Il fenomeno del collezionismo ha svolto un ruolo significativo nella storia dell’arte e negli studi culturali e ha subito una notevole trasformazione nel corso dei secoli. Dalle opulente Wunderkammer del Rinascimento ai concetti museali d’avanguardia dei giorni nostri, si può osservare un’evoluzione affascinante che ha avuto un impatto duraturo non solo sull’arte stessa, ma anche sulla nostra percezione e interpretazione degli oggetti e del loro significato.

La Wunderkammer, nota anche come Kunstkammer o gabinetto delle curiosità, fu creata nel XVI secolo come espressione di una passione principesca per il collezionismo e la curiosità scientifica. Queste stanze ospitavano un mix eclettico di naturalia (meraviglie naturali), artificialia (opere d’arte), scientifica (strumenti scientifici) ed exotica (oggetti esotici provenienti da paesi lontani). Rappresentavano un tentativo di cogliere e comprendere il mondo nella sua interezza. Dal punto di vista della storia dell’arte, i gabinetti delle curiosità sono particolarmente interessanti in quanto rendono confusi i confini tra arte, scienza e natura. Riflettevano la visione del mondo del Rinascimento, in cui le connessioni tra tutte le cose erano intese come parte di un piano divino. L’accostamento di oggetti disparati in queste stanze aveva lo scopo non solo di suscitare meraviglia nello spettatore, ma anche di stimolare la riflessione sull’ordine del mondo. Un famoso esempio di gabinetto delle curiosità era la collezione di Rodolfo II a Praga. L’imperatore asburgico era noto per la sua passione per l’arte, la scienza e l’occulto. Oltre a dipinti e sculture, il suo gabinetto delle curiosità conteneva anche strumenti astronomici, animali esotici e persino manufatti alchemici. La diversità e la ricchezza di questa collezione non solo rifletteva il gusto personale dell’imperatore, ma anche il suo desiderio di riunire tutta la conoscenza del mondo in un unico luogo.

Cambio di paradigma: da gabinetto di curiosità a museo sistematico

L’Illuminismo e l’emergere dei metodi scientifici nel XVIII secolo determinarono un cambiamento di paradigma nelle pratiche collezionistiche. La raccolta caotica di oggetti nei gabinetti delle curiosità lasciò il posto a un approccio più sistematico. I musei emersero come istituzioni pubbliche destinate a trasmettere la conoscenza e a classificare gli oggetti secondo chiari criteri tassonomici. Questa transizione ha segnato un momento decisivo nella storia dell’arte e della museologia. La separazione tra arte e scienza portò alla nascita di collezioni e spazi espositivi specializzati. Le opere d’arte erano ora presentate principalmente in base agli aspetti estetici e storici, mentre gli oggetti scientifici erano organizzati in musei propri secondo sistemi di classificazione scientifica. Un pioniere di questo nuovo concetto di museo fu Sir Hans Sloane, la cui vasta collezione costituì la pietra miliare del British Museum. Sloane organizzò i suoi oggetti secondo principi scientifici, gettando così le basi della moderna pratica museale. Questo sviluppo rifletteva lo spirito dell’Illuminismo, che privilegiava la razionalità e l’ordine sistematico.

Il ricordo postmoderno: il concetto di Wunderkammer nell’arte contemporanea

Nell’arte contemporanea e nella pratica museale si osserva un ritorno al concetto di Wunderkammer. Artisti e curatori stanno rivisitando l’idea del collezionismo associativo e della presentazione per aprire nuove prospettive e mettere in discussione categorie consolidate. Un esempio paradigmatico di questo approccio è „Rolywholyover A Circus“ di John Cage. Questo innovativo concetto di museo, sviluppato da Cage negli anni ’90, rompe radicalmente con le pratiche espositive tradizionali. Invece di presentare una disposizione fissa delle opere d’arte, Cage ha creato un’esperienza espositiva in continua evoluzione, in cui le opere esposte vengono riorganizzate in modo casuale su base giornaliera. Il titolo „Rolywholyover“ è un gioco di parole che allude a „Finnegans Wake“ di James Joyce, un riferimento letterario che sottolinea il legame tra arte, letteratura e collezionismo. Come l’opera di Joyce, che gioca con il linguaggio e il significato, il concetto di Cage sfida i visitatori a creare nuove connessioni tra gli oggetti. Il „Finnegans Wake“ di Joyce è noto per il suo linguaggio complesso e multistrato e per la sua struttura circolare che sfida le convenzioni narrative tradizionali. Allo stesso modo, „Rolywholyover A Circus“ di Cage rompe le convenzioni della mostra museale. Lasciando al caso la disposizione delle opere, Cage crea una sorta di equivalente letterario degli esperimenti linguistici di Joyce nello spazio visivo. Il concetto di Cage può essere inteso come un’interpretazione postmoderna della Wunderkammer. Mette in discussione l’autorità del curatore e l’idea di una narrazione fissa e lineare nelle mostre. I visitatori sono invece incoraggiati a creare le proprie connessioni tra gli oggetti, partecipando così attivamente al processo di costruzione del significato.

Il collezionismo come pratica artistica

La riscoperta del concetto di Wunderkammer ha ispirato anche gli artisti contemporanei a riconoscere il collezionismo come pratica artistica. Artisti come Mark Dion e Damien Hirst hanno ripreso e riflettuto criticamente sull’estetica e sulla filosofia della Wunderkammer nelle loro opere. Le installazioni di Mark Dion, che spesso consistono in una moltitudine di oggetti trovati e disposti, mettono in discussione il modo in cui organizziamo e presentiamo la conoscenza. Le sue opere ricordano gli armadi del XVI secolo, ma aggiungono una prospettiva critica e contemporanea, sollevando domande sulla costruzione della conoscenza e sul ruolo delle istituzioni in questo processo. Un esempio particolarmente impressionante del lavoro di Dion è l’installazione „The Tate Thames Dig“ (1999). Per questo progetto, Dion e un team di volontari hanno raccolto oggetti dalle rive del Tamigi e li hanno presentati in una struttura simile a un armadio. Gli oggetti trovati andavano da fossili preistorici a rifiuti contemporanei e sono stati accuratamente catalogati ed esposti. Quest’opera mette in discussione non solo i confini tradizionali tra natura e cultura, ma anche il ruolo del museo nella costruzione di narrazioni storiche.
„Treasures from the Wreck of the Unbelievable“ di Damien Hirst può essere vista come un’interpretazione postmoderna di una Wunderkammer. La mostra, esposta a Venezia nel 2017, presentava una collezione fittizia di manufatti „antichi“ e giocava quindi con i confini tra realtà e finzione, autenticità e simulazione. Hirst ha creato un’elaborata finzione intorno a un presunto naufragio e ai suoi tesori recuperati, che ha presentato in forma museale. Quest’opera mette in discussione non solo l’autorità del museo come luogo di verità, ma anche la nostra disponibilità ad accettare i „fatti“ presentati.

Il gabinetto digitale delle curiosità: nuove prospettive nel XXI secolo

Nell’era digitale, il concetto di Wunderkammer ha assunto una nuova dimensione. Le piattaforme online e i musei virtuali consentono di raccogliere e presentare oggetti e idee in un modo che ricorda la diversità e la flessibilità degli armadi delle curiosità originali, superando i limiti dello spazio fisico. Progetti come„Google Arts & Culture“ o il „Virtual Museum of Canada“ offrono accesso a un’enorme varietà di opere d’arte e manufatti culturali. Queste piattaforme digitali permettono agli utenti di curare il proprio „cabinet of curiosities“ creando connessioni tra oggetti che non potrebbero mai coesistere nel mondo fisico. Il cabinet of curiosities digitale permette di riunire in uno spazio virtuale oggetti di epoche, culture e aree geografiche diverse. Questo apre nuove possibilità per studi comparativi e ricerche interdisciplinari. Allo stesso tempo, ci pone di fronte a nuove sfide in termini di copyright, conservazione digitale e autenticità delle esperienze virtuali.

L’eredità della Wunderkammer

La rinascita del concetto di Wunderkammer nell’arte contemporanea e nella pratica museale dimostra che la raccolta e la presentazione di oggetti rimane un mezzo potente per comprendere e interpretare il mondo. Dagli armadi principeschi del Rinascimento al „Rolywholyover A Circus“ di John Cage e alle collezioni digitali del nostro tempo, l’evoluzione della pratica del collezionismo riflette il cambiamento delle nozioni di conoscenza, ordine e significato. In un’epoca in cui le informazioni abbondano, questi approcci curatoriali ci ricordano che non si tratta solo di ciò che sappiamo, ma anche di come lo mettiamo insieme e lo interpretiamo. L’arte del collezionismo, praticata nei cabinet of curiosities del passato e nei concetti espositivi sperimentali del presente, rimane quindi uno strumento essenziale per esplorare e reinterpretare il nostro mondo e noi stessi. Questo sviluppo ci sfida a ripensare i confini tra discipline, epoche e culture e apre nuove possibilità di ricerca interdisciplinare e di impegno creativo con il nostro patrimonio culturale. Il gabinetto delle curiosità del XXI secolo, sia esso fisico o digitale, ci invita a guardare il mondo con occhi nuovi e a scoprire connessioni inaspettate. In un mondo sempre più frammentato e specializzato, il concetto di Wunderkammer offre un’alternativa: uno spazio in cui si celebra la diversità e si fanno incontri inaspettati. Ci ricorda che la conoscenza non consiste solo nei fatti, ma anche nelle connessioni che creiamo tra di essi. In questo senso, la Wunderkammer rimane un modello senza tempo per il pensiero creativo e l’esplorazione interdisciplinare, un modello forse più che mai attuale nel nostro mondo complesso e globalizzato.

Il calore non è più un fenomeno eccezionale, ma un parametro dominante nella progettazione delle nostre città. Chi progetta spazi aperti deve saperlo oggi: La prossima estate arriverà sicuramente e con essa la questione di come garantire la qualità della vita urbana in tempi di surriscaldamento. È ora che il calore venga finalmente preso sul serio come parametro progettuale fondamentale nei concorsi per gli spazi aperti. Perché la città di domani non sarà solo costruita, ma sarà anche raffreddata, ombreggiata e, se progettata con intelligenza, diventerà un’oasi contro lo stress climatico.

