Ragazze che fanno skateboard a Kabul? Un’immagine che ha poco a che fare con la nostra idea di Afghanistan. Eppure queste immagini esistono, e sono esposte fino al 17 ottobre nella mostra altamente raccomandata „The Good Cause: Architecture of Peace – Divided Cities“ alla Pinakothek der Moderne di Monaco. La mostra illustra il lavoro della piattaforma olandese Archis, una rete di architetti, urbanisti e accademici.

Il titolo un po‘ ingombrante della mostra deriva dalla sua struttura in due parti. Nella prima parte, viene esplorato il concetto di „pace negativa“, una pace fragile che dura solo finché le truppe dell’ONU sono presenti sul territorio.

In grandi diagrammi, gli organizzatori della mostra mostrano i conflitti attuali e, come reazione ad essi, i comuni mezzi di mantenimento della pace da parte dell’esercito, dei vari governi o delle organizzazioni umanitarie. Queste analisi chiariscono che è soprattutto il fattore tempo a portare a una „pace negativa“. La ricostruzione e ancor più la riconciliazione delle parti in conflitto è un processo complesso che spesso richiede decenni, un periodo di tempo che la politica non sempre riesce a rispettare.

È qui che entra in gioco Archis, che cerca approcci per una „pace positiva“ basata sulla riconciliazione, sulla fiducia reciproca e sulla continuità. La loro influenza è documentata da casi di studio sotto forma di testi e film.

Si tratta di una strada accidentata, ma che vale la pena percorrere, come dimostra uno degli esempi in mostra: una scuola di skateboard nel centro di Kabul, chiamata Skateistan, dove ragazzi e ragazze possono andare in skateboard insieme per sperimentare un po‘ di normalità. Un altro progetto è il restauro del Bagh-e Babur, un antico giardino del palazzo di Kabul. Il progetto è iniziato durante la guerra. Oggi, il Bagh-e Babur è un luogo di incontro pubblico nel mezzo di una città devastata dalla guerra. In un altro progetto, gli urbanisti stanno lavorando con i funzionari locali per sviluppare un manuale come guida per la ricostruzione controllata della città di Priština, in Kosovo, devastata dalla guerra. Oppure stanno costruendo un centro visitatori per una riserva naturale in Afghanistan con l’aiuto della popolazione locale.

Tutti questi progetti sono sviluppati insieme alla popolazione locale e coinvolgono diversi gruppi etnici. Creano posti di lavoro, nuovi modi di comunicare e danno alla gente l’opportunità di identificarsi con ciò che hanno realizzato.

La mostra fa parte del progetto di ricerca a lungo termine „Architecture of Peace“, che aggiunge costantemente nuovi temi. Uno di questi temi si chiama „Città divise“, in cui vengono ritratte le città divise in Europa. Costituisce la seconda parte della mostra e sarà illustrato in un altro dei nostri contributi.

Foto da sinistra a destra: Skatetistan, Aga Khan Trust for Culture, AFIR Architects/Anne Feenstra

Per la maggior parte di noi, il passaggio all’home office è stato semplice: Laptop, schermo, mouse e forse qualche documento importante infilato sotto il braccio e via a casa. Ma com’è la vita lavorativa quotidiana di chi ha bisogno di molto spazio e libertà fisica per il proprio lavoro? Per i ballerini, ad esempio. Per le compagnie di balletto di tutta la Germania, il motto delle ultime due settimane è stato: restiamo a casa.

Lo Staatsballett Berlin dimostra che la vita può continuare anche senza spettacoli, prove e allenamenti con il suo pezzo online From Berlin with Love. La prima solista Ksenia Ovsyanick ha dato il via a una coreografia collaborativa dei ballerini dello Staatsballett in quarantena. In un video di tre minuti, si vedono i ballerini danzare sullo schermo nei loro salotti, nei giardini, nei corridoi e sui balconi, sulle note della Settima Sinfonia in La maggiore op. 92 di Beethoven. Circa la metà dei 92 ballerini ha contribuito alla realizzazione dell’opera. I pezzi coreografici sono stati creati da ogni singolo ballerino e fluiscono senza soluzione di continuità l’uno nell’altro grazie a delicate transizioni. L’idea alla base della coreografia era che ogni ballerino iniziasse la propria sequenza con l’ultimo movimento del precedente. La comunicazione è avvenuta tramite WhatsApp. Alcuni dei danzatori partecipanti hanno incorporato nelle loro coreografie oggetti di scena che riflettevano la situazione attuale: Rotoli di carta igienica o maschere per il viso, per esempio.

