La forma di base della scultura „Wine Bar“ è una V, un riferimento alla parola vino. Alle aperture sono state applicate lastre di onice dello spessore di due centimetri, arretrate rispetto all’osservatore. Il materiale pregiato fa da contrasto alla pietra arenaria Cotta, utilizzata come materiale principale.

Il progetto è stato realizzato da Christian Schmitt, studente dell’MHK di Kaiserslautern – è il suo lavoro finale per l’esame di maestro artigiano del 2017.

La V irregolare al centro rompe la simmetria della scultura, creando una forma dinamica. L’opera „rappresenta uno dei pochi pezzi di design degli ultimi anni „, spiega Bernd Decker del dipartimento di scalpellinatura della scuola magistrale.

Nel 2017 sei studenti hanno superato l’esame. I diplomati della MHK non sono vincolati da alcun compito tematico quando si tratta di trovare idee e possono quindi scegliere liberamente il loro motivo.

Il lavoro preliminare viene svolto per 64 ore di laboratorio, a seconda della portata del progetto. L ‚approvazione avviene solitamente all’inizio di marzo, per poter ordinare le pietre dopo il periodo invernale. A tale scopo viene presentata una cartella con tutti i dettagli necessari.

Una settimana prima dell’esame pratico, Christian Schmitt ha dovuto preparare anche un portfolio con un progetto preliminare, una descrizione dell’idea, un calcolo, un disegno tecnico e una prospettiva chiaramente ombreggiata del capolavoro. La documentazione è stata premiata con il 40 percento e il capolavoro con il 60 percento come parte I dell’esame.

Tuttavia, il progetto dell’enoteca non è finito una volta assegnati i voti. Si prevede di aggiungere un’illuminazione sul retro, in modo che il pezzo di design possa essere visto anche di notte.

Qui potete trovare i capolavori degli altri studenti:

Qui potete vedere le sculture degli ultimi mesi:

Sempre meno neodiplomati scelgono di intraprendere un percorso di formazione professionale. Le aziende devono quindi dare prova di creatività per rendere attraente la propria offerta formativa per le nuove leve. Il produttore di calcestruzzo e pietra naturale Rinn ha ricevuto dalla Camera di Commercio e Industria (IHK) il riconoscimento «Azienda di formazione 2017» per il suo progetto. STEIN ha intervistato Kathrin Höres, responsabile delle risorse umane presso Rinn.

STEIN: Perché sempre meno giovani scelgono un percorso di formazione professionale dopo il diploma?

Kathrin Höres: Le opportunità di studiare diventano sempre più accessibili. Inoltre, nella mente dei giovani, dei genitori e dei familiari prevale un’idea obsoleta riguardo alla formazione professionale nel settore artigianale: un lavoro pesante e sporco con una retribuzione bassa. Un percorso di studi, al contrario, sembra più pulito e alla fine potrebbe offrire ottime prospettive di guadagno. Inoltre, le opportunità di carriera sono maggiori.

A ciò si aggiunge il fatto che i giovani non hanno quasi idea di cosa sia un apprendistato. Ad esempio: come si svolge, quali vantaggi ne derivano per me? Il problema è che durante le lezioni scolastiche hanno pochissimi o nessun punto di contatto con il tema dell’apprendistato.

Quali sono le conseguenze per il settore dell’artigianato e della pietra naturale?

L’età media dei dipendenti nel settore artigianale supera i 45 anni, il che significa che nel prossimo futuro molti collaboratori andranno in pensione. Senza nuove leve non potremo mantenere gli standard attuali. Inoltre, un’azienda continua a vivere grazie al pensiero delle generazioni future.

Inoltre, molti giovani non hanno quasi più alcun legame con l’artigianato – del resto, non viene più trasmesso dalla famiglia d’origine. Questo significa per noi che ci viene affidato un nuovo compito formativo. Dobbiamo trasmettere le basi dell’artigianato.

Come reagisce la vostra azienda a questa situazione?

Stiamo adottando iniziative molto diverse, come la messa in onda di uno spot al cinema o la partecipazione a fiere dedicate alla formazione professionale. Inoltre, rafforziamo i contatti con le scuole per contribuire attivamente all’organizzazione delle lezioni: offriamo tirocini per insegnanti, il che significa che gli insegnanti possono sperimentare in prima persona le nostre professioni che richiedono una formazione professionale e quindi spiegare meglio i contenuti ai propri studenti.

Cosa contraddistingue l’azienda Rinn come «Azienda di formazione 2017»?

La nostra formazione è creativa e personalizzata. I nostri apprendisti non solo acquisiscono conoscenze tecniche, ma sviluppano anche la propria personalità.

Per questo motivo siamo tutti sulla stessa barca insieme ai nostri apprendisti. Con questa consapevolezza organizziamo anche corsi di formazione e workshop comuni, come «imparare ad imparare», galateo o training sull’autoefficacia. Ogni anno organizziamo una giornata attiva per gli apprendisti, durante la quale pratichiamo sport insieme.

I nostri apprendisti non solo acquisiscono conoscenze nei reparti operativi, ma lavorano anche a progetti comuni. L’anno scorso è stata allestita un’aiuola rialzata presso l’asilo di Heuchlheim. Questa è stata poi piantata insieme ai bambini e in seguito, con il raccolto, è stato preparato un pranzo. Infine, i nostri apprendisti e i responsabili della formazione contribuiscono attivamente a plasmare il percorso formativo presso Rinn. Grazie alle loro idee e alle loro richieste di cambiamento, il nostro programma di formazione può continuare a evolversi.

Nel numero 6/2018 della rivista STEIN sarà pubblicato uno speciale dedicato alla formazione. Restate sintonizzati. La rivista uscirà alla fine di maggio. 

„Come giovane ufficio, hai bisogno di un nome divertente“, dice l’eloquente ma serio giovane architetto Theo Molloy di Pup Architects. Tuttavia, sono diventati famosi non solo per il nome del loro studio, ma anche per l’H-VAC, una sorta di padiglione sul tetto di una vecchia fabbrica a Londra, che ha alimentato il dibattito sulle soluzioni alla carenza di alloggi a Londra.