• Perché il calore diventa oggi un fattore decisivo nei concorsi per spazi aperti
• I principi climatici urbani più importanti che ogni progettista deve conoscere
• Strategie innovative per ridurre il calore attraverso la progettazione, la scelta dei materiali e la vegetazione
• Come le procedure di concorso possono richiedere e promuovere sistematicamente l’integrazione del calore
• Esempi pratici dalla Germania, dall’Austria e dalla Svizzera che fungono da modelli di riferimento
• Condizioni quadro legali e di pianificazione per la gestione del calore
• Strumenti, simulazioni e procedure di valutazione per progetti adattati al calore
• Opportunità, rischi e sfide – dall’accettazione alla manutenzione
• Perché la protezione dal calore non è solo ombra e nebulizzazione

Lo stress da calore come norma urbana – un cambiamento di paradigma nella progettazione degli spazi aperti

La realtà urbana dell’Europa centrale è cambiata radicalmente negli ultimi anni. Se un tempo il caldo estivo era considerato un fastidio temporaneo, oggi le città registrano picchi di temperatura che non solo compromettono la qualità della vita, ma minacciano anche la salute della popolazione. In Germania, Austria e Svizzera si registrano livelli record: Le notti in cui il termometro non scende sotto i 25 gradi non sono più una rarità nei centri urbani. Le ondate di calore del 2003, del 2019 e del 2022 non sono state affatto le ultime e hanno colpito in particolare i quartieri densamente edificati, dove l’impermeabilizzazione e la mancanza di vegetazione aumentano in modo massiccio il cosiddetto effetto isola di calore urbana.

Cosa significa questo per la pianificazione? Il calore non è più un problema „piacevole da avere“, ma un must. Chiunque organizzi concorsi per parchi, piazze o cortili scolastici oggi si trova di fronte alla domanda: Come si può progettare lo spazio aperto in modo che sia ancora adatto a trascorrere il tempo anche a 38 gradi? Sono finiti i tempi in cui alcuni alberi in un progetto potevano essere utilizzati come protezione dal calore. Le richieste di progettazione stanno aumentando rapidamente perché gli utenti, i politici e gli amministratori si rendono sempre più conto che qualsiasi pianificazione degli spazi aperti deve fornire anche una risposta al cambiamento climatico.

Le cause dello stress da calore sono complesse. Oltre al riscaldamento globale, i fattori locali giocano un ruolo di primo piano: edifici densi, materiali scuri, mancanza di aree di evaporazione e diminuzione delle strutture verdi sono i principali responsabili del riscaldamento delle città e del loro scarso raffreddamento notturno. Di conseguenza, lo stress da caldo sta diventando una condizione permanente, con gravi conseguenze per i gruppi vulnerabili come i bambini, gli anziani e le persone con patologie preesistenti.

Per i pianificatori questo significa un cambiamento di paradigma. Non è più sufficiente fornire belle immagini in gara. Sono necessari concetti di resilienza che affrontino sistematicamente il problema del calore, dall’analisi e dalla strategia alla formazione dettagliata. Ciò richiede una nuova immagine di sé: progettare oggi significa anche creare resilienza al clima. Chiunque ignori questo aspetto non riesce a pianificare la realtà.

Ma come si può valutare il calore nei concorsi? Dove sono le maggiori leve per una progettazione compatibile con il calore? E come armonizzare l’attenzione all’adattamento al clima con altri obiettivi come la qualità del soggiorno, la biodiversità e la partecipazione sociale? Sono domande che pongono nuove sfide non solo agli uffici di pianificazione, ma anche agli organizzatori e alle giurie.

La realizzazione centrale: il calore non è più un criterio subordinato, ma un parametro di progettazione al pari di estetica, funzionalità ed economicità. Chi progetta spazi aperti oggi deve sapere come il proprio lavoro influisce sul microclima ed essere pronto ad assumersene la responsabilità.

Nozioni di base sul clima urbano: perché ogni grado è importante

Chiunque si occupi del calore come parametro di progettazione non può ignorare i fondamenti del clima urbano. Il clima urbano è il risultato di una complessa interazione tra edifici, materiali, vegetazione, specchi d’acqua e fattori meteorologici. L’effetto isola di calore urbana è particolarmente rilevante: a causa della loro struttura densa e dell’elevato livello di impermeabilizzazione, le città immagazzinano enormi quantità di calore durante il giorno, che rilasciano lentamente solo di notte. La differenza di temperatura tra la città e l’area circostante può raggiungere i 10 gradi nelle fasi calde, un valore tutt’altro che trascurabile per il benessere e la salute degli abitanti.

Il fenomeno delle notti tropicali, in cui la temperatura non scende mai sotto i 20 gradi, è una conseguenza diretta di questi effetti. Particolarmente colpiti sono i centri urbani, i quartieri con poco verde e le aree caratterizzate da edifici alti e strade strette. Questo crea una pericolosa miscela di accumulo di calore, mancanza di ventilazione e ombra insufficiente. Chiunque abbia sperimentato come una piazza asfaltata si riscalda sotto il sole di mezzogiorno sa che, senza contromisure mirate, lo spazio aperto diventa un forno.

Studi scientifici dimostrano che anche un moderato aumento della densità della vegetazione ha un effetto significativo sul microclima. Alberi, arbusti e facciate verdi raffreddano non solo attraverso l’ombreggiamento, ma soprattutto attraverso l’evaporazione. Questo cosiddetto effetto di evapotraspirazione abbassa in modo misurabile la temperatura ambientale, fino a 3 gradi nelle aree verdi. Le superfici d’acqua e le strutture aperte sul terreno, che favoriscono anch’esse l’evaporazione e quindi garantiscono temperature gradevoli, hanno un effetto ancora maggiore.

La materialità gioca un altro ruolo fondamentale. Le superfici scure e dense accumulano il calore in modo particolarmente efficace, mentre i materiali chiari e riflettenti e i rivestimenti porosi riducono il riscaldamento. Anche la progettazione degli spazi aperti influisce sul clima urbano: ampi profili stradali, edifici bassi e piazze aperte favoriscono la ventilazione, mentre strutture corte strette e alti edifici perimetrali inibiscono il ricambio d’aria.

Per i concorsi, questo significa che senza una conoscenza approfondita del clima urbano, qualsiasi strategia di progettazione non porterà a nulla. Non è necessaria solo una sensibilità per il luogo, ma anche una comprensione delle simulazioni climatiche, delle mappe bioclimatiche e dell’effetto delle diverse misure sul microclima. Solo allora il calore potrà essere integrato in modo specifico come parametro nella progettazione, fin dall’inizio e non solo come ripensamento.

Chi progetta spazi aperti per il XXI secolo oggi deve prendere sul serio ogni grado. Perché la differenza tra una vita cittadina piacevole e uno stress da caldo insopportabile si decide nei dettagli – e nella competizione per le idee migliori.

Strategie creative contro il caldo – dalla visione alle misure concrete

La buona notizia è che la cassetta degli attrezzi per la progettazione di spazi aperti adatti al caldo è piena zeppa. Non si tratta più solo del numero di alberi, ma di un’abile interazione tra vegetazione, acqua, materialità e struttura spaziale. Chi prende sul serio il calore come parametro di progettazione sviluppa soluzioni multifunzionali che migliorano il microclima e allo stesso tempo aumentano la qualità del soggiorno.

Uno degli approcci più efficaci è l’ombreggiamento mirato. Gli alberi sono ancora i campioni in questo campo: non solo fanno ombra, ma rinfrescano anche attraverso l’evaporazione e contribuiscono alla purificazione dell’aria. Tuttavia, la giusta scelta delle specie, l’idoneità del sito e la manutenzione a lungo termine sono fondamentali. La tolleranza al calore urbano, lo spazio sufficiente per le radici e la struttura a bassa manutenzione sono importanti quanto la disposizione: viali lineari, gruppi densi o posizioni individuali specifiche creano microclimi diversi.

L’acqua gioca un ruolo sempre più centrale. Superfici d’acqua aperte, fontane, getti d’acqua nebulizzata o – particolarmente intelligenti – rivestimenti permeabili all’acqua con accumulo d’acqua integrato forniscono un raffreddamento per evaporazione e offrono a bambini e adulti un modo gradito per rinfrescarsi. L’integrazione della gestione dell’acqua piovana nella progettazione dello spazio aperto crea ulteriori sinergie: aree di infiltrazione, canali, trincee di infiltrazione o aree di ritenzione tamponano le forti precipitazioni e migliorano allo stesso tempo il microclima.

Anche la scelta dei materiali fa la differenza. Le superfici chiare e riflettenti riducono il riscaldamento, mentre le superfici porose, rinverdite o parzialmente non sigillate favoriscono il bilancio idrico e l’evaporazione. Soluzioni innovative come le pietre rinfrescanti per la pavimentazione, le sedute verdi o gli ombrelloni mobili aprono nuovi orizzonti. È importante che queste misure non siano viste come azioni individuali, ma come parte di un concetto olistico che tenga conto delle condizioni specifiche del luogo.

La progettazione della struttura spaziale ha un’influenza decisiva sul modo in cui viene percepito il calore. Spazi aperti e ventilati, strutture su piccola scala con rifugi verdi, usi flessibili ed elementi adattivi come sistemi di ombreggiamento temporanei fanno la differenza tra un inferno di calore e un luogo preferito. Soprattutto nei concorsi, vale la pena proporre soluzioni audaci e sperimentali, come sistemi modulari di inverdimento, installazioni d’acqua stagionali o elementi partecipativi che coinvolgano attivamente gli utenti.

Infine, non bisogna dimenticare la manutenzione e lo sviluppo. La progettazione adattata al calore non è un evento unico, ma un processo. Solo se le misure vengono mantenute e sviluppate a lungo termine, lo spazio aperto rimarrà vivibile anche in futuro. Ciò richiede una stretta interazione tra pianificazione, gestione e utenti e una nuova cultura di cooperazione tra tutti i soggetti coinvolti.