Di solito si vedono i ballerini attraverso i loro costumi, solo come i personaggi che stanno ritraendo. Ma in From Berlin with love , i ballerini si muovono sullo schermo con stivali invernali, calze di cotone, pantaloni da jogging, jeans o stivali di vernice verde veleno. Questo crea una visione molto personale della personalità dei ballerini, che non sono alienati dai loro costumi.

Ma non è solo il Balletto di Stato di Berlino ad aver reagito rapidamente alla situazione. Anche altri ensemble hanno sviluppato un programma digitale. Vale sicuramente la pena dare un’occhiata a questi programmi se volete portare l’atmosfera del teatro a casa vostra. Abbiamo quindi raccolto alcuni consigli sul balletto per le prossime settimane:

fino al 03 aprile 2020

Stop-motion del Nederlands Dance Theatre
Coreografia: Sol León & Paul Lightfoot

Guardate il video qui.

Dal 10 aprile al 17 aprile 2020

Ritratto Wayne McGregor dell’Opera di Stato Bavarese
Coreografia: Wayne McGregor

Potete trovare lo streaming qui.

Dal 5 all’11 aprile 2020

Messa da Requiem del Teatro dell’Opera di Zurigo
Coreografia e regia: Christian Spuck
Direttore d’orchestra: Fabio Luisi Direttore d’orchestra
Scenografia: Christian Schmidt
Costumi: Emma Ryott

Potete trovare lo streaming qui.

Il Balletto di Amburgo offre anche un proprio programma di formazione. In tempi in cui sembra che chiunque abbia mai fatto una flessione condivida il proprio allenamento su Instagram, il programma dell’Hamburg Ballet è un prodotto di qualità. Insieme al fisioterapista Daan van den Akker, il ballerino Nicolas Glässman mostra gli esercizi di bodyweight da fare a casa.

Cliccare qui per il programma di fitness.

Infine, ecco l’ultimo consiglio sulla cultura dell’ufficio in casa: la vita di campagna di Werner Bätzing.

Come un manipolo di giovani pittori rivoluzionò l’arte intorno al 1900 liberando il colore dalla sua funzione imitativa e fondando così uno dei movimenti più importanti del modernismo.

Pochi movimenti artistici portano le loro origini così apertamente nel loro nome come il Fauvismo. Il nome risale a una famosa provocazione: quando il critico Louis Vauxcelles vide i dipinti espressivi di Henri Matisse, André Derain e Maurice de Vlaminck circondare una scultura classica in bronzo al Salone d’Autunno del 1905 a Parigi, si dice che abbia esclamato: „Donatello au milieu des fauves!“ – Donatello in mezzo agli animali selvatici. Quella che voleva essere una presa in giro divenne il manifesto di un’intera epoca. Il termine, ovviamente, coglieva nel segno. I dipinti di questo gruppo ebbero effettivamente l’effetto di un attacco al pubblico dell’arte contemporanea parigina: cieli in magenta, tronchi d’albero in ultramarino, volti in verde brillante. Il colore non era più utilizzato per rappresentare il mondo visibile nel modo più fedele possibile, ma per trasmettere stati interiori, luce ed energia. Si trattava di una rottura radicale con il realismo accademico del XIX secolo e persino con l’Impressionismo, che enfatizzava la percezione fugace, pur rimanendo fedele all’osservazione della natura.