Un esempio di gentrificazione: alcuni edifici industriali tra il Regent’s Canal, una scuola, un’ex piscina e grandi blocchi di appartamenti nel quartiere londinese di Shoreditch. Quando gli attuali proprietari acquistarono la proprietà negli anni ’80, i vecchi edifici erano in mano agli abusivi. L’economia era in crisi e molte persone avevano perso il lavoro e la casa. Il quartiere era disseminato di rifiuti, il canale era sporco ed era pericoloso percorrerlo di notte. Circa 30 anni dopo, i vecchi edifici ospitano oggi spazi per eventi, studi, laboratori e gallerie. I giovani passano in bicicletta davanti alle case galleggianti colorate lungo il canale.

La nuova sovrastruttura sul tetto piatto della fabbrica si vede benissimo da questo sentiero lungo il fiume. Brilla come un sistema di ventilazione sovradimensionato in un capannone argentato. L’oggetto inquietante è il cosiddetto Antepavilion; gli architetti Theo Molloy, Chloë Leen e Steve Wilkinson dello studio Pup hanno vinto il concorso per la costruzione dell’edificio, organizzato dal gruppo di investitori Shiva Ltd. insieme alla fondazione no-profit „Architecture Foundation“. Shiva Ltd. ha donato il premio in denaro e il terreno per inventare qualcosa di nuovo al fine di liberare l’architettura da vincoli funzionali e standard estetici restrittivi.

Il progetto di Pup si chiama „H-VAC“, abbreviazione di „heating, ventilation, air-conditioning“ e può essere descritto come un pozzo d’aria abitabile. L’idea si basa sull’idea che, per affrontare la carenza di alloggi a Londra, si potrebbe costruire sui tetti degli edifici esistenti. Qui l’hanno realizzata in modo molto giocoso.

Serpente d’argento

Solo quando ci si avvicina ci si rende conto che il capannone non è fatto di metallo, ma ha un aspetto morbido, quasi tessile. Questo perché uno dei criteri del concorso prevedeva che gli architetti dovessero costruire da soli il padiglione a un prezzo vantaggioso. Pup ha ottenuto questo risultato con una semplice struttura in legno e pannelli in materiale Tetrapak. I rotoli di confezioni di gelato avanzati, che altrimenti sarebbero finiti nella spazzatura, sono stati tagliati, piegati e inchiodati al loro posto.

Gli architetti hanno costruito il padiglione insieme a un falegname e a una squadra di volontari – i loro studenti di Oxford – in un breve lasso di tempo. La struttura in legno è stata realizzata al piano inferiore della sala e assemblata a pezzi sul tetto. È costituita da una torre centrale a cui sono collegate l’entrata e la scala. Le curve sono realizzate con travi auto-laminate e il tutto è stato ricoperto da listelli.

Foto: Jim Stephenson

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La figura di Isacco è al centro di una delle storie più toccanti dell’Antico Testamento. Figlio di Abramo e padre di Giacobbe, è la figura di collegamento tra origine e futuro, tra promessa divina ed esperienza umana. La sua vita combina miracoli, prove e resistenza e dimostra che la fede a volte opera in modo silenzioso ma profondo. Isacco è colui che non agisce a voce alta, ma porta avanti il suo lavoro in silenzio, ed è proprio in questo che risiede il suo significato duraturo.

Secondo la tradizione biblica, Isacco nacque da Abramo e Sara in età avanzata (Genesi 18-21). Il suo nome, derivato dall’ebraico Yitzḥaq (יִצְחָק), significa „Egli ride“ o „Dio ha fatto ridere“. Questa risata si riferisce al momento di incredulo stupore in cui Sara apprende che concepirà un figlio nonostante la sua età – e alla gioia quando la promessa diventa realtà. Anche la sua nascita simboleggia l’intervento divino sui limiti delle possibilità umane. Dopo la morte della madre Sara, Isacco sposa Rebecca, una donna della famiglia di Nahor, fratello di Abramo, su istigazione di quest’ultimo (Genesi 24). La donna si dimostra intelligente e determinata. Dopo anni di assenza di figli, le nascono due gemelli: Esaù, il primogenito, e Giacobbe, il più giovane, che in seguito riceverà l’eredità della benedizione divina.

L’episodio più famoso della vita di Isacco è la cosiddetta „Legatura di Isacco“(Akedah, Genesi 22). È uno dei racconti più toccanti della Bibbia e uno dei testi religiosi più discussi della letteratura mondiale. Dio chiede ad Abramo di sacrificare suo figlio, il figlio che ama tanto e che porta in sé la promessa. Abramo obbedisce, prende con sé Isacco e due servi e si reca sul monte che Dio gli indica. Nella tradizione ebraica, questo monte viene solitamente identificato con il Monte Moriah, che in seguito verrà associato al Monte del Tempio di Gerusalemme. Abramo costruisce un altare, vi pone sopra della legna e lega il figlio. Nel momento cruciale in cui alza il coltello, un angelo lo richiama: ha superato la prova. Al posto di Isacco viene sacrificato un ariete, che Abramo scopre nella boscaglia.
Questa scena è piena di tensione e ambivalenza: mostra una fiducia incrollabile, ma anche la paura esistenziale dell’obbedienza. Per Isacco, significa che la sua stessa vita diventa un messaggio, un segno che la promessa divina è più forte della logica umana. Questa storia ha influenzato profondamente l’idea di fede nell’ebraismo, nel cristianesimo e nell’islam. Nell’ebraismo, il corno dello shofar che viene suonato a Rosh Ha-Shanah ricorda l’ariete sacrificato al posto di Isacco, simbolo di salvezza, misericordia e intervento divino.