Integrare il calore nel processo di concorso – dal bando di concorso alla decisione della giuria

La gestione del calore come parametro di progettazione non inizia solo con il progetto, ma anche con il bando di concorso. Le procedure di concorso che affrontano sistematicamente la questione creano la base per soluzioni innovative e garantiscono la qualità dei risultati. Si comincia con un brief preciso: quali sono le sfide climatiche urbane che ci si aspetta? Quali requisiti derivano dalle analisi climatiche, dalle mappe di calore o dall’esperienza locale? Più le specifiche sono chiare, più i progettisti possono sviluppare i loro concetti in modo mirato.

I criteri di valutazione vincolanti svolgono un ruolo importante. Le misure di riduzione del calore sono esplicitamente richieste e ponderate? Esistono standard minimi per l’ombreggiamento, l’evaporazione o la ventilazione? Si tiene conto dello sviluppo a lungo termine del microclima? I concorsi che rendono trasparenti tali criteri non solo promuovono la qualità dei progetti, ma anche la comparabilità e la comprensibilità della decisione della giuria.

Le simulazioni climatiche e gli strumenti di valutazione sono sempre più utilizzati per analizzare l’impatto dei progetti sul microclima in una fase iniziale. Strumenti come ENVI-met, mappe climatiche urbane o simulazioni del comfort termico forniscono dati preziosi, a condizione che siano interpretati con competenza e integrati nel processo di pianificazione. Anche il coinvolgimento di esperti climatici nella giuria sta diventando sempre più una pratica standard per garantire una valutazione professionale.

Il coinvolgimento degli utenti e del pubblico può contribuire ad aumentare l’accettazione delle misure di adattamento al calore. Gli elementi partecipativi – come i workshop per i cittadini, i cicli di feedback o le installazioni temporanee di prova – rendono direttamente tangibile l’effetto dell’ombreggiamento, dell’acqua o dell’inverdimento e creano una comprensione comune della necessità di protezione dal calore. Soprattutto nei quartieri densamente popolati, questi approcci possono aiutare a disinnescare i conflitti e a sviluppare soluzioni praticabili.

Infine, anche la comunicazione è fondamentale. I concorsi che comunicano l’importanza della protezione dal calore in modo chiaro e comprensibile inviano un segnale, non solo agli uffici di pianificazione, ma anche ai politici, agli amministratori e al pubblico. Fanno capire che il calore non è un problema altrui, ma un compito progettuale centrale che può essere risolto solo insieme. Chi lo ignora rischia non solo una cattiva progettazione, ma anche una perdita di qualità della vita a lungo termine.

L’integrazione del calore come parametro di progettazione nel processo di gara è quindi più di una semplice sfida tecnica. È l’espressione di una nuova concezione della progettazione che vede il cambiamento climatico come punto di partenza e non come nota a margine. Chi agisce con coraggio in questo ambito darà forma agli spazi aperti di domani – resilienti, vivibili e sostenibili.

Pratica, prospettive e sfide: ciò che conta davvero

Esempi di successo in Germania, Austria e Svizzera dimostrano che l’integrazione del calore come parametro di progettazione non è una chimera, ma una realtà fattibile. Il nuovo parco cittadino di Vienna-Favoriten, la riprogettazione dell’Elisabethmarkt di Monaco di Baviera e la Turbinenplatz di Zurigo stabiliscono degli standard per la combinazione di ombreggiamento, evaporazione e scelta innovativa dei materiali. Essi dimostrano come i concorsi possano essere specificamente incentrati sul microclima, sulla qualità del soggiorno e sulla fruibilità sociale, creando comunque luoghi distintivi.

Allo stesso tempo, i progettisti devono affrontare sfide notevoli. L’incertezza sugli scenari climatici futuri rende difficili le previsioni a lungo termine, mentre i budget limitati, gli interessi diversi e i requisiti spesso contraddittori per l’uso del territorio, la conservazione della natura e le infrastrutture rendono più difficile l’attuazione. A ciò si aggiunge l’equilibrio tra l’attrattiva a breve termine e la resilienza climatica a lungo termine: ciò che oggi è considerato un elemento di design cool, domani può rivelarsi ad alta manutenzione o addirittura controproducente, se non è ben ponderato.

Un rischio fondamentale è la tendenza alla politica simbolica. Qualche albero in più, un impianto di nebulizzazione o tende da sole di lusso non sono sufficienti per ottenere una reale riduzione del calore. Ciò che è fondamentale è un approccio sistematico: sono necessarie un’analisi solida, una strategia coerente e la volontà di adottare misure scomode, come la rimozione dei parcheggi o la ridistribuzione dei terreni a favore di spazi verdi e acqua.

Le condizioni quadro legali e di pianificazione continuano ad evolversi. I concetti comunali di adattamento al clima, i programmi di finanziamento e i nuovi strumenti di pianificazione territoriale urbana creano un margine di manovra, ma pongono anche nuove esigenze di documentazione e verifica. Gli uffici di pianificazione sono chiamati ad ampliare continuamente le proprie competenze nei settori del clima urbano, della simulazione e del monitoraggio, e a partecipare attivamente allo sviluppo di nuovi standard di valutazione.

A lungo termine, la pianificazione degli spazi aperti si trova di fronte a un duplice compito: deve reagire all’aumento del calore nel breve termine e allo stesso tempo creare strutture che funzioneranno ancora tra 30 anni. Ciò richiede il coraggio di innovare, una cultura aperta all’errore e la volontà di imparare dai progetti pilota. Perché una cosa è chiara: il problema del calore non scomparirà. Ma può essere risolto, in modo creativo, intelligente e nel senso migliore del termine.

Ciò che conta, in ultima analisi, è il valore aggiunto per le persone: Spazi aperti che offrono qualità di vita anche nelle giornate più calde, proteggono la salute e consentono incontri sociali. Chi comprende il calore come parametro di progettazione non progetta contro il cambiamento climatico, ma con esso, trasformando la città in un palcoscenico per un futuro degno di essere vissuto.

Conclusioni – il calore come opportunità per una nuova cultura della progettazione

Il calore non è solo un fastidioso problema secondario. È la cartina di tornasole della futura sostenibilità della pianificazione degli spazi aperti. Chi prende sul serio il calore come parametro di progettazione nei concorsi si assume la responsabilità della qualità della vita, della salute e della resilienza urbana. Ciò richiede nuove competenze, soluzioni creative e il coraggio di mettere in discussione ciò che è già stato sperimentato. Gli strumenti ci sono, gli esempi sono disponibili: ora si tratta di diffondere i risultati e di applicarli in modo coerente.

I concorsi per gli spazi aperti di domani non saranno più decisi solo in base alla bellezza e alla funzionalità, ma anche alla capacità di affrontare le sfide del surriscaldamento. Non si tratta di una restrizione, ma di un invito all’innovazione e all’eccellenza. Chi si pone le domande giuste, sviluppa le strategie migliori e cerca il dialogo con gli utenti, l’amministrazione e la politica può rendere la città non solo più fresca, ma anche più vivibile, più equa e più a prova di futuro.

In definitiva, il calore non è un avversario, ma un catalizzatore per una nuova cultura della pianificazione. La città del futuro non si costruirà, ma si progetterà, con mente fredda, idee creative e volontà di assumersi responsabilità. Garten und Landschaft rimane la vostra guida in questo percorso: professionale, critica, stimolante. Perché in nessun altro luogo troverete una tale concentrazione di competenze e tanta passione per la progettazione degli spazi aperti di domani.

La società di produzione Kleeblatt-Film di Augsburg ha accompagnato gli apprendisti scalpellini Sarah Mayr e Benno Reis durante la loro formazione per tre anni – dal tirocinio nel 2012 alla cerimonia di laurea nel settembre 2016. Un film documentario a lungo termine è stato realizzato insieme all’Associazione bavarese degli scalpellini.

Nella primavera del 2012, Sarah Mayr ha completato uno stage presso l’azienda di scalpellini Hermann Rudolph di Obergünzburg e ha finalmente deciso di formarsi come scalpellino. Durante il tirocinio, il suo capo, il capomastro regionale Hermann Rudolph, le chiese se volesse partecipare a un documentario e registrare le varie fasi della sua formazione. L’allora sedicenne fu subito entusiasta del progetto. L’obiettivo del progetto cinematografico era quello di avvicinare la professione di scalpellino e „mostrare soprattutto ai giovani la diversità della professione“, spiega Sarah Mayr.

„Per me è stato chiaro fin dall’inizio che non volevo fare un lavoro d’ufficio. Ho sempre voluto fare qualcosa di artigianale e progettare qualcosa per l’eternità“, condivide Mayr. Fin dall’inizio è stata particolarmente affascinata dal mestiere di scalpellino e dall’industria delle lapidi, dove si è „vicini alle persone“. Dopo tre anni di formazione di successo, era finalmente pronta a sostenere l’esame da muratore. Per molto tempo la scalpellina non ha saputo cosa progettare per l’esame di abilitazione. Dopo un lungo periodo di ricerca, ha finalmente deciso per un tavolo da salotto con un fiume integrato. Prima di iniziare il lavoro vero e proprio, la diciannovenne ha disegnato diversi modelli in gesso e alla fine ha lavorato con uno di essi. Mayr ha realizzato il tavolo in pietra calcarea del Giura utilizzando aria compressa e strumenti manuali. Ha lavorato al tavolo per un totale di 48 ore. Nella parte superiore del tavolo è presente un intarsio in vetro a forma di fiume. Il fiume Halblech simboleggia una parte della sua casa nell’Algovia orientale e riprende il tema dell’acqua, così come le conchiglie fossili incorporate.

Il giovane scalpellino ha incontrato anche delle sfide durante il lavoro. La più semplice è stata quella di „prendere confidenza con il materiale. In genere lavoriamo con il granito, un materiale molto duro. Inoltre, non è sempre stato facile realizzare la propria idea nel modo in cui l’avevamo immaginata“, spiega Mayr. Con il suo pezzo, Sarah Mayr non solo è entrata nella top ten del suo anno, ma è anche diventata la vincitrice della camera in Svevia. „È davvero una bella sensazione veder riconosciuto il proprio lavoro in questo modo“, dice la scalpellina soddisfatta.

