostra come l’arte venisse creata in stretta connessione con la vita quotidiana, l’intrattenimento e la rappresentazione sociale. Quest’epoca si concentrava sull’esperienza intima, sul piacere estetico e sul piacere sensuale coltivato.

Nel periodo rococò, arte e vita quotidiana si fondono in un unico stile di vita lussuoso. Nei salotti, nei boudoir e nei gabinetti privati dell’aristocrazia non solo si viveva, ma si metteva in scena la propria vita. Le stanze fungono da palcoscenico per la conversazione, il piacere della musica e lo scambio estetico. L’architettura, i mobili, le decorazioni murali e l’arte pittorica formano un insieme armonioso che rivela le gerarchie sociali e il gusto personale.
I salotti francesi sono un esempio lampante di questa cultura: con pareti color pastello, pavimenti in parquet riflettente, stucchi dorati e tessuti morbidi, creano spazi di intimità e comunicazione colta. Le opere d’arte, come i dipinti di Watteau, Boucher o Fragonard, accompagnano gli eventi sociali. I temi dell’amore, della musica e del piacere riflettono gli ideali dell’epoca e servono anche come spunto di conversazione su gusto, educazione e sensibilità sociale.

Festival, musica e teatro: il rococò come esperienza complessiva

L’arte rococò raramente dispiega i suoi effetti in modo isolato: fa parte di un’esperienza complessiva multisensoriale. L’architettura, la pittura, la musica e il teatro si fondono in un’unità sinestetica che fa appello a tutti i sensi. Nelle feste di corte, il balletto, le mascherate, l’opera e la pittura si mescolano per formare un insieme di piacere. Gli affreschi altamente illusionistici di Giovanni Battista Tiepolo – ad esempio nella Residenza di Würzburg o nel Palazzo Labiain a Venezia – sono esemplari di questa idea: luce, movimento e gesti teatrali trasformano lo spazio reale in un palcoscenico per visioni mitologiche, allegoriche e festive.
Anche la musica rococò contribuisce all’atmosfera di raffinatezza. Compositori come Jean-Philippe Rameau, François Couperin, Carl Philipp Emanuel Bach e Johann Christian Bach creano spazi sonori che possiedono la stessa eleganza, delicatezza e ornamentazione delle arti visive. Questa combinazione di suono, colore e movimento trasforma il Rococò in un’opera d’arte totale per i sensi, incarnando l’ideale estetico del XVIII secolo.

Intimità e autopresentazione

Il Rococò è l’arte dei gesti raffinati e della sottile rappresentazione di sé. Ritratti, scene di genere e interni riflettono il gusto, l’educazione e la sensibilità personale. La famosa Madame de Pompadour, mecenate e amante di Luigi XV, è un esempio di raffinata auto-rappresentazione: nei modelli mitologici – ad esempio come „Diana“ o „Venere“ – combina un senso di potere con la grazia femminile e le aspirazioni culturali.
Questa intimità si riflette anche a livello architettonico: padiglioni, palazzi di piacere e architetture di giardini – come il Petit Trianon di Versailles – sono personalizzati a misura d’uomo e di atmosfera. Luce, specchi e colori creano un’armonia poetica. A differenza delle stanze barocche, che sono troppo invadenti, il rococò mira a perfezionare la percezione e a creare vicinanza. È un’arte della privacy, della raffinatezza sensuale e del controllo estetico.

Funzione sociale: intrattenimento e istruzione

L’arte rococò svolge una funzione sia decorativa che sociale. Delizia, intrattiene ed educa, senza fare moralismi. I dipinti, le decorazioni e le scene allegoriche incoraggiano le conversazioni su „le bon goût“ e servono a educare stilisticamente i sensi. L’arte divenne parte dell’educazione cortese, espressione di appartenenza sociale e strumento di coltivazione emotiva. Questo gioco tra significato e apparenza, tra divertimento e riflessione, caratterizzava l’habitus di una classe superiore istruita che intendeva la sensibilità estetica come una virtù morale e sociale. Il Rococò divenne così l’arte dell’edonismo illuminato: il piacere della bellezza divenne un simbolo di cultura raffinata.

Impatto internazionale e transizione al classicismo

Il rococò si diffuse in tutta Europa nel XVIII secolo e assunse un’ampia varietà di forme regionali. In Francia, il rococò enfatizza l’eleganza e l’intimità, mentre in Baviera, Boemia e Austria (ad esempio nelle opere di François de Cuvilliés, Johann Baptist Zimmermann e Paul Troger) assume una splendida monumentalità, pur conservando un senso di leggerezza. In Italia è caratterizzato da affreschi luminosi, mentre in Inghilterra e nei Paesi Bassi si esprime con maggiore forza negli interni e nell’artigianato artistico. Negli anni 1760 e 1770, tuttavia, iniziò un cambiamento: Il fascino giocoso del rococò lascia sempre più il posto alla ricerca di chiarezza, ordine e moderazione classica. Il classicismo eleva la forma antica a nuovo ideale: il rococò sembra ora incarnare un mondo in declino ma affascinante.

Il rococò come specchio di un’epoca

Il rococò rivela molto di più di semplici superfici decorative. Riflette l’atteggiamento verso la vita di un’epoca che combinava estetica, piacere e istruzione in un insieme colto. Architettura, pittura, musica e socializzazione si combinano per creare un’arte dell’esistenza – sensuale, delicata e allo stesso tempo intellettualmente sofisticata. Culmine finale della tradizione dell’arte cortese, il Rococò eleva il piacere a principio e trasforma l’arte in una forma di arte di vivere. Diventa così l’epilogo poetico del Barocco e la porta d’accesso a una nuova estetica caratterizzata da ragione e moderazione.

Per saperne di più: I palazzi e i parchi di Potsdam sono un gioiello rococò.

L’UFO è atterrato. La più nota casa di plastica „Futuro“ del 1968 è stata accuratamente restaurata nel corso di mesi e ora si trova sul prato di fronte alla Pinakothek der Moderne di Monaco. Poggia su un sottile telaio d’acciaio con otto gambe, il suo guscio di plastica brilla come la superficie di un guscio d’uovo, i suoi occhi alieni piatti guardano in tutte le direzioni. Appena visibile è l’elemento a parete, con il quale una piccola porta con scale può essere ripiegata fuori dalla fusoliera come dalla carrozzeria di un aereo – così i visitatori possono ora esplorare anche l’interno.

Purtroppo gli interni degli anni Sessanta non sono stati ricostruiti, ma questa visione vivente mobile trasmette ancora meravigliosamente lo spirito del suo tempo, la fiducia nel progresso, ma anche la tenacia del suo creatore Matti Suuronen, che ha creduto nel suo progetto e ha fatto realizzare l’allora innovativa costruzione con grande pazienza.
Ce ne sono ancora 65 al mondo, quella di Monaco resterà in piedi per almeno un anno. Un resoconto dettagliato della sua realizzazione è riportato su Baumeister 6/2017 a partire da pagina 78(www.baumeister.de). Nel prossimo futuro si terranno anche diversi eventi che ruotano attorno al Futuro, come ad esempio una serie di conferenze il 23 luglio: „Tutto quello che avete sempre voluto sapere sul Futuro“.

Sede: Lato nord della Neue Pinakothek, Monaco di Baviera
Orario: aperto il giovedì dalle 15.00 alle 20.00 e il sabato e la domenica dalle 15.00 alle 18.00. Fino a giugno 2018

www.die-neue-sammlung.de
Comunità Instagram: #futuroMUC