Dopo il drammatico episodio del legame, Isacco appare come una figura calma e stabile. In contrasto con Abramo, il fondatore, e Giacobbe, il combattente, egli incarna la continuità. È il custode dell’alleanza, colui che rimane dove gli altri se ne vanno. Isacco vive nella terra di Canaan, coltiva proprietà, scava pozzi, assicura i mezzi di sussistenza e cerca la pace con i vicini, compreso Abimelech, il re dei Filistei (Genesi 26). La sua vita è caratterizzata dalla regolarità – non spettacolare, ma non priva di significato. C’è un messaggio profondo in questa costanza: la fede non si dimostra solo nei grandi momenti, ma nella paziente continuità.
In età avanzata, Isacco diventa cieco (Genesi 27). In questa debolezza, la storia della guida divina si ripete in modo sorprendente. Egli vuole benedire il primogenito Esaù, ma Rebecca e il figlio minore Giacobbe lo ingannano: travestito da fratello, Giacobbe riceve la benedizione del padre. Anche se l’inganno è doloroso, la benedizione rimane – come segno che la promessa di Dio non è legata ai calcoli umani. Isacco rimane il mediatore silenzioso che trasmette la promessa, anche se attraverso il conflitto e l’inganno.

La storia di Isacco, in particolare la scena della sua legatura, è stata interpretata innumerevoli volte nella storia dell’arte. Quasi nessun altro motivo biblico è stato rappresentato così frequentemente. Pittori come Caravaggio, Rembrandt e Tiziano vi hanno trovato una fonte di profondità esistenziale e di dramma emotivo.

Tra le rappresentazioni più famose ricordiamo:

• „Il sacrificio di Isacco“ (1603 circa) di Caravaggio, Galleria degli Uffizi, Firenze – un capolavoro di contrasto chiaroscurale in cui l’angelo interviene all’ultimo momento.
• „Il sacrificio di Isacco“ (1635) di Rembrandt van Rijn, Ermitage, San Pietroburgo – cattura il momento tra l’orrore e il sollievo in un’intimità ossessionante.
• „Abramo e Isacco“ (1543 circa) di Tiziano, Basilica di Santa Maria della Salute, Venezia – una rappresentazione che unisce luce divina ed emozione umana.

Queste opere mostrano come gli artisti, nel corso dei secoli, abbiano inteso la scena non solo come un dramma religioso, ma anche come un dramma profondamente umano. La legatura di Isacco diventa così un’allegoria del conflitto interiore tra dovere, fiducia e amore. Anche filosofi come Søren Kierkegaard l’hanno vista come simbolo di una fede che esiste al di là del comprensibile – il „salto della fede“(Frygt og Bæven, 1843).

Oggi la storia di Isacco ci tocca non solo come testo religioso, ma anche come specchio dell’esperienza umana. Racconta della fiducia che rimane quando tutto diventa incerto; della perseveranza quando non c’è un percorso visibile davanti a noi. Isacco rappresenta la fase della vita tra la partenza e il compimento, quei momenti in cui la fede non agisce in modo forte, ma silenzioso. La sua storia ci insegna che la forza può risiedere anche nella dolcezza e che la costanza è una forma di fedeltà. Se Abramo rappresenta l’inizio e Giacobbe il cambiamento, Isacco incarna il centro, il punto intermedio che spesso viene trascurato ma che porta con sé tutto. Forse è proprio questo il suo messaggio senza tempo: che la fiducia silenziosa a volte cambia più di una partenza rumorosa. Isacco rimane quindi una figura che ha un significato che va ben oltre il suo tempo, come simbolo della fede, della pazienza e della forza tranquilla di mantenere una promessa divina per tutta la vita.

„Bierpinsel“, „Mäusebunker“ e ICC sono monumenti di Berlino Ovest degli anni Settanta, in crisi. Per molti anni sono stati trascurati come eredità non amate del tardo modernismo. Con la riscoperta del Brutalismo, tuttavia, sono tornati a suscitare grande interesse, come dimostra una mostra alla Berlinische Galerie fino al 18 settembre 2023.

La mostra „Improvvisamente meraviglioso“ alla Berlinische Galerie è dedicata a tre progetti architettonici berlinesi degli anni Settanta che probabilmente avrebbero potuto essere creati in questa forma solo in questo momento e in questo luogo – nella „città di facciata dell’Occidente“, nella „vetrina del capitalismo“. La „Bierpinsel“, il „Mäusebunker“ e l’ICC erano e sono tre edifici eccentrici, traboccanti di denaro e anticonformisti. Questo li rende un po‘ come la stessa Berlino Ovest. Non c’è da stupirsi che non abbiano trovato il loro posto nella città riunificata. A differenza dei progetti dell’IBA 87, ad esempio, i tre edifici illuminati da „Suddenly Wonderful“ non hanno avuto praticamente alcun impatto sul paesaggio architettonico. Bierpinsel, Mäusebunker e ICC sono difficilmente concepibili senza la particolare posizione di Berlino Ovest, dove le leggi che si applicavano agli edifici pubblici della Germania Ovest erano talvolta sospese.

Oggetto di identificazione, icona contemporanea, ipoteca: questi tre tipi di architettura sono tutti ugualmente importanti. La loro irragionevolezza ispira e causa grandi difficoltà. Nonostante le buone intenzioni, rimarrà difficile trovare utilizzi praticabili a lungo termine per gli edifici. Questo probabilmente renderà la loro conservazione una sfida a lungo termine. Ciò è reso particolarmente chiaro dai concetti di utilizzo presentati in mostra, che architetti, artisti e iniziative hanno proposto negli ultimi anni. D’altra parte, questi progetti, spesso apparentemente fantastici, dimostrano quanto sia diventata stimolante l’architettura di mezzo secolo fa.

La mostra „Improvvisamente meraviglioso. Idee future per i grandi edifici di Berlino Ovest degli anni ’70“ sarà esposta alla Berlinische Galerie fino al 18 settembre 2023. Ulteriori informazioni sulla mostra sono disponibili qui.

Lo Stadio Olimpico di Berlino è ancora più antico dei tre edifici degli anni Settanta. Per saperne di più sulla sua architettura, consultare il sito.

La costruzione dell’ICC, costata quasi un miliardo di marchi tedeschi, può essere spiegata, come è stato detto più volte, solo sullo sfondo di una competizione sistemica e come reazione al Palazzo della Repubblica. Nonostante la sua architettura innovativa, l’enorme centro congressi rimase una nota a piè di pagina nella storia dell’architettura e non trovò successori. All’ICC è stata negata la fama dello Stadio Olimpico di Monaco, un’altra opera unica dai costi esorbitanti. Anche la necessaria ristrutturazione dell’edificio è stata ripetutamente rimandata perché non esiste ancora un concetto finanziariamente sostenibile per la sua gestione. Si è persino parlato di demolizione. L’uso culturale ora previsto si discosta logicamente dall’idea di gestire l’ICC come centro congressi a copertura dei costi.