Guardando al passato, Sarah Mayr si rende conto di aver „imparato moltissimo negli ultimi tre anni e di aver fatto un grande passo nella vita, soprattutto verso il lavoro autonomo“. In futuro, Sarah Mayr vorrebbe continuare a fare esperienza nel settore delle lapidi. Tuttavia, può benissimo immaginare di lavorare anche in altri settori, come quello del restauro. Dopotutto, ci sono molte opportunità nel settore della scalpellinatura.

Per saperne di più su Sarah Mayr e sul progetto cinematografico.

Olympia Tokyo: Architettura tra tradizione e innovazione – una danza sul filo del rasoio. In nessun altro luogo i metodi di costruzione millenari e il futurismo radicale sono così palesemente affiancati. Ma quanta visione c’è davvero dietro le arene olimpiche? Cosa resterà in termini di soluzioni sostenibili, trasformazione digitale e aspirazioni globali quando la polvere olimpica si sarà posata? È ora di dare uno sguardo approfondito dietro la facciata dello spettacolo.

• I Giochi Olimpici di Tokyo sono diventati una vetrina per l’ambivalenza architettonica: icone ultramoderne che si fanno strada attraverso la tradizione.
• La scena architettonica giapponese bilancia magistralmente l’eleganza minimalista, la tradizione costruttiva locale e l’alta tecnologia.
• I processi digitali di pianificazione e costruzione e i sistemi di gestione supportati dall’intelligenza artificiale hanno caratterizzato la costruzione olimpica, spesso in modo silenzioso ma efficace.
• L’equilibrio della sostenibilità rimane ambivalente: il legno come faro di speranza, il cemento come eredità, gli edifici temporanei come soluzione di emergenza.
• L’architettura olimpica di Tokyo mostra i limiti delle promesse di sostenibilità globale e le opportunità di una coerente localizzazione.
• L’eccellenza tecnica è d’obbligo, la sensibilità culturale è d’obbligo – ed entrambe sono state messe alla prova a Tokyo.
• L’ondata di costruzioni olimpiche sta definendo nuovi standard per i grandi eventi, ma non è esente da critiche e dibattiti controversi.
• In Germania, Austria e Svizzera il modello giapponese viene osservato da vicino e discusso con scetticismo, ma anche con curiosità.
• Sono stati dati impulsi globali per progetti sostenibili su larga scala, ma il trasferimento rimane un cantiere.

Tra santuario scintoista e super-stadio: il doppio DNA architettonico di Tokyo

Tokyo è un ibrido architettonico. Da un lato, la città è considerata l’epicentro della modernità radicale, un banco di prova per spazi urbani visionari e sede di architetti di spicco con un’inclinazione per lo spettacolo. Dall’altro lato, Tokyo è anche un mosaico di tradizioni silenziose e quasi invisibili. Per i Giochi Olimpici del 2021, questo doppio DNA è diventato un leitmotiv – e un cantiere aperto. I progettisti avevano il compito di creare un palcoscenico che trasmettesse l’identità culturale del Giappone e allo stesso tempo fungesse da vetrina globale per l’innovazione. Un gioco di equilibri che ha richiesto un alto livello di abilità non solo in termini di design, ma anche dal punto di vista politico e tecnico. Con il nuovo stadio nazionale di Kengo Kuma, è stato creato un edificio che non si impone sul paesaggio urbano come un’icona aggressiva, ma che si fonde con il quartiere grazie al legno, al verde e ai sottili riferimenti all’artigianato locale. Allo stesso tempo, lo stadio simboleggia una nuova generazione di grandi edifici: più leggeri, più sostenibili, più digitali. Ma dietro il gesto poetico si nasconde un duro pragmatismo: in una megalopoli come Tokyo, lo spazio scarseggia, i terreni edificabili sono assurdamente costosi e ogni innovazione si misura con la dura realtà dei regolamenti edilizi, dei requisiti di sicurezza e delle catene di fornitura globali. L’architettura olimpica doveva quindi dimostrare di non essere solo un gesto, ma un sistema funzionante. Il risultato è un affascinante ibrido: uno stadio dall’aspetto umile, ma che all’interno vanta tecnologie all’avanguardia, sistemi di controllo digitali e costruzioni di alta precisione. Questa duplice strategia – la tradizione come vetrina, l’innovazione come sottostruttura – è diventata il leitmotiv di quasi tutti gli edifici olimpici di Tokyo.

L’architettura di Tokyo è camaleontica anche lontano dalle grandi arene. I villaggi olimpici e gli impianti sportivi temporanei si affidano a metodi di costruzione modulari, a piante flessibili e a una gamma di materiali che a prima vista sembrano sostenibili, ma che a un esame più attento rivelano anche dei compromessi. Sebbene l’uso di legname locale sia presentato in modo efficace dal punto di vista mediatico, il progetto strutturale sottostante rimane spesso convenzionale. È un gioco architettonico a nascondino in cui il simbolismo è importante almeno quanto l’innovazione vera e propria. Il risultato: edifici che da un lato vengono scambiati come modelli per futuri progetti su larga scala, dall’altro vengono criticati come gusci vuoti non appena il circo olimpico si sposta.

L’integrazione di metodi costruttivi tradizionali – come l’ispirazione alle costruzioni in legno giapponesi – non è un semplice ornamento, ma un’espressione del bisogno di continuità della società in una metropoli altamente dinamica. Resta tuttavia da chiedersi quanto sia sostenibile questo ritorno al passato. Dopo tutto, i requisiti di protezione antincendio, sicurezza sismica e flussi di visitatori fanno sì che molte tecniche tradizionali possano essere solo citate. La realtà è un sistema di adattamento permanente in cui il confine tra autenticità e messa in scena rimane fluido.

Anche l’integrazione urbana degli edifici olimpici è un gioco di equilibri. Tokyo è riuscita a non posizionare i nuovi impianti sportivi come corpi estranei, ma a intrecciarli con le infrastrutture, lo spazio pubblico e le reti di trasporto. Tuttavia, rimane la critica che l’architettura olimpica è spesso trattata come un evento temporaneo e il successivo utilizzo è messo in ombra dalle grandi promesse. Questo dimostra l’esperienza di Tokyo nel gestire la densificazione e la riconversione urbana, ma anche i limiti di un sistema che vede i grandi eventi come un catalizzatore e non come una soluzione permanente.

Nel complesso, l’architettura olimpica di Tokyo rispecchia la città stessa: contraddittoria, stratificata e sempre un po‘ difficile da comprendere. Offre ispirazione per un settore che deve costantemente reinventarsi tra tradizione e innovazione, e allo stesso tempo fornisce una lezione di pragmatismo che viene osservata da vicino nei Paesi di lingua tedesca.

Innovazione su richiesta: processi digitali, IA e la gara olimpica di costruzione

Chi pensa solo a bambù, carta e giardini zen quando pensa ai Giochi Olimpici di Tokyo, sottovaluta di gran lunga la struttura digitale dei processi di costruzione. La vera rivoluzione è avvenuta dietro le quinte, sotto forma di processi di pianificazione digitalizzati, lavori di costruzione in rete e sistemi di controllo supportati dall’intelligenza artificiale. Mentre il pubblico olimpico ammirava le cerimonie di apertura perfettamente orchestrate, in background erano in funzione sistemi che monitoravano i progressi della costruzione in tempo reale, ottimizzavano i flussi di materiali e gestivano in modo intelligente anche i flussi di visitatori in condizioni di pandemia. Tokyo ha dimostrato come può essere la trasformazione digitale nel settore delle costruzioni se non viene vista come un fine in sé, ma come uno strumento per progetti complessi. Il Building Information Modelling (BIM) non è stato solo una parola d’ordine, ma un’istanza di controllo centrale per la pianificazione, il funzionamento e la successiva conversione. Il collegamento dei modelli 3D con i piani dei tempi e dei costi, ma anche con i dati sulla sostenibilità, ha permesso di raggiungere un livello di precisione che prima era raro nella scala di un grande progetto olimpico.

Anche l’intelligenza artificiale ha svolto un ruolo importante, anche se meno spettacolare rispetto ad altri settori. È stata utilizzata nella gestione dell’energia, nella simulazione di scenari di evacuazione e nell’ottimizzazione dei processi logistici. La tecnologia dei sensori nei pavimenti, nelle facciate e nei tetti ha permesso di monitorare in modo permanente le condizioni degli edifici: una benedizione in un Paese terremotato, ma anche uno sguardo alla futura manutenzione dei grandi edifici. L’integrazione di piattaforme digitali ha permesso di apportare rapidamente anche modifiche dell’ultimo minuto alla pianificazione, senza compromettere il progetto complessivo. Questa flessibilità e trasparenza sono qualità che molti proprietari di edifici europei ancora sognano.

Tuttavia, la digitalizzazione ha anche i suoi lati negativi. L’elevato grado di interconnessione significa che errori o manipolazioni possono avere gravi conseguenze. Il dibattito sulla sicurezza dei dati, sulla sovranità digitale e sull’influenza delle società di software globali è altrettanto virulento in Giappone che in Germania, Austria o Svizzera. Tuttavia, l’esempio giapponese fornisce una preziosa ispirazione per gestire la complessità nel settore delle costruzioni: Gli strumenti digitali non sono fini a se stessi, ma un mezzo per raggiungere un fine, e funzionano solo se sono inseriti in una cultura dell’edilizia che ammette errori e controlla costantemente i processi.

Per gli architetti, gli ingegneri e le imprese edili, questo sviluppo significa soprattutto una cosa: senza competenze tecniche nei metodi di progettazione ed esecuzione digitale, saranno lasciati al freddo. La capacità non solo di leggere i modelli BIM, ma anche di controllarli attivamente, è diventata lo standard. Chi ignora le nuove tecnologie non riesce a pianificare i requisiti del futuro. Allo stesso tempo, il cambiamento tecnologico richiede una nuova forma di collaborazione: interdisciplinare, agile e con la volontà di condividere le responsabilità e comunicare apertamente le conoscenze.