Tra Cézanne e Gauguin: le radici di un movimento

La preistoria del Fauvismo è strettamente legata a due figure che non hanno guidato il gruppo, ma hanno esercitato un’influenza decisiva su di esso: Paul Cézanne e Paul Gauguin. Il primo aveva dimostrato che il colore e la forma potevano assumere compiti strutturali indipendentemente dalla loro funzione descrittiva. Il secondo, grazie ai suoi viaggi a Tahiti, aveva sviluppato un linguaggio pittorico in cui i contrasti cromatici esotici generavano un’intensità spirituale ed emotiva che andava ben oltre la rappresentazione della realtà. Henri Matisse, il capo intellettuale del fauvismo, studiò attentamente queste influenze. Il suo quadro Donna con cappello (1905) – una delle opere chiave del Salon d’autunno – mostra il ritratto della moglie Amélie con un’applicazione quasi emblematica del colore: ombre verdi sul viso, un cappello composto da un caleidoscopio di toni luminosi. Il quadro era provocatorio, ma esercitava anche un fascino irresistibile. Gertrude Stein, scrittrice e collezionista americana che all’epoca viveva a Parigi, lo acquistò, nonostante la sua iniziale irritazione.
André Derain e Maurice de Vlaminck costituirono il secondo centro di gravità del movimento. Derain, che lavorò con Matisse a Collioure durante l’estate del 1905, creò dipinti paesaggistici di un’intensità cromatica mozzafiato: La strada per Cassis o i suoi dipinti di vedute di Londra, commissionati dal mercante Ambroise Vollard nel 1906, mostrano il Tamigi con colori che non sono più legati ad alcuna coerenza atmosferica, ma seguono una propria logica pittorica.

Il colore come mezzo espressivo: i principi estetici

Ciò che distingue il Fauvismo dalle altre avanguardie è l’attenzione incondizionata al colore come mezzo espressivo primario. Mentre il Cubismo, sorto nello stesso periodo, poneva l’accento sulla forma, i Fauves si concentrano sull’immediatezza sensoriale del colore. La pennellata è visibile, spesso ruvida e gestuale; i contorni rimangono semplificati o sono completamente dissolti.
Matisse formulò il suo credo estetico con notevole chiarezza nel saggio Note di un pittore (1908): l’obiettivo non era quello di copiare pedissequamente la natura, ma di catturarne l’espressione interiore – un’affermazione che identifica con precisione la base teorica del fauvismo. Composizione e colore devono creare insieme una risonanza emotiva che vada al di là di ciò che è raffigurato. Questo principio è particolarmente evidente ne La joie de vivre (1905-06) di Matisse: un dipinto di grande formato con uno scenario arcadico che suggerisce una serenità paradisiaca con i suoi toni delicati, quasi pastello, e il ritmo fluido delle linee, che sfugge completamente allo spazio naturalistico. Il dipinto segna l’apice e allo stesso tempo la transizione del fauvismo verso opere più mature e compositivamente più elaborate.

Impatto e conseguenze: un’epoca breve ma formativa

Il Fauvismo come movimento coeso ebbe una vita breve, dal 1904 al 1908 circa, dopodiché il gruppo si sciolse: Derain si dedica al cubismo, Vlaminck a una pittura espressiva e cupa, Matisse continua a sviluppare il suo personale idioma pittorico, che lo renderà uno degli artisti più importanti dell’intero XX secolo. Tuttavia, l’impatto del fauvismo sulla storia dell’arte successiva non può essere sopravvalutato. Il gruppo espressionista tedesco Die Brücke – con artisti come Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel e Karl Schmidt-Rottluff – riprese i principi cromatici fauvisti e li combinò con una dimensione socialmente critica. Anche Wassily Kandinsky, sulla via del primo linguaggio pittorico astratto, si rifece alle intuizioni dei Fauves sull’autonomia emotiva del colore.
Oggi i dipinti fauvisti sono tra le opere più visitate nei musei di tutto il mondo: Il Museum of Modern Art di New York possiede opere di Matisse di grande rilievo, mentre il Centre Pompidou di Parigi e il Musée de l’Annonciade di Saint-Tropez conservano collezioni significative. Quella che un tempo era considerata una provocazione selvaggia è diventata da tempo un canone, a dimostrazione del fatto che il Fauvismo non solo ha scosso gli standard del suo tempo, ma ha anche ridefinito le basi della pittura moderna.

Fino all’8 settembre Berlino celebra il 100° anniversario del Bauhaus con la bauhauswoche berlin. Il punto di partenza del festival cittadino è il riuso del bauhaus, un padiglione di vetro realizzato con elementi di finestre riutilizzati dall’edificio del Bauhaus di Dessau, sull’isola centrale di Ernst-Reuter-Platz – recentemente gestito come laboratorio urbano. Sotto il titolo „bauhaus – praxis – gegenwart“ (bauhaus – pratica – presente), una serie di conferenze fa luce sugli aspetti architettonici, artistici e creativi della scuola di arte e design. L’architetto Winfried Brenne ha parlato della ristrutturazione del Bauhaus (2 settembre, ore 19.00).