Ancor meno dell’ICC, la cosiddetta Bierpinsel, un ristorante elevato a quasi 50 metri di altezza direttamente sull’autostrada A100 di Berlino, obbedisce ai convenzionali calcoli costi-benefici. Gli architetti di entrambi gli edifici sono gli stessi: Ralf Schüler e Ursulina Schüler-Witte. La coppia di architetti ha progettato la torre di propria iniziativa come punto di riferimento per la stazione della metropolitana di Schlossstraße. Come l’ICC, la Bierpinsel non è riuscita a coprire i costi. Attualmente sono previsti lavori di restauro per l’edificio ormai fatiscente. Tuttavia, l’importante rivestimento rosso della Bierpinsel lascerà il posto a una facciata verde: una decisione sbagliata, che toglierà una caratteristica fondamentale a questa „follia“.

La demolizione del cosiddetto Mäusebunker, l’ex laboratorio centrale per animali della Freie Universität di Berlino-Steglitz, era già scontata. L’impegno civico e le autorità berlinesi preposte alla conservazione dei monumenti hanno salvato all’ultimo momento lo straordinario edificio di Gerd e Magdalena Hänska e Kurt Schmersow. Sebbene i motivi navali siano comuni in architettura, in questo caso gli architetti hanno costruito un mostruoso incrociatore corazzato in cemento. Non c’è dubbio che questa associazione sia stata intenzionale. I singoli elementi architettonici possono essere chiaramente identificati come un ponte, una ciminiera e delle canne da fuoco. Il motivo per cui gli Hänska e Kurt Schmiesow hanno optato per questo linguaggio progettuale marziale rimane senza risposta nella mostra. Anche in futuro non sarà facile trovare un utilizzo adeguato per il Mäusebunker.

Fortunatamente, nonostante (o forse proprio a causa) della loro non conformità e delle loro evidenti debolezze, tutti e tre gli edifici hanno oggi molti sostenitori. Il titolo della mostra „Suddenly Wonderful“ allude proprio a questo. L’anno scorso, l’ICC si è brevemente risvegliato dal suo sonno e ha celebrato un furioso ritorno come sede del progetto artistico The Sun Machine Is Coming Down nell’ambito del Festival di Berlino. La folla era enorme.

Nella Cappella Bardi della chiesa fiorentina di Santa Croce, gli affreschi di Giotto sono ancora in fase di restauro, anche durante l’estate. Il progetto, del costo di oltre 1 milione di euro, sta portando alla luce nuovi dettagli e rendendo nuovamente visibile il capolavoro del maestro fiorentino.

I monumentali affreschi di Giotto, realizzati su commissione della famiglia di banchieri Bardi, si estendono fino a quattro metri dal pavimento della navata. Il ciclo, composto da sei scene di ampio respiro in cui il precursore della pittura rinascimentale italiana rappresentò, all’inizio del XIV secolo, episodi della vita di San Francesco con un realismo innovativo, è ancora costellato di lacune, colori che sembrano sbiaditi e crepe. Solo una scena è stata finora completamente restaurata dall’inizio dei lavori nel giugno 2022. Ciononostante, il restauro effettuato finora fornisce già nuove informazioni sull’opera dell’artista toscano.

Danni causati da precedenti interventi di restauro

Il progetto, volto a risolvere il precario stato di conservazione degli affreschi, è diretto dall’Opificio delle Pietre Dure (OPD) e dall’Opera di Santa Croce, con il sostegno della Fondazione CR Firenze e dell’Associazione ARPAI, ed è diretto da Cristina Acidini (presidente dell’Opera di Santa Croce) ed Emanuela Daffra (sovrintendente dell’OPD). La storia di San Francesco, dipinta da Giotto dopo il 1317, ha subito numerosi interventi di restauro. Nel 1730 gli affreschi furono ricoperti con calce bianca. Nel XIX secolo, i monumenti funebri aggiunti causarono danni irreversibili quando furono smantellati. Solo nel 1851 gli affreschi furono riscoperti e restaurati da Gaetano Bianchi. Tra il 1957 e il 1958 Leonetto Tintori effettuò un ulteriore intervento, durante il quale rimosse parte delle aggiunte per far emergere la versione più autentica dell’opera di Giotto. I danni successivi, causati da sporco, microrganismi e sali, hanno finito per minacciare la leggibilità delle scene.

Dallo scanner laser alla luce UV

La prima fase dell’intervento, preceduta da un’approfondita campagna diagnostica dell’OPD, ha già portato alla luce informazioni sul metodo di lavoro di Giotto e sui suoi esperimenti tecnici. L’OPD ha impiegato tecnologie quali scanner laser, termocamere e diagnostica senza contatto per esaminare l’integrità della muratura e identificare tracce di decorazioni precedenti, compresi i disegni preparatori. Inoltre, grazie alla luce UV e alle termocamere, è stato possibile rivelare dettagli quali la struttura dell’impalcatura originaria e i metodi di lavoro di Giotto. Egli utilizzava una combinazione di pittura ad affresco e a secco, avvalendosi di leganti organici come l’uovo per ampliare la tavolozza dei colori e ottenere effetti di chiaroscuro più intensi.

Molto può essere ricostruito

Il restauro ha anche riportato alla luce dettagli nascosti e frammenti di colore andati perduti, che ora, grazie alla pulizia effettuata, tornano a farsi vedere. Tra le sorprese figurano la scoperta dei fori per l’impalcatura, che hanno permesso di riconoscere l’esatta pianta della struttura che Giotto aveva allestito per dipingere, nonché tracce dei sinopi e del disegno preparatorio. È inoltre nuovamente possibile ricostruire l’andamento del sottile strato di intonaco su cui Giotto e i suoi collaboratori avevano applicato i colori. Sono state inoltre rinvenute alcune pennellate di prova con cui Giotto verificava come i colori sarebbero cambiati una volta asciugato l’intonaco. Queste pennellate erano state poi coperte dagli strati di colore asciutti, ma oggi sono nuovamente visibili.