Tokyo non sarà un pioniere nel discorso internazionale, ma è un esempio impressionante di integrazione della digitalizzazione in compiti di costruzione culturalmente impegnativi e tecnicamente molto complessi. Il modello olimpico viene già discusso intensamente in Europa – e la questione di quanto l’automazione, la simulazione e l’IA possano essere incorporate nella cultura edilizia della regione DACH rimane un cantiere aperto.

Sostenibilità con effetti collaterali: Legno, cemento e il dibattito sul greenwashing olimpico

Quasi nessun altro tema ha accompagnato l’architettura olimpica di Tokyo con la stessa intensità della richiesta di sostenibilità. Gli organizzatori hanno presentato con orgoglio il legno come materiale principale, hanno affidato le facciate alle aziende forestali nazionali e hanno messo in scena l’uso di materie prime rinnovabili come segno di responsabilità ecologica. Ma quanto sono realmente sostenibili queste soluzioni? La risposta è ambivalente. È vero che l’uso del legno come elemento strutturale e di design è un passo avanti rispetto ai precedenti deserti di cemento. Tuttavia, la massa di materiali necessari, la logistica dei cantieri e l’alta percentuale di edifici temporanei relativizzano molte promesse ecologiche. I critici parlano di greenwashing, i sostenitori di un primo, importante passo verso una pratica di costruzione su larga scala più sostenibile.

La sfida principale è stata quella di concepire la sostenibilità non come un ripensamento, ma come parte integrante della pianificazione. A Tokyo questo non è sempre riuscito. Molte delle strutture temporanee saranno smantellate dopo le Olimpiadi, ma l’impronta ecologica rimarrà. La domanda su quanto l’economia circolare abbia effettivamente luogo e su quanto i materiali vengano riutilizzati è ben lungi dal trovare una risposta. Questo mostra un parallelo con i grandi progetti europei: La volontà di essere sostenibili c’è, ma l’attuazione rimane spesso frammentaria. Sebbene l’ondata di costruzioni olimpiche abbia stabilito nuovi standard, ha anche mostrato i limiti di ciò che è fattibile.

Un’altra area problematica: l’approvvigionamento energetico delle strutture olimpiche. Sebbene siano state utilizzate energie rinnovabili, le infrastrutture della megalopoli di Tokyo dipendono da sistemi energetici a combustibili fossili. L’integrazione di sistemi di energia solare e geotermica è rimasta simbolica in molti luoghi. Il progetto dimostra inoltre che la sostenibilità su scala olimpica non si ottiene solo con l’uso di materiali ecologici, ma con una pianificazione olistica che comprende il funzionamento, la manutenzione e il successivo utilizzo. Questa è una delle sfide più grandi per i grandi eventi futuri e una lezione che è stata appresa anche nei Paesi di lingua tedesca.

La complessità tecnica dei metodi di costruzione sostenibili non deve essere sottovalutata. La protezione antincendio, la sicurezza antisismica e la conformità agli standard internazionali impongono compromessi che mettono a dura prova l’idealismo di molti architetti. Le conoscenze tecniche necessarie per la progettazione e la costruzione di edifici olimpici sostenibili hanno raggiunto un nuovo livello. Oggi la scienza dei materiali, la fisica delle costruzioni e le simulazioni digitali sono requisiti fondamentali per poter competere a livello globale. Chi non tiene il passo in questo campo è destinato a soccombere.

In un confronto internazionale, Tokyo non è quindi né un modello né un cattivo esempio, ma un caso per una visione differenziata. Mentre in Germania, Austria e Svizzera il manifesto giapponese delle costruzioni in legno è visto con rispetto, ma anche con scetticismo, città come Vienna e Zurigo lavorano da tempo a propri modelli per progetti sostenibili su larga scala. La domanda è: quanto simbolismo è accettabile, quanto cambiamento sistemico è necessario? Tokyo non fornisce risposte definitive, ma molti spunti di riflessione.

L’architettura olimpica come laboratorio globale: critiche, visioni e dibattiti DACH

L’architettura dei Giochi Olimpici non è mai solo un affare nazionale, ma sempre una dichiarazione globale. A Tokyo questo è diventato più chiaro che mai. Gli edifici olimpici sono parte di un discorso mondiale sul futuro dei progetti su larga scala, sul ruolo dell’architettura come creatrice di identità e sui limiti della sostenibilità nell’era dei mega-eventi. I dibattiti spaziano dalla critica di fondo allo spreco di risorse ai progetti visionari per la città del futuro. Tokyo è diventata un campo di sperimentazione, con tutti i rischi e gli effetti collaterali che ciò comporta.

Il modello giapponese viene osservato da vicino nei Paesi di lingua tedesca. Le discussioni vertono sulla trasferibilità dei concetti, sulla capacità di integrare i metodi di costruzione tradizionali e sul ruolo delle tecnologie digitali. Mentre in Germania le candidature olimpiche falliscono a causa di referendum, in Austria e in Svizzera si esamina l’uso successivo degli edifici e in particolare la compatibilità sociale. La questione se Tokyo sia adatta come modello rimane aperta: c’è un grande scetticismo verso i progetti a breve termine su larga scala, così come la necessità di soluzioni sostenibili, flessibili e partecipative. Questo dimostra la differenza tra lo spettacolo olimpico e la cultura della pianificazione europea: a Tokyo domina la messa in scena, in Europa centrale la ricerca di permanenza e accettazione.

Da tempo voci visionarie chiedono un riorientamento radicale dell’architettura olimpica. Invece della gigantomania temporanea, il tono dovrebbe essere quello di sistemi modulari, aperti e riutilizzabili. La digitalizzazione fornisce gli strumenti per analizzare gli scenari, ottimizzare le risorse e consentire la partecipazione. Ma la pratica è in ritardo rispetto alle visioni. Anche se Tokyo ha dato un notevole impulso, la strada per una vera trasformazione rimane lunga e accidentata. Le critiche alla commercializzazione degli edifici olimpici, all’esclusione delle comunità locali e agli effetti collaterali sull’ambiente sono giustificate e vengono espresse con forza in Europa.

Tuttavia, sarebbe troppo facile ridurre Tokyo ai suoi difetti. L’architettura olimpica ha dimostrato che anche nella competizione internazionale più dura c’è ancora spazio per la sensibilità culturale, l’innovazione tecnica e le ambizioni sostenibili. La sfida è portare queste qualità nel discorso globale e svilupparle ulteriormente. La regione DACH ha il compito di sviluppare i propri modelli che combinano il meglio dei due mondi: precisione e pragmatismo, innovazione e identità, apertura e sostenibilità.

I Giochi Olimpici di Tokyo sono quindi più di una semplice vetrina architettonica. Sono un laboratorio per il futuro dell’edilizia e un invito ad architetti, ingegneri e urbanisti a mettere in discussione i modi di pensare convenzionali. Chiunque sia coinvolto può imparare più dall’esperimento giapponese che da qualsiasi brochure patinata. E chi crede che Tokyo sia solo folklore dell’Estremo Oriente non ha tenuto conto della globalizzazione.

Conclusione: Olimpiadi, architettura e l’ombra lunga dell’innovazione

Con i Giochi Olimpici, Tokyo ha creato un’architettura tra tradizione e innovazione che è contraddittoria come la città stessa. Gli edifici olimpici sono capolavori tecnici, ambasciatori culturali e dichiarazioni politiche. Dimostrano quanto la digitalizzazione sia già penetrata nell’industria delle costruzioni e quanto grandi siano ancora le sfide per un’architettura veramente sostenibile. Per la regione DACH, Tokyo rappresenta un prezioso impulso, ma anche un esempio di cautela. Il futuro non sta nella copia cieca, ma in un intelligente sviluppo ulteriore. Coloro che osano trovare un equilibrio tra tradizione e innovazione daranno forma all’architettura di domani, a livello olimpico o almeno con aspirazioni olimpiche.

Il progetto :metabolon ha trasformato un sito di rifiuti a Lindlar, nella regione del Bergisches Land, in un visionario centro scientifico e ricreativo.

default

Garten + Landschaft è il Trade Medium dell’anno 2017, come annunciato dalla giuria al Congresso della stampa specializzata tedesca a Francoforte il 17 maggio 2017.

Impartire conoscenze, ampliare gli orizzonti, offrire prospettive e suscitare emozioni – con profondità, un layout moderno e un impegno per l’attualità. Questo è ciò che una buona rivista di settore deve essere in grado di fare. E ora lo abbiamo in bianco e nero: Garten + Landschaft è proprio un mezzo di comunicazione di questo tipo. Ieri siamo stati premiati come migliore rivista specializzata dell’anno (fino a 1 milione di vendite) al Congresso della stampa specializzata tedesca a Francoforte.

La giuria è stata unanime: „Garten + Landschaft sa come rivolgersi al lettore di riviste specializzate a livello emotivo. La testata è caratterizzata da un layout generoso e sfarzoso, senza perdere nulla della sua obiettività. La tipografia e le immagini sono utilizzate in modo esemplare. La giuria ha apprezzato anche la guida strutturata per il lettore, gli stili diversi e la sezione „Istantanee“.

Garten + Landschaft è in buona compagnia. Anche gli altri premiati hanno colpito la giuria per la loro qualità giornalistica: la Deutsche Apotheker Zeitung, Miss & Mister Handwerk, DeviceMed, Si e il sito web Hofheld del Deutscher Landwirtschaftsverlag sono stati tra i premiati.

La giuria principale comprendeva Bernd Adam, amministratore delegato di Deutsche Fachpresse, Wolfgang Beisler, vice portavoce di Deutsche Fachpresse e amministratore delegato di Carl Hanser Verlag, Jörg Dambacher, socio amministratore di RTS Rieger Team Werbeagentur, il Prof. Dr. Lutz Frühbrodt, responsabile del corso di „Giornalismo specialistico con particolare attenzione alla tecnologia“ presso l’Università di Scienze Applicate di Würzburg-Schweinfurt, Stefan Rühling, amministratore delegato di Vogel Business Media e Hans Scheider, co-partner di diemedia GmbH.