Il modernismo può essere modernizzato? Nei cento anni della sua esistenza, il Bauhaus è stato esposto a molte intemperie – ideologiche, climatiche o anche di moda. Tutte hanno avuto un impatto sulle icone del Bauhaus. Quasi nessuno ne sa di più dell’architetto Winfried Brenne. Il 2 settembre, in occasione della Settimana del Bauhaus a Berlino, l’esperto ha parlato del restauro del Bauhaus di Dessau, della baudenkmal bundesschule bernau e delle Case dei Maestri di Dessau, tra le altre cose Brenne non avrebbe potuto desiderare un genius loci migliore per la sua presentazione: Un padiglione di vetro sull’ampia isola centrale circolare della Ernst-Reuter-Platz di Berlino, costruito con elementi di finestre scartati durante la ristrutturazione e l’ammodernamento del Bauhaus di Dessau, in linea con il suo status di edificio protetto.

I nazionalsocialisti chiusero l’edificio, costruito da Walter Gropius nel 1925-26, nel 1932 e lo utilizzarono come edificio scolastico della NSDAP; dopo la guerra fu utilizzato come scuola professionale. Commissionato per una ristrutturazione ad alta efficienza energetica, nel 2011 Brenne ha fatto sostituire le finestre risalenti all’epoca della DDR. „Il nostro obiettivo era quello di avvicinarci il più possibile allo spirito originale, ma anche di valutare le possibilità di utilizzo a lungo termine“, ha spiegato l’architetto. Il tutto in presenza di chiare linee guida da parte delle autorità preposte alla tutela dei monumenti – il complesso edilizio è inserito nella lista del patrimonio mondiale dell’UNESCO – e di un budget rigorosamente definito.

Dopo un’attenta ricerca di mercato, Brenne Architekten ha finalmente trovato una soluzione per il fronte finestra che soddisfacesse tutti gli interessi. Brenne ha fatto ricostruire gli elementi finestrati dell’ala nord, del ponte, degli studi residenziali e dell’ala dei laboratori con profili in alluminio rinforzato, anziché con gli originali profili in acciaio. Questa misura, abbinata a un tetto fotovoltaico come „quinta facciata“ e a porte ben sigillate, ha dato i suoi frutti. Il piacevole risultato: un risparmio energetico di ben il 72%.

Come a Dessau, anche per la baudenkmal bundesschule bernau è stato necessario un approccio metodico, che tenesse conto delle scoperte scientifiche e del contesto storico. L’edificio della scuola e del convitto con la palestra e le case degli insegnanti fu realizzato nel 1928-30 sotto la direzione del secondo direttore del Bauhaus Hannes Meyer. La prima impressione di Brenne sulle condizioni trovate fu sconfortante, tanto che si chiese: „Dov’è l’edificio?“. Il linguaggio visivo del periodo Bauhaus, che si rifaceva alle teorie educative di Pestalozzi, era a malapena riconoscibile alla luce dei decenni di „eccessiva modellazione e richieste eccessive“ dell’edificio. „Abbiamo dovuto affrontare l’edificio con attenzione per riconoscerne la qualità“.

Nel corso del lavoro, il suo team ha scoperto dettagli sorprendenti: ad esempio, sul tetto c’erano ancora le lastre di rame originali, che erano state ripetutamente ritinteggiate nel corso del tempo. È stato possibile esporre nuovamente le facciate in modo che il cemento, i mattoni e persino la malta fossero in gran parte conservati nel loro stato originale. La domanda centrale durante il restauro è sempre stata: „Cosa vogliamo ottenere con l’edificio?“. Il futuro utilizzo deve essere al centro dell’attenzione o il carattere dell’edificio tutelato? E dove si dovevano trovare compromessi pragmatici?

Oggi la scuola, liberata dalle trasformazioni e dagli ampliamenti dell’epoca della DDR, è stata riportata alla sua forma originale: la palestra è collegata ai giardini da una luminosa facciata e il soffitto in mattoni di vetro della sala delle assemblee, dove i membri del Bauhaus celebravano sontuose feste negli anni Venti, è stato ricostruito. Solo i problemi energetici del complesso edilizio non hanno potuto essere tutti risolti.