Ricco di dettagli riportati alla luce

La pulizia della superficie è stata effettuata con acqua deionizzata calda, mescolata a pasta di cellulosa e argilla, oppure mediante strati di carta giapponese. Sono stati utilizzati solventi organici quando era necessario rimuovere i fissativi sintetici applicati durante precedenti interventi di restauro. In alcuni punti è stato utilizzato il laser per rimuovere gli strati di sedimenti accumulati. Grazie a questi interventi, in particolare nelle lunette e nelle volte, è stato possibile ripristinare una straordinaria freschezza pittorica e una ricchezza di dettagli. Il restauro ha inoltre ridotto la presenza di sali solubili mediante l’uso di compresse assorbenti. Le fughe, formatisi a seguito di precedenti interventi di restauro, sono state trattate sostituendo le vecchie malte viniliche con una miscela di calce e sabbia. Una volta completato, l’impalcatura rimarrà in piedi per altri due mesi, in modo che i visitatori possano ammirare da vicino l’opera di Giotto.

Per saperne di più: Come si sono evolute la collezione e l’esposizione e come saranno in futuro?

L’Associazione tedesca della pietra naturale (DNV) pubblica i primi risultati del suo studio sui rivestimenti per pavimenti. La pietra naturale è più ecologica di moquette, laminato e altri materiali.

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  Lo studio DNV confronta l’impatto ecologico ed economico di diversi rivestimenti per pavimenti. Foto: Pixabay

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  A confronto: il potenziale di riscaldamento globale (GWP) di diversi rivestimenti per pavimenti nell’intero ciclo di vita in kg di CO2 equivalente. Fonte: DNV

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  A confronto: il potenziale di riscaldamento globale (GWP) in kg di CO2 equivalente delle lastre in pietra naturale e pietra artificiale nell’intero ciclo di vita. Fonte: DNV

Solo in Germania vengono posati ogni anno oltre 350 milioni di metri quadrati di pavimenti, di cui solo 12 milioni di pietra naturale. Allo stesso tempo, l’industria delle costruzioni è uno dei maggiori produttori di CO2 insieme all’industria della moda e a quella alimentare. Gli sforzi per rendere i prodotti per l’edilizia sostenibili nella loro produzione, nel loro utilizzo e nel successivo smaltimento sono di conseguenza importanti. L’Associazione tedesca della pietra naturale (Deutscher Naturwerkstein-Verband e.V.) ha pertanto commissionato all’Istituto per i materiali da costruzione dell’Università di Stoccarda uno studio di valutazione del ciclo di vita. Lo studio confronta l’impatto ecologico ed economico di diversi rivestimenti per pavimenti dalla fase di produzione a quella di utilizzo.

Lo studio valuta le piastrelle in pietra naturale, le piastrelle in ceramica, il laminato, il parquet, la moquette e il PVC su una sottostruttura standard per aree commerciali ad alta frequentazione in termini di impatto ecologico e di convenienza economica per un periodo di 50 anni. Sono state prese in considerazione le fasi di produzione e di utilizzo, nonché le categorie di impatto del potenziale di riscaldamento globale, del potenziale di acidificazione, del potenziale di eutrofizzazione, del potenziale di distruzione dello strato di ozono, del potenziale di formazione dell’ozono e della domanda di energia primaria. I dati di base per il confronto tra i diversi materiali sono le dichiarazioni ambientali di prodotto certificate.

Nella categoria d’impatto Potenziale di riscaldamento globale (GWP ), secondo l’analisi la produzione e l’uso di pavimenti in pietra comportano equivalenti di CO2 significativamente inferiori rispetto ad altri materiali di rivestimento.Le piastrelle in pietra naturale, compresa la malta adesiva associata, hanno le emissioni più basse con 10,9 chilogrammi di CO2 equivalente – il potenziale di riscaldamento globale della moquette è più di venti volte superiore, con un valore di circa 223 chilogrammi di CO2 equivalente.

Moquette, PVC e laminato hanno un potenziale di riscaldamento globale particolarmente alto

Il confronto tra tutti i rivestimenti per pavimenti mostra che i rivestimenti duri in pietra naturale e ceramica sono più ecologici di moquette, PVC, laminato e parquet, anche in termini di fabbisogno di energia primaria.

In un’altra sezione, lo studio mette a confronto le pavimentazioni usuali in pietra naturale e in pietra fusa per le aree a più alto traffico, come i centri commerciali, le stazioni ferroviarie e gli aeroporti.
Il risultato: le lastre in pietra naturale hanno valori equivalenti più bassi in tutte le categorie di impatto. Il potenziale di riscaldamento globale di una lastra in pietra naturale è inferiore di circa il 27% rispetto a quello di una lastra in cemento. Nello studio di valutazione del ciclo di vita è inclusa anche un’analisi dei costi del ciclo di vita, che dipendono in larga misura dal livello dei costi di pulizia.

Lo studio dettagliato sulla valutazione del ciclo di vita dei rivestimenti per pavimenti sarà disponibile a breve presso DNV. Anche l’amministratore delegato Reiner Krug presenterà i primi risultati allo Stone+tec.

Conferenza: Presentazione del nuovo studio di sostenibilità sui rivestimenti per pavimenti
15 giugno 2018, dalle 14:00 alle 14:30
Forum specialistico, Padiglione 9, Stand 9-514

L’architettura non è un gioco? È ora di ripensarci. La gamification nella progettazione trasforma l’apparentemente noioso processo di pianificazione quotidiana in un’esperienza interattiva, mettendo radicalmente in discussione le vecchie certezze. Quando la progettazione diventa un gioco, i dati, la creatività e la partecipazione degli utenti acquistano una dinamica nuova e sconosciuta. Benvenuti nell’era dell’architettura come meccanica di gioco, tra esperimento digitale, laboratorio di sostenibilità e auto-scoperta professionale.