Clicca qui per un abbonamento di prova a Garten + Landschaft.

Ancora più veloce, ancora più facile, ancora più dinamico: lo strumento di visualizzazione e flusso di lavoro Enscape aiuta architetti e progettisti a creare edifici virtualmente accessibili in qualità fotorealistica sulla base del materiale di progettazione con pochi clic. L’ultima versione 3.2 aggiunge molte funzioni sofisticate. Vi presentiamo il software.

Sono inoltre disponibili circa 30 nuove texture di materiali di uso frequente, come pelle, granito, carta da parati o intonaco, e circa 50 nuovi asset di persone per ravvivare le visualizzazioni. Per le visioni più futuristiche, dall’ultimo aggiornamento è disponibile anche un drone passeggero. Grazie al ray-tracing, le ombre nello scenario sono visualizzate in modo particolarmente accurato. Nella versione 3.2 di Enscape, questo funziona ora anche in tempo reale, ad esempio nei walk-through dal vivo.

Enscape 3.2 è un plugin che può essere utilizzato con cinque dei programmi di modellazione più diffusi: Revit, SketchUp, Rhino, Archicad e Vectorworks. Il modello di utilizzo si basa su un abbonamento e costa 39,90 dollari al mese per una licenza per singolo utente (pagamento annuale). Se siete indecisi, potete provare gratuitamente il valore aggiunto del software per 14 giorni.

Informazioni più dettagliate sul software di visualizzazione Enscape 3.2, prezzi per altre licenze, numerosi esempi e altro ancora sono disponibili sul sito web del produttore. Una licenza per gli insegnanti è disponibile qui.

Le immagini fanno appello direttamente alle emozioni. A differenza dei progetti razionali, esse trasmettono un rapporto a bassa soglia con l’oggetto futuro e permettono anche di sperimentare elementi come l’atmosfera della luce e il senso dello spazio. Quanto più la visualizzazione si avvicina alla realtà, tanto più forte è l’immedesimazione, cioè la sensazione di immergersi nella scena rappresentata e di diventarne parte. Negli studi di architettura moderni, software come Enscape aiutano a creare queste immagini. Dopo tutto, il potere persuasivo di una buona immagine è ancora di gran lunga superiore a quello delle proverbiali mille parole.

Non sorprende quindi che le visualizzazioni emozionali – ovvero immagini, video e realtà virtuali – siano tra gli strumenti più importanti del marketing edilizio. Tuttavia, le visualizzazioni non aiutano solo a vendere i progetti. Possono anche far pendere la bilancia verso i concorsi e le gare d’appalto. Da quando esiste l’architettura, c’è stata la necessità di visualizzare i pensieri dei suoi creatori e di trasmettere le loro idee. Tuttavia, quello che per centinaia di anni ha richiesto un lavoro noioso e difficile, cioè disegnare i progetti a mano, oggi può essere fatto con la semplice pressione di un tasto e in pochi secondi su un computer. I risultati dei moderni software di visualizzazione come Enscape sono talvolta quasi indistinguibili dalle fotografie reali.

85 dei 100 principali studi di architettura internazionali utilizzano Enscape: fate clic qui per provare Enscape gratuitamente per 14 giorni!

Enscape 3.2 consente di creare internamente visualizzazioni realistiche dai modelli BIM o CAD di un oggetto in tempo reale. Il software combina così i flussi di lavoro dei reparti di progettazione e visualizzazione. Le decisioni su aspetti quali l’atmosfera luminosa, le condizioni atmosferiche, il ritocco o l’uso di una drammatizzazione mirata possono essere prese direttamente sulla postazione di lavoro in cui avviene la progettazione. Ciò significa che non è più necessario affidare il potere interpretativo a società di rendering esterne. Avete quindi nelle vostre mani tutti i fili della visualizzazione del vostro progetto.

Un altro vantaggio dell’integrazione di questi due flussi di lavoro: Le iterazioni di progettazione vengono completate in modo rapido e semplice. Enscape visualizza le modifiche apportate ai dettagli di progettazione in tempo reale e senza ulteriori perdite di tempo. In questo modo è facile comunicare in modo efficace e rapido al proprio team o ai clienti anche le proposte progettuali preliminari e gli studi concettuali. Con la versione di Enscape in rete, i membri dei team di progettazione possono lavorare contemporaneamente sullo stesso modello. Ciò significa che tutti sono sempre aggiornati sugli ultimi sviluppi del progetto.

Con la versione 3.2 di Enscape è ora possibile la modifica bidirezionale di elementi come alberi, persone o automobili. Le modifiche apportate agli asset in Enscape, come l’orientamento o il ridimensionamento, vengono automaticamente sincronizzate con le planimetrie del software di modellazione e visualizzate contemporaneamente. Per facilitare l’integrazione nei processi esistenti, il funzionamento di Enscape è stato progettato per essere il più intuitivo possibile. È facile e veloce da apprendere e non richiede conoscenze specialistiche da parte dei dipendenti.

Nell’ultima versione di Enscape è stata aggiunta anche la funzione „Batch panorama“. In questo modo è possibile generare più panorami in una sola volta, ad esempio per offrire un tour virtuale di un edificio ai potenziali clienti. La funzionalità necessaria per creare tour panoramici è già integrata in Enscape 3.2. Non è quindi più necessario ricorrere a uno strumento di terze parti. Non è quindi più necessario ricorrere a uno strumento di terze parti. Il software è anche in grado di renderizzare panorami a 360° in modo monoscopico, ma anche stereoscopico per l’uso di occhiali 3D.

Tutte le funzioni di Enscape in un colpo d’occhio.

Enscape 3.2 riconosce la crescente importanza dell’edilizia sostenibile con oltre 150 nuovi asset verdi. Tra questi vi sono numerosi alberi e piante di vario tipo che vengono utilizzati frequentemente all’interno e all’esterno di edifici verdi. Ci sono anche strutture come turbine eoliche e veicoli come auto e scooter elettrici. Più di 20 texture di materiali sostenibili per la progettazione di edifici completano il portafoglio verde della versione 3.2. Questi includono materiali come l’intonaco di argilla, un muro di paglia, materiali in legno e terra battuta, oltre a plastica riciclata e moduli solari.

Possedere un edificio sottoposto a tutela dei beni culturali significa assumersi la responsabilità di un pezzo di storia architettonica. Questa responsabilità ha una dimensione finanziaria che molti proprietari comprendono appieno solo quando si verifica un danno: l’assicurazione immobiliare per i monumenti storici segue regole proprie, poiché il restauro di edifici storici non è semplicemente contemplato dai modelli assicurativi convenzionali. Chi conosce le peculiarità dell’assicurazione immobili per la tutela dei monumenti non solo protegge la propria proprietà, ma anche il patrimonio culturale che essa racchiude.

• Cosa significa l’assicurazione immobiliare per la tutela dei monumenti e perché le polizze standard non sono sufficienti
• Quali rischi specifici e fattori di aumento dei costi sorgono negli edifici sottoposti a tutela dei beni culturali
• Come viene determinato correttamente il valore assicurativo degli edifici storici
• Quali tipi di assicurazione e quali moduli di copertura sono rilevanti per i monumenti
• Quale ruolo svolgono le autorità preposte alla tutela dei monumenti e gli obblighi di ripristino nella liquidazione dei sinistri
• Come si verifica la sottoassicurazione e come evitarla in modo affidabile
• Quali sono le tipiche esclusioni e le insidie nascoste nelle assicurazioni per i monumenti storici
• Come collaborano proprietari, assicuratori e autorità preposte alla tutela dei monumenti in caso di sinistro

Cosa si intende per assicurazione immobiliare per la tutela dei monumenti storici: definizione e delimitazione

L’assicurazione immobili per la tutela dei beni culturali indica una forma di assicurazione per edifici residenziali o immobili in generale, studiata su misura per le esigenze specifiche degli immobili sottoposti a tutela dei beni culturali. Si differenzia da una polizza standard per nuove costruzioni o edifici esistenti convenzionali in diversi punti fondamentali: nel valore assicurativo, nella liquidazione del sinistro, nei costi di ripristino riconosciuti e nella gestione dei vincoli amministrativi. La tutela dei monumenti non è una categoria volontaria, bensì una classificazione sovrana da parte dell’autorità competente per la tutela dei monumenti, che iscrive l’edificio nell’elenco ufficiale dei monumenti e determina così determinati obblighi di conservazione e riserve di autorizzazione.

Un monumento storico è un edificio o una parte di esso che, per motivi storici, artistici, scientifici o urbanistici, riveste un interesse pubblico di conservazione. La base giuridica è costituita dalle leggi sulla tutela dei monumenti dei singoli Länder, poiché in Germania la tutela dei monumenti è di competenza dei Länder. L’ambito concreto della tutela, gli obblighi di autorizzazione e le norme di restauro variano quindi notevolmente da Land a Land. Ciò che in Baviera è considerato un intervento soggetto ad autorizzazione ai sensi della normativa sui monumenti storici, in Renania Settentrionale-Vestfalia può essere valutato in base a criteri diversi. Per l’assicurazione immobiliare relativa alla tutela dei monumenti, questa frammentazione giuridica implica che ogni polizza debba tenere conto dei requisiti specifici previsti dalla legislazione del Land.

La differenza fondamentale rispetto a un’assicurazione standard sugli immobili risiede nell’obbligo di ripristino. Mentre in un edificio moderno un danno da incendio può essere in linea di principio riparato con materiali e manodopera disponibili sul mercato, la normativa sui beni culturali prescrive, nel caso di un monumento storico registrato, che la sostanza storica, i materiali, le tecniche artigianali e l’aspetto esterno siano ripristinati il più fedelmente possibile all’originale. Ciò fa lievitare i costi di ripristino ben oltre quanto costerebbe una nuova costruzione comparabile. Un’assicurazione immobiliare che non copra questi costi aggiuntivi lascia il proprietario, in caso di sinistro, con un notevole deficit finanziario.