L’architettura dell’epoca della costruzione e le normative edilizie odierne non sono sempre compatibili. Un motivo in più per essere creativi. Nella parte dell’edificio con le „celle“ residenziali che un tempo ospitavano gli studenti del Bauhaus, ad esempio, le norme antincendio richiedono una seconda porta di fuga. Tuttavia, tutte le varianti di adeguamento si sono rivelate inaccettabilmente dannose per il concetto e l’estetica. L’architetto ha trovato una soluzione molto semplice al dilemma delle vie di fuga in caso di incendio. Ora si trova accanto a ogni finestra: un martello.

La bauhaus week berlin fa parte delle attività nazionali sotto l’ombrello dei 100 anni del bauhaus e, insieme a numerose istituzioni culturali, musei e progetti berlinesi, affronta il tema da un’ampia varietà di prospettive sotto il titolo 100 anni di bauhaus a berlino.

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Quando 20 anni fa l’architetto paesaggista Christian Meyer passò davanti a uno spartitraffico sulla Kurfürstendamm di Berlino, ebbe un’idea. Voleva creare un’oasi di giardino dallo spazio verde inutilizzato in una posizione di rilievo. Un anno dopo, nel 1997, iniziò a piantare i primi bulbi da fiore in collaborazione con alcuni volontari e con il sostegno della DGGL. Da allora, il progetto è stato finanziato da donazioni. Oggi i berlinesi fanno delle deviazioni per vedere come si sviluppa l’orto urbano. Una storia di successo.

Santa Corona è in realtà una santa relativamente sconosciuta. È considerata la patrona del denaro, dei macellai e dei cacciatori di tesori. Ma anche come patrona contro le epidemie e le tempeste. Il suo reliquiario del Tesoro della Cattedrale di Aquisgrana – uno dei capolavori dello storicismo renano – è attualmente in fase di conservazione per una mostra.

Secondo la tradizione, Santa Corona – conosciuta anche come Santa Stephana – subì il martirio all’età di 16 anni. Le leggende sulla vita della santa e del suo compagno Victor sono molto diverse. Presumibilmente dovette assistere all’uccisione del marito Viktor a causa della sua fede. Anche lei fu condannata a morte.

La santa è particolarmente venerata in Germania, Austria, Italia e Repubblica Ceca. La Chiesa cattolica celebra la sua giornata di commemorazione il 14 maggio. Esistono anche pellegrinaggi speciali di Corona. Famosi sono Santa Corona am Schöpfl nel Bosco Viennese e Santa Corona am Wechel in Bassa Austria, così come Santa Corona presso Staudach a Massing in Bassa Baviera o la chiesa di pellegrinaggio Maria Krönung a Handlab, dove si venera un’immagine di Santa Corona del 1480.

Si dice anche che l’imperatore Ottone III abbia venerato la santa a tal punto da portare le sue spoglie ad Aquisgrana nel 997 e seppellirle nella cattedrale. Le lastre tombali sono ancora oggi visibili nella Cattedrale di Aquisgrana. La bara di piombo originale, che era sepolta vicino all’altare, fu sostituita da un reliquiario dorato nel 1910. Da allora, il reliquiario è conservato nel tesoro della cattedrale. In estate sarà esposto in una mostra sull’arte orafa storica di Aquisgrana. Il Tesoro della Cattedrale ha attualmente tolto il reliquiario – uno dei capolavori dello storicismo renano – dal magazzino per rispolverarlo e conservarlo. Sono 25 anni che non viene esposto al pubblico. L’opera d’arte, alta quasi 100 centimetri e completata dagli orafi di Aquisgrana nel 1912, ha la forma di una chiesa bizantina ed è riccamente decorata. Probabilmente, dopo la mostra, il santuario non sarà incluso nell’esposizione permanente. „L’opera d’arte è così grande che non entrerà in nessuna delle nostre vetrine“, spiega la direttrice del Tesoro, Birgitta Falk.

„Santa Corona subì un martirio non convenzionale: due palme furono distese e legate al pavimento. Fu poi appesa tra di esse o strappata tra due palme – una storia molto raccapricciante. Questo l’ha portata a diventare la patrona dei boscaioli. Ma è anche sinonimo di difesa dalle epidemie, che è una funzione secondaria“.