• La gamification introduce i principi ludici nel processo di progettazione architettonica, cambiando così il modo in cui la disciplina vede se stessa.
• Germania, Austria e Svizzera stanno sperimentando strumenti basati sul gioco, ma la grande svolta non si è ancora concretizzata.
• Le tecnologie digitali e l’intelligenza artificiale svolgono un ruolo fondamentale: rendono giocabili parametri progettuali complessi.
• I processi di progettazione gamificati promuovono la sostenibilità, la partecipazione e l’innovazione, ma non senza rischi e obiettivi contrastanti.
• Le competenze tecniche in materia di game design, modellazione dei dati ed esperienza utente stanno diventando sempre più importanti per architetti e progettisti.
• La gamification polarizza: Tra euforia, scetticismo e la domanda su quanto gioco l’arte del costruire possa effettivamente tollerare.
• A livello internazionale ci sono pionieri coraggiosi, mentre i Paesi di lingua tedesca sono ancora alle prese con ostacoli culturali e strutturali.
• Il dibattito ruota attorno alla creatività, alla responsabilità e al futuro della professione architettonica nel campo della tensione tra simulazione, partecipazione e controllo.

L’architettura come campo di gioco: come la gamification sta cambiando la progettazione

Gli architetti non sono generalmente considerati dei giocatori. Troppo seri, troppo responsabili, troppo legati al canone. Ma questa immagine si sta sgretolando. La gamification, ovvero l’integrazione di elementi tipici dei giochi in contesti non ludici, è arrivata da tempo nel processo di progettazione, anche se molti sono restii ad ammetterlo. Al posto della progressione lineare, ora regnano sistemi a punti, cicli di feedback e scenari dinamici. Quello che sembra un gioco da ragazzi è in realtà un cambiamento di paradigma. Contrariamente alla loro reputazione, i giochi non sono macchine per ricompensare gli adulti annoiati, ma sistemi altamente complessi che combinano apprendimento, motivazione e creatività. Gli architetti di oggi devono sempre più chiedersi: quanto gioco c’è nel mio lavoro? E: quale potenziale si nasconde nella simulazione di processi decisionali, obiettivi contrastanti e interessi degli utenti?

Soprattutto in Germania, Austria e Svizzera la realtà è ancora divisa. Mentre gli studi di architettura internazionali sperimentano da tempo strumenti di progettazione basati sul gioco e modelli interattivi di città, nei Paesi di lingua tedesca domina ancora lo scetticismo. La paura di perdere il controllo, di banalizzarsi e di perdere la propria autorità interpretativa è profonda. Allo stesso tempo, però, cresce il fascino per i nuovi formati di progettazione: Concorsi basati su simulazioni ludiche. Sviluppi di quartiere in cui i cittadini testano varianti in processi di gamification. Algoritmi che giocano e valutano soluzioni alternative. L’unica domanda da porsi è: chi gioca e chi resta fuori?

Il potere innovativo della gamification non sta solo negli avatar colorati o nelle ricompense virtuali. Si tratta di un cambiamento sistemico: La logica di progettazione non è più intesa come una sequenza lineare di specifiche e soluzioni, ma come un sistema iterativo e guidato dal feedback. Gli errori non vengono sanzionati, ma integrati come parte del processo. La sperimentazione e l’errore, spesso considerati un punto debole dell’architettura, diventano improvvisamente un punto di forza. Chiunque venga coinvolto si rende subito conto che la gamification non è un fine in sé, ma un invito a cambiare prospettiva. Ci si chiede se l’architetto sia ancora il „padrone del progetto“ o se diventi il game master di un processo complesso e multi-driven.

Questo sviluppo non è privo di conseguenze per la professione. L’architetto come genio progettista solitario ha fatto il suo tempo. Sono richiesti pensatori sistemici in grado di gestire dati, interazioni e simulazioni. Chi oggi progetta non solo spazi, ma anche regole, ricompense e obiettivi conflittuali, deve conoscere il game design e la psicologia del gioco. Il ripensamento sta già iniziando nell’insegnamento: le università stanno sperimentando studi di progettazione ludica, sandbox digitali e strumenti interattivi. Ma non tutti sono entusiasti. Alcuni celebrano la nuova libertà creativa, altri mettono in guardia dall’appiattimento e dalla perdita di profondità. La partita è tutt’altro che chiusa.

La gamification è entrata da tempo nel discorso globale sul design. Conferenze internazionali, progetti di ricerca e start-up stanno esplorando i limiti del fattibile. L’attenzione non si concentra solo sulla tecnologia, ma anche sulla domanda: in che modo il gioco sta cambiando l’architettura? L’architetto diventerà un moderatore, un curatore, un regista? Oppure rimarrà il classico progettista che usa il gioco solo come strumento? La risposta è aperta ed è proprio questo che rende la discussione così appassionante. Chiunque parli di gamification nel design oggi sta parlando del futuro della disciplina.

Tecnologia e IA: i creatori di giochi nel design digitale

Senza le tecnologie digitali, la gamification nel design sarebbe un bel gioco mentale, niente di più. Solo grazie a software, algoritmi e intelligenza artificiale il gioco diventa realtà. Il repertorio di strumenti moderni spazia dagli ambienti 3D interattivi ai motori di progettazione parametrici. Questi strumenti consentono di controllare in modo ludico parametri di progettazione complessi, di eseguire scenari e di integrare il feedback dell’utente in tempo reale. Particolarmente interessanti sono i sistemi basati sull’intelligenza artificiale che non solo generano varianti, ma ne valutano anche l’impatto, sia esso sul consumo energetico, sul comfort degli utenti o sulle qualità urbanistiche. L’architettura sta diventando un campo da gioco in cui dati, regole e obiettivi competono tra loro. E l’architetto? Deve imparare a confrontarsi con un nuovo tipo di giocatore.

Nei Paesi di lingua tedesca, la pratica è spesso in ritardo rispetto alla tecnologia. Mentre uffici internazionali come BIG o Zaha Hadid Architects sperimentano piattaforme di gamification appositamente sviluppate, qui in Germania molte cose rimangono progetti pilota ed eccezioni. Ci sono approcci interessanti, come la partecipazione dei cittadini basata sul gioco a Vienna, gli strumenti partecipativi a Zurigo o gli studi di simulazione sperimentali nelle singole università. Ma manca ancora il quadro generale. Le ragioni sono ovvie: ostacoli tecnici, mancanza di standard, costi elevati e un atteggiamento ancora scettico nei confronti dei processi digitali. A ciò si aggiunge la paura di perdere la propria creatività a favore degli algoritmi. Dopotutto, coinvolgere gli attori digitali significa rinunciare al controllo, e per molti è difficile.