Rischi specifici e fattori di aumento dei costi nel caso di edifici storici

Gli edifici sottoposti a tutela monumentale presentano, rispetto alle costruzioni moderne, una serie di caratteristiche che aumentano sistematicamente il rischio assicurativo e i costi dei sinistri. Innanzitutto, la struttura stessa dell’edificio è un fattore determinante: le costruzioni storiche in travatura a traliccio, pietra naturale, argilla, mattoni dipinti a mano o ghisa storica non possono essere semplicemente sostituite, in caso di sinistro, con prodotti standard fabbricati industrialmente. Per il restauro sono necessari artigiani con conoscenze specifiche delle tecniche costruttive storiche, i cui servizi sono notevolmente più costosi rispetto ai lavori edili convenzionali. Gli specialisti nel restauro di stucchi, nella carpenteria storica, nella lavorazione della pietra naturale o nel restauro di vetri artistici sono rari, e le loro tariffe orarie sono di conseguenza elevate.

A ciò si aggiungono i costi dei materiali. Le tegole storiche in determinati formati, le pietre naturali provenienti da specifiche cave, le tegole realizzate a mano in forme storiche o le vetrate in piombo secondo modelli storici sono prodotti su misura o di nicchia, notevolmente più costosi rispetto ai prodotti edili standard. In caso di danni al tetto di un monumento storico con tegole a coda di castoro posate a mano secondo lo stile storico, il solo valore dei materiali può ammontare a un multiplo di quello di un tetto standard comparabile. Questa circostanza deve essere esplicitamente presa in considerazione nell’assicurazione immobili per la tutela dei monumenti, poiché altrimenti la somma assicurata viene sistematicamente fissata a un livello troppo basso.

Un ulteriore fattore di aumento dei costi è rappresentato dalle stesse procedure di autorizzazione previste dalla normativa sui beni culturali. Prima di poter iniziare il restauro, di norma è necessario coordinarsi con l’autorità preposto alla tutela dei monumenti, coinvolgere periti e ottenere le autorizzazioni. Questi processi richiedono tempo, durante il quale l’edificio danneggiato deve essere messo in sicurezza e protetto in via provvisoria. I costi relativi alle misure di messa in sicurezza d’emergenza, all’installazione di ponteggi per lunghi periodi, alle perizie e alle consultazioni con le autorità sono coperti da una buona assicurazione per la tutela dei beni culturali, mentre in una polizza standard sono spesso esclusi o soggetti a un massimale.

Infine, entrano in gioco i problemi legati alle sostanze nocive, che si presentano più frequentemente negli edifici storici rispetto alle nuove costruzioni. Le vernici contenenti piombo, gli isolanti in amianto risalenti a determinati periodi di costruzione, i prodotti per la protezione del legno a base di catrame o i terreni contaminati possono comportare, in caso di lavori di risanamento a seguito di un sinistro, notevoli costi di smaltimento che, in assenza di una copertura specifica, non vengono assunti dall’assicurazione.

Valore assicurativo e sottoassicurazione: il problema centrale per i monumenti

Il problema più grave nell’ambito dell’assicurazione degli edifici di interesse storico-artistico è la sottoassicurazione. Si verifica quando la somma assicurata concordata è inferiore al valore assicurativo effettivo dell’edificio al momento del sinistro. Nel diritto assicurativo tedesco, la sottoassicurazione comporta una riduzione proporzionale dell’indennizzo in caso di sinistro, in rapporto tra la somma assicurata e il valore assicurativo effettivo. Chi ha assicurato il proprio monumento storico per un milione di euro, sebbene il valore effettivo di ricostruzione sia pari a due milioni, in caso di danno totale riceverà un risarcimento pari solo alla metà dell’importo del danno.

Nel caso di edifici sottoposti a tutela monumentale, la corretta determinazione del valore assicurativo è particolarmente difficile, poiché il criterio usuale, ovvero il valore a nuovo di un edificio comparabile secondo gli standard edilizi odierni, non è applicabile a un monumento storico. Il valore rilevante è il valore di ricostruzione nel rispetto delle norme sulla tutela dei monumenti, ovvero i costi che si sostengono quando l’edificio, a seguito di un danno, viene ricostruito nella sua sostanza storica, con materiali e tecniche storiche, nel rispetto di tutte le disposizioni di legge in materia di tutela dei monumenti. Tale valore è strutturalmente superiore al valore a nuovo di un edificio moderno comparabile e deve essere determinato da un perito competente.

Per la valutazione dei beni culturali, gli esperti raccomandano di incaricare un perito nominato pubblicamente e giurato, specializzato in danni agli edifici o nella conservazione dei beni culturali, che determini il valore di restauro sulla base di un rilievo dettagliato delle componenti edilizie e di una stima dei costi basata sulle prestazioni artigianali storiche e sui prezzi dei materiali. Alcuni assicuratori offrono, nell’ambito delle loro polizze per la tutela dei monumenti, anche procedure di valutazione proprie oppure collaborano con studi di periti specializzati. È fondamentale che la somma assicurata venga rivista regolarmente, almeno ogni cinque-dieci anni, e adeguata all’evoluzione dei prezzi di costruzione, poiché i costi degli artigiani e i prezzi dei materiali per le tecniche edilizie storiche possono aumentare in misura maggiore rispetto agli indici generali dei prezzi di costruzione.

Molti assicuratori offrono, nell’ambito dell’assicurazione immobili per la tutela dei monumenti storici, una cosiddetta clausola di rinuncia alla contestazione per sottoassicurazione. Tale clausola implica che, in caso di sinistro, l’assicuratore rinunci a opporre l’eccezione di sottoassicurazione, a condizione che la somma assicurata sia stata determinata secondo una procedura concordata. Per i proprietari di monumenti storici tale clausola riveste un valore considerevole, poiché trasferisce all’assicuratore il rischio di una valutazione errata del valore assicurativo, a condizione che la determinazione del valore sia stata effettuata correttamente e documentata.

Tipi di assicurazione, moduli di copertura e rischi rilevanti

L’assicurazione sugli immobili storici non è una tipologia assicurativa autonoma in senso giuridico, bensì una forma specializzata dell’assicurazione sugli immobili residenziali o dell’assicurazione sugli immobili commerciali, a seconda della destinazione d’uso del monumento. I rischi classici coperti da un’assicurazione immobili sono: incendio (fuoco, fulmine, esplosione, implosione), danni causati dall’acqua (rottura di tubature, gelo), tempesta e grandine. Questi rischi di base valgono anche per i monumenti storici, ma devono essere combinati con estensioni di copertura specifiche per i monumenti.

Tra i principali elementi di copertura di un’assicurazione immobili per la tutela dei monumenti figurano innanzitutto i costi aggiuntivi derivanti dai vincoli imposti dalle autorità. Questa componente copre i costi aggiuntivi derivanti dal fatto che, in caso di ripristino a seguito di un danno, l’autorità preposto alla tutela dei monumenti storici prescriva determinati materiali, tecniche o metodi di costruzione che risultano più costosi rispetto a un intervento di riparazione convenzionale. Senza questa componente, l’assicurazione rimborserebbe solo i costi di una normale riparazione, mentre il proprietario dovrebbe sostenere personalmente i costi aggiuntivi derivanti dalla normativa sulla tutela dei monumenti.

Altrettanto importante è la copertura delle spese per periti e esperti. In caso di danni a monumenti storici, prima del ripristino è spesso necessario ricorrere a restauratori, conservatori di monumenti, ingegneri strutturali e periti in materia di danni, i cui onorari possono essere considerevoli. Una buona assicurazione per la tutela dei beni culturali include questi costi nella copertura. A ciò si aggiungono i costi per le indagini archeologiche, che possono sorgere in caso di lavori di scavo nel corso della riparazione dei danni, nonché i costi per la documentazione dello stato attuale prima e dopo il ripristino, spesso richiesti dalle autorità preposte alla tutela dei beni culturali.

Per gli edifici con arredi di particolare valore, ovvero affreschi storici, stucchi, pavimenti intarsiati, vetrate artistiche o elementi artigianali, si consiglia un’assicurazione specifica per le opere d’arte o un’estensione dell’assicurazione sull’immobile con una clausola relativa alle opere d’arte. Sebbene tali elementi di arredo siano giuridicamente considerati parti integranti dell’edificio, il loro valore di ricostruzione supera spesso quanto coperto da un’assicurazione standard sull’immobile, anche nella sua forma estesa. Il confine tra parte integrante dell’edificio e oggetto d’arte mobile non è sempre netto e dovrebbe essere chiaramente definito nel contratto assicurativo.

Il ruolo dell’ente per la tutela dei beni culturali in caso di sinistro

In caso di sinistro a un monumento storico, l’autorità per la tutela dei monumenti non è un’istanza subordinata, ma un attore centrale che esercita un’influenza significativa sullo svolgimento e sui costi del restauro. La legge sulla tutela dei monumenti obbliga il proprietario a segnalare immediatamente all’autorità competente eventuali danni a un monumento storico registrato e a ottenere un’autorizzazione ai sensi della normativa sui monumenti prima dell’inizio dei lavori di riparazione. Solo in casi di emergenza, ovvero in presenza di pericolo immediato per la vita o l’incolumità delle persone o per impedire ulteriori gravi danni strutturali, è consentito intervenire senza previa autorizzazione, ma anche in tali casi è necessario un successivo coordinamento.

L’autorità specifica nell’autorizzazione quali materiali, tecniche e metodi costruttivi devono essere utilizzati per il restauro. Essa può prescrivere che le tegole originali vengano recuperate, pulite e riutilizzate, che le travi di legno vengano squadrate a mano secondo il modello storico, che le superfici intonacate vengano realizzate con miscele di malta storiche o che le finestre vengano rifatte secondo disegni storici. Tutte queste condizioni aumentano i costi e prolungano i tempi di costruzione, ma sono giuridicamente vincolanti e non possono essere aggirate nei confronti dell’assicuratore adducendo argomenti di natura economica.