Per inciso, Santa Corona non è l’omonima del coronavirus: Corona è romana e significa corona o „la coronata“. Ai nuovi coronavirus SARS-CoV-2 è stato dato questo nome perché al microscopio elettronico sembrano corone.

Il restauro del più grande organo a due manuali di Arp Schnitger è durato due anni. Questo segna la fine di uno dei più importanti progetti di restauro nel campo degli organi barocchi della Germania settentrionale. È stato presentato al pubblico con un programma di festa il 18 giugno.

Si tratta di uno dei più importanti organi barocchi della Germania settentrionale, l’organo Arp Schnitger della chiesa di San Pancrazio ad Amburgo-Neuenfelde. Dei circa 170 organi costruiti dal famoso maestro organaro Arp Schnitger (1648-1719), circa 30 sono ancora esistenti. L’organo di Neuenfelde del 1688 occupa un posto speciale tra questi: Con 34 battute, è il più grande organo a due manuali di Arp Schnitger, che visse e lavorò a Neuenfelde.

Carsten Brosda, Senatore per la Cultura e i Media: „L’organo di Arp Schnitger a Neuenfelde del 1688 è uno degli organi più importanti del famoso maestro organaro. È grazie all’impegno della parrocchia che l’organo barocco è stato riportato al suo antico splendore e può essere ascoltato in tutto il suo splendore nella chiesa natale di Arp Schnitger. In collaborazione con diverse istituzioni e fondazioni e con i fondi del programma speciale di protezione dei monumenti del governo federale, pari a 300.000 euro, e dell’ufficio per la protezione dei monumenti, pari a 40.000 euro, è stato possibile realizzare il restauro“.

Nel XX secolo erano già stati eseguiti diversi restauri sull’organo di Neuenfeld, la maggior parte del quale era stato conservato nel suo stato originale, ma non avevano dato i risultati sperati. La sostanza storica non poteva essere garantita in modo duraturo. Nell’aprile 2014 è stato quindi commissionato un restauro fondamentale e una ricostruzione parziale al laboratorio di restauro di Dresda Kristian Wegscheider. Tutte le parti storiche originali dell’organo sono state ispezionate, conservate e quindi restaurate. Il progetto è stato accompagnato e documentato dall’Istituto Arp Schnitger dell’Università delle Arti di Brema.

La cassa dell’organo è stata riportata al suo colore originale dal restauratore Dietrich Wellmer. I lavori sono stati eseguiti in collaborazione con il Dipartimento Edile dell’Ufficio ecclesiastico regionale della Chiesa Evangelica Luterana della Germania del Nord e con l’Ufficio per la protezione dei monumenti.

Nel corso del restauro dell’organo, sono stati scoperti e riparati anche notevoli danni al soppalco dell’organo. La chiesa è stata inoltre dotata di un moderno sistema di climatizzazione per garantire la conservazione a lungo termine dell’organo. I costi dell’intero progetto ammontano a circa 1.000.000 di euro.

Dal 18 giugno al 2 luglio 2017, l’organo Arp Schnitger sarà presentato al pubblico con un ampio programma di festeggiamenti. Tra l’altro, potrete sperimentare di persona il suo suono in due concerti il 25 giugno e il 2 luglio. Per saperne di più è possibile visitare il sito www.schnitgerorgel.de

Il calendario dell’Avvento di Garden + Landscape era incentrato sull’architettura del paesaggio in tutte le sue sfaccettature. Cercavamo progetti, piante e persone. Desideriamo ringraziare la nostra comunità di Facebook per la sua attiva partecipazione!

Cercasi ieri: La Stella di Natale o Euphorbia pulcherrima è diventata sempre più popolare nel periodo natalizio negli ultimi anni. Il nome Poinsettia, un tempo più comune, deriva dall’ambasciatore americano che scoprì la pianta in Messico all’inizio del XIX secolo.

I vincitori di questa settimana sono stati

Lieselotte Müller
Heinrich Laub
Solo Patrick

Il mito delle orchidee
Collezionisti appassionati, Paesi lontani e varietà speciali
Catherine Vadon

Poiché un hotel desiderava progettare i propri interni basandosi su un particolare fenomeno naturale, le onde regionali Levantadas, il produttore ha personalizzato il proprio materiale sinterizzato.

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