L’intelligenza artificiale introduce una nuova dimensione. I sistemi di intelligenza artificiale sono in grado di generare, valutare e persino suggerire opzioni di design, spesso in modo più rapido e sistematico degli esseri umani. Analizzano i dati, riconoscono gli schemi, simulano il comportamento degli utenti e suggeriscono ottimizzazioni. L’architetto diventa così il moderatore di un gioco molto complesso in cui uomo e macchina agiscono insieme. Questo apre nuove possibilità, ma comporta anche dei rischi: Chi controlla le regole? Chi decide quali obiettivi perseguire? E cosa succede se l’algoritmo stabilisce improvvisamente priorità diverse da quelle dell’uomo? Il dibattito sul ruolo dell’IA nella progettazione è tanto antico quanto attuale e diventerà ancora più acceso con la diffusione della gamification.

Le competenze tecnologiche stanno quindi diventando una qualifica fondamentale. Se si vuole far parte del gioco, non bisogna solo saper disegnare e progettare, ma anche comprendere le strutture di dati, gestire le interfacce e sviluppare le meccaniche di gioco. Questa è una sfida, ma anche un’opportunità. I giovani uffici, in particolare, possono aprire nuove strade con gli strumenti basati sul gioco, creare progetti innovativi e distinguersi dai processi consolidati. La tecnologia esiste da tempo, manca solo il coraggio di usarla con coerenza.

Ma la tecnologia da sola non fa un buon design. Il fattore decisivo è l’integrazione degli elementi ludici: Diventano un espediente o sono in realtà un motore per un’architettura migliore, più sostenibile e più partecipativa? Gli esempi migliori lo dimostrano: Non si tratta di una gamification fine a se stessa, ma di un uso consapevole e ponderato. Chi padroneggia il gioco non solo ottiene nuove possibilità, ma anche una nuova professionalità.

Sostenibilità, partecipazione e gioco: Nuovi percorsi, vecchi obiettivi in conflitto

Una delle principali promesse della gamification nella progettazione è la promozione della sostenibilità. Sembra una parola d’ordine, ma è intesa seriamente. Dopo tutto, le simulazioni ludiche consentono di rendere trasparenti le complesse interazioni tra energia, materiali, costi e comfort, e di ottimizzarle in tempo reale. Chiunque cambi i materiali, testi l’ombreggiatura o giochi con le opzioni di mobilità in un gioco digitale riconoscerà più rapidamente gli effetti sulla propria impronta ecologica. La sostenibilità non è più un ripensamento, ma una parte integrante del progetto. Questo cambia la logica: invece di gestire i compromessi, i progettisti possono ricercare attivamente le soluzioni ottimali e percorrere strade non convenzionali.

La gamification dà un nuovo impulso alla partecipazione. Cittadini, utenti, investitori: tutti possono testare varianti in un processo ludico, fornire feedback e contribuire con le proprie preferenze. Questo non solo rende la partecipazione più efficiente, ma anche più attraente. A Vienna, ad esempio, i nuovi quartieri urbani vengono sviluppati in modo partecipativo utilizzando strumenti di gioco, con risultati sorprendenti. Improvvisamente, sono emerse esigenze che i formati di partecipazione tradizionali non avrebbero mai rilevato. Ma anche qui i rischi sono in agguato: Se non si sta attenti, si produce una democrazia finta invece di una vera partecipazione. Perché non tutti i voti contano allo stesso modo nel gioco – e non tutti possono o vogliono giocare. La sfida sta nel progettare la gamification in modo che rimanga inclusiva e trasparente.

Il discorso sulla sostenibilità non diventa più semplice attraverso i processi di progettazione ludica, ma più complesso. Questo perché il gioco porta alla luce nuovi conflitti di obiettivi: cosa fare se la migliore soluzione ecologica ottiene meno punti nel gioco? O quando le preferenze degli utenti si scontrano con gli obiettivi di sostenibilità? La gamification rende visibili queste contraddizioni e costringe gli architetti ad affrontarle attivamente. Può essere scomodo, ma è necessario. Chiunque creda che tutti i conflitti possano essere elegantemente risolti con strumenti ludici si sbaglia di grosso. Al contrario: il gioco riflette la realtà e mostra quanto sia difficile la vera sostenibilità nella progettazione.

Ci sono modelli di ruolo interessanti nel confronto internazionale. Nei Paesi Bassi, ad esempio, i giochi di progettazione partecipata vengono utilizzati per pianificare città resistenti al clima. In Scandinavia, le città combinano la gamification con iniziative di open data per promuovere lo sviluppo urbano sostenibile. Germania, Austria e Svizzera sono ancora caute in questo senso: il timore di perdere il controllo e di abusare dei dati è troppo grande. Ma gli esempi lo dimostrano: Se si è disposti a usare saggiamente le meccaniche di gioco, si può portare la sostenibilità e la partecipazione a un nuovo livello.

Alla fine, rimane la consapevolezza che la gamification non è una panacea, ma è uno strumento potente. Se si prende il gioco sul serio, si può creare un’architettura più sostenibile, inclusiva e innovativa. Coloro che la liquidano come un espediente si lasciano sfuggire delle opportunità e lasciano il campo ad altri. Il futuro dell’architettura non si costruisce soltanto, ma si gioca.

Dibattito, critica e visione: quanto può giocare l’architettura?

La gamification nella progettazione polarizza le opinioni. Alcuni la vedono come il futuro della disciplina: uno strumento per gestire la complessità, promuovere la creatività e consentire nuove forme di collaborazione. Altri mettono in guardia contro la banalizzazione del design, contro la gamification fine a se stessa e contro il pericolo che l’architettura degeneri in un mero gioco di numeri e punti. Chi ha ragione? Come spesso accade, la verità sta nel mezzo.

Le critiche non sono infondate. La gamification può portare i processi a diventare superficiali, il gioco a mettere in ombra gli obiettivi reali e il nucleo creativo dell’architettura a perdersi. Se tutto diventa una competizione, una sfida, una simulazione, si rischia di perdere di vista l’essenziale: la qualità dello spazio, la responsabilità verso la società e l’ambiente, l’integrità del progetto. Chiunque utilizzi la gamification deve essere consapevole di questi rischi e affrontarli attivamente.

Ma la visione rimane forte. La gamification apre nuove prospettive: permette di rendere comprensibili interrelazioni complesse, di rendere la partecipazione a bassa soglia e di promuovere l’innovazione. Può aiutare gli architetti a sviluppare nuove competenze, a coinvolgere maggiormente gli utenti e a rendere il processo di progettazione più agile, flessibile e sostenibile. La disciplina si trova a un bivio: o sfrutta le opportunità offerte dal gioco o rimane bloccata nella modalità del XX secolo.

Da tempo è chiaro nel discorso internazionale che il design del futuro è ibrido, interattivo e basato sui dati. La gamification è più di una semplice tendenza: è il sintomo di un cambiamento fondamentale. Chiunque parli del futuro dell’architettura oggi non può più evitare l’argomento. La questione non è se, ma quanto gioco può tollerare la disciplina – e come viene organizzato.

In Germania, Austria e Svizzera il dibattito è ancora agli inizi. Le idee non mancano, ma mancano il coraggio, la volontà di sperimentare e il sostegno strutturale. Ma chi si butta oggi può stabilire degli standard e diventare parte di un movimento che sta ripensando l’architettura. La partita è iniziata. L’unica domanda è: chi giocherà?

Conclusione: giocare non è un lusso, ma una necessità

La gamification nella progettazione non è un espediente, non è una manovra di marketing e certamente non è un espediente. È una risposta alla crescente complessità della progettazione e un invito a intendere l’architettura come un processo aperto, dinamico e partecipativo. L’integrazione di meccanismi ludici non semplifica la progettazione, ma la rende più intelligente, più trasparente e più sostenibile. Sfida la disciplina a rinnovarsi – tecnicamente, culturalmente e professionalmente. Se si vuole giocare oggi, è necessario avere coraggio, competenza e disponibilità a rinunciare al controllo. Ma le ricompense sono enormi: soluzioni migliori, maggiore partecipazione, maggiore forza innovativa. In un mondo che sembra sempre meno prevedibile, il gioco è forse l’ultima opzione seria. Chi ha il coraggio di farlo può plasmare l’architettura di domani, non come spettatore, ma come giocatore attivo.

Piastrelle o legno? Oggi esistono diverse varianti che combinano l’aspetto naturale del legno con le proprietà pratiche delle piastrelle. Sulla base di una ricerca sui materiali e di un’analisi delle tendenze dell’interior design, l’azienda italiana Ceramiche Refin ha progettato una gamma di gres porcellanato effetto legno. Non vede il materiale come un’imitazione del legno, ma come un ulteriore sviluppo.

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Un progetto collaborativo intitolato “Documentazione degli edifici a rischio di guerra in Ucraina – DUCH” del Centro tedesco di documentazione per la storia dell’arte – Archivio fotografico Foto Marburg e del TIB – Centro di informazione Leibniz per la tecnologia e le scienze naturali di Hannover. Grazie al sostegno finanziario del programma di finanziamento «UKRAINE» della Fondazione Ernst von Siemens per l’arte e della Fondazione HERMANN REEMTSMA, il progetto DUCH può proseguire

La guerra in Ucraina non solo mette a rischio la vita delle persone, ma compromette anche il patrimonio culturale della nazione. L’aggressione russa si concentra sulla distruzione delle infrastrutture civili e, di conseguenza, anche dei beni culturali in tutto il Paese. Le regioni più colpite sono quelle vicine alla linea del fronte: alcune città e villaggi sono già stati rasi al suolo, poiché le armi da guerra impiegate dai russi prendono di mira in egual misura edifici pubblici, abitazioni, edifici sacri, nonché strutture industriali e commerciali. Alla luce di questa situazione, l’importanza della documentazione del patrimonio culturale diventa ancora più rilevante e urgente.

Il progetto collaborativo «Documentazione degli edifici minacciati dalla guerra in Ucraina – DUCH»

Il progetto collaborativo «Documentazione degli edifici minacciati dalla guerra in Ucraina – DUCH» del Centro tedesco di documentazione per la storia dell’arte – Archivio fotografico Foto Marburg e del TIB – Centro di informazione Leibniz per la tecnica e le scienze naturali di Hannover si pone l’obiettivo di documentare fotograficamente gli edifici a rischio e di rilevanza culturale in regioni selezionate dell’Ucraina e di renderli accessibili tramite dati descrittivi scientifici. Sulla base delle immagini e dei dati di catalogazione verrà realizzata un’infrastruttura digitale sostenibile, che in futuro potrà essere integrata anche con iniziative civiche in Ucraina. Nella prima fase del progetto, otto fotografi e fotografe attivi in Ucraina hanno realizzato oltre 1200 scatti di circa 100 edifici. La catalogazione scientifica si basa sul lavoro di storici dell’arte qualificati sia in Ucraina che in Germania.

Sostegno finanziario al progetto DUCH: linea di finanziamento «UKRAINE» della Fondazione Ernst von Siemens per l’Arte e della Fondazione HERMANN REEMTSMA

Grazie al sostegno finanziario della linea di finanziamento «UKRAINE» della Fondazione Ernst von Siemens per le Arti e della Fondazione HERMANN REEMTSMA, il progetto DUCH potrà proseguire per due mesi a partire dall’estate del 2023. La documentazione degli edifici a rischio in Ucraina consente alle società a livello internazionale di informarsi sull’architettura ucraina, di studiarla e di partecipare attivamente alle future misure di ricostruzione di ciò che oggi viene distrutto. Per motivi di sicurezza, il materiale fotografico raccolto nell’ambito del progetto non sarà reso accessibile al grande pubblico fino alla fine della guerra.