Per la liquidazione del sinistro ciò significa che gli assicuratori e i proprietari devono cercare tempestivamente il coordinamento con l’autorità competente per la tutela dei beni culturali, al fine di poter valutare in modo realistico i costi previsti per il ripristino. Gli assicuratori esperti nel settore dell’assicurazione degli immobili sottoposti a tutela dei beni culturali conoscono bene queste procedure e dispongono spesso di propri periti assicurativi che vantano esperienza nelle procedure previste dalla normativa in materia di tutela dei beni culturali. Nella scelta dell’assicuratore, i proprietari dovrebbero assicurarsi che questi abbia una comprovata esperienza in materia di danni ai beni culturali, poiché la liquidazione di un danno da incendio in una casa a graticcio del XVI secolo richiede conoscenze fondamentalmente diverse rispetto alla liquidazione di un danno da acqua in un edificio di nuova costruzione.

Esclusioni e insidie tipiche nelle assicurazioni per i beni culturali

Anche le assicurazioni specializzate per gli edifici storici contengono esclusioni di cui i proprietari devono essere a conoscenza. Un’esclusione frequente riguarda i danni causati da mancata manutenzione. La legge sulla tutela dei monumenti impone ai proprietari di mantenere il proprio monumento storico in condizioni adeguate. Gli assicuratori possono rifiutare o ridurre il risarcimento se è dimostrabile che un danno è stato causato o notevolmente aggravato dalla mancata manutenzione. Un danno al tetto, dovuto a una copertura trascurata per anni, non è coperto da molte polizze o lo è solo in parte. I proprietari di monumenti storici farebbero quindi bene a documentare accuratamente gli interventi di manutenzione.

I danni causati dall’umidità e dalla muffa sono esclusi dalla maggior parte delle assicurazioni sugli immobili, a meno che non siano riconducibili a un evento assicurato, come i danni causati da perdite idriche o da tempeste. Negli edifici storici con muratura massiccia, impermeabilizzazione orizzontale mancante o insufficiente e strutture murarie permeabili alla diffusione, l’umidità rappresenta un problema strutturale che, dal punto di vista assicurativo, viene considerato un problema di manutenzione e non un evento assicurato. I proprietari dovrebbero conoscere con precisione i limiti della propria polizza e, se necessario, valutare l’aggiunta di coperture integrative.

I danni causati da eventi naturali quali inondazioni, frane, cedimenti del terreno o terremoti non sono inclusi nell’assicurazione standard sugli immobili e devono essere aggiunti come copertura separata contro i danni causati da eventi naturali. Questa copertura è indispensabile soprattutto per gli edifici storici situati in zone fluviali, su pendii o in aree con noti rischi legati al terreno. I costi di ripristino a seguito di un danno da alluvione su un monumento storico possono essere notevolmente superiori a quelli di un edificio moderno comparabile a causa dei vincoli previsti dalla normativa sui beni culturali, dei requisiti di deumidificazione per la muratura storica e della necessità di utilizzare materiali storici per la riparazione del danno.

Un’altra insidia riguarda la situazione di sfitto. Molti assicuratori limitano la copertura assicurativa o la escludono se un edificio rimane sfitto per un determinato periodo, spesso da tre a sei mesi. Nel caso di monumenti storici sottoposti a costosi lavori di ristrutturazione o in attesa di un nuovo utilizzatore, lo sfitto non è una rarità. In tali situazioni, i proprietari devono informare il proprio assicuratore e, se necessario, concordare un supplemento per l’inutilizzo o stipulare un’assicurazione separata per l’inutilizzo, poiché altrimenti la copertura assicurativa potrebbe venir meno in caso di sinistro.

L’assicurazione immobiliare per la tutela dei monumenti nel contesto di una conservazione responsabile dei beni culturali

L’assicurazione immobili per la tutela dei beni culturali non è un accessorio burocratico legato al possesso di un edificio storico, bensì parte integrante di una gestione responsabile dei beni culturali. Chi acquista o possiede un bene storico si assume un obbligo di conservazione che va oltre l’interesse privato di proprietà. Lo Stato concede in cambio agevolazioni fiscali, programmi di sostegno e servizi di consulenza da parte delle autorità preposte alla tutela dei monumenti. La copertura assicurativa dell’edificio contro i danni che potrebbero comprometterne la struttura rientra tra gli obblighi fondamentali che corrispondono a tale responsabilità.

Un monumento storico assicurato in modo insufficiente, che dopo un incendio non può essere completamente restaurato perché l’indennizzo assicurativo non è sufficiente, rappresenta una perdita per la società, non solo per il proprietario. Gli edifici sottoposti a tutela monumentale non sono riproducibili. Se una capriata storica del XVII secolo va distrutta da un incendio e non può essere restaurata fedelmente all’originale perché la somma assicurata era troppo bassa, si perde una parte irrimediabile del patrimonio culturale. Questa consapevolezza dovrebbe guidare la scelta di un’adeguata assicurazione per edifici sottoposti a tutela dei beni culturali.

In pratica, ciò significa per i proprietari che la scelta dell’assicuratore giusto richiede maggiore attenzione rispetto a un edificio standard. Non tutti gli operatori del settore delle assicurazioni immobiliari hanno la competenza necessaria per assicurare correttamente un monumento storico. Gli assicuratori e i broker specializzati, orientati verso edifici storici e monumenti, conoscono i requisiti previsti dalla normativa sui beni culturali, le particolarità artigianali e i metodi di valutazione necessari per una copertura adeguata. La verifica periodica della somma assicurata, l’accurata documentazione dello stato dell’edificio e degli interventi di manutenzione effettuati, nonché lo stretto coordinamento con l’ente preposto alla tutela dei beni culturali non sono obblighi fastidiosi, ma costituiscono la base affinché un monumento storico, anche dopo un grave danno, rimanga ciò che è: una testimonianza insostituibile della storia dell’architettura.

L’hotel di montagna sull’altopiano soleggiato, circondato dagli omonimi pini cembri, attira i vacanzieri estivi dal 1890. Da luglio 2020, anche l’ampliamento dello Zirmerhof di Michele De Lucchi attira gli appassionati di architettura.

• 

  Richard von Weizsäcker descrisse così il suo soggiorno allo Zirmerhof: "Un paradiso di spazio e libertà". Nel luglio 2020, Michele de Lucchi ha costruito due estensioni in legno nel prato, lontano dal vecchio hotel di montagna. Queste "case del prato" comprendono una suite al piano superiore della guest house ottagonale e quattro camere per gli ospiti nell'edificio allungato. Foto: Max Rommel

• 

  "Un paradiso di spazio e libertà": così Richard von Weizsäcker ha descritto il suo soggiorno allo Zirmerhof. Nel luglio 2020, Michele de Lucchi ha costruito due estensioni in legno nel prato, lontano dal vecchio hotel di montagna. Queste "case del prato" comprendono una suite al piano superiore della guest house ottagonale e quattro camere per gli ospiti nell'edificio allungato. Foto: Max Rommel

• 

  "Un paradiso di spazio e libertà": così Richard von Weizsäcker ha descritto il suo soggiorno allo Zirmerhof. Nel luglio 2020, Michele de Lucchi ha costruito due estensioni in legno nel prato, lontano dal vecchio hotel di montagna. Queste "case del prato" comprendono una suite al piano superiore della guest house ottagonale e quattro camere per gli ospiti nell'edificio allungato. Foto: Max Rommel

Il dottor Wacha di Vienna doveva essere davvero pronto per una vacanza: Il primo ospite che Anna Wieser Perwanger accolse nel 1890 allo Zirmerhof a 1.560 metri di altitudine a Radein, in Alto Adige, percorse gli ultimi chilometri da Bolzano a piedi, impiegando nove ore. Ciò non diminuì il fascino del maso del XII secolo: la magnifica posizione con vista sui gruppi del Brenta, della Presanella, dell’Ortles e dell’Ötztal e sulle montagne locali dello Schwarzhorn e del Weißhorn, l’ottima cucina e l’ospitalità hanno attirato gli ospiti da allora; una veranda fu acquistata all’Esposizione Universale di Parigi nel 1900 per creare più spazio. Solo per un breve periodo, nel 1925, le pitture murali dell’artista altoatesino Ignaz Stolz suscitarono malumori: i tre Re Magi furono rimossi per qualche anno perché gli ospiti abituali non sopportavano la vista dei cavalli a zampe di rana. Ancora oggi adornano la sala da pranzo: „La famiglia non buttava mai via niente“, dice Sepp Perwanger, che oggi gestisce l’hotel e la fattoria – compreso l’ampliamento dello Zirmerhof di Michele De Lucchi – con 55 bovini di alta montagna, il vigneto e il bosco. Ecco perché le stanze di Ferdinand Sauerbruch o Richard von Weizsäcker non sembrano molto diverse da quelle di allora. E l’estratto della poesia di Eugen Roth sullo Zirmerhof „Perché senza ferrovia di montagna o ascensore, nel profondo della valle, ogni furfante rimane“ è ancora vero.

• 

  Una vista del vecchio albergo di montagna: la sala da pranzo © Der Zirmerhof

• 

  La vista sul vecchio albergo di montagna: la camera superiore del Premio Nobel © Der Zirmerhof

• 

  Vista sull'antico albergo di montagna: la camera dell'artista © Der Zirmerhof

• 

  Vista sull'antico albergo di montagna: la sala da pranzo © Der Zirmerhof

La stanza preferita di Michele De Lucchi era la numero cinque: il co-fondatore di Memphis e inventore di Tolomeo vi ha sviluppato il padiglione per l’Expo 2015 di Milano. E l’idea di ampliare l’hotel. Non con un’estensione, ma con due „case del prato“ sotto il cortile su un ex parcheggio, completate nel luglio 2020. Il risultato è una scultura sovradimensionata e lusinghiera a pianta ottagonale con una suite al piano terra, una al piano superiore e un edificio allungato che ospita quattro unità abitative, separate tra loro da una sala comune a due piani. Entrambi sono stati costruiti interamente con il legname trasportato dal vento della tempesta Vaia, che nell’ottobre 2018 ha distrutto un totale di 5.900 ettari di foresta altoatesina, compresa quella dello Zirmerhof.

• 

  Non importa da quale posizione si guardi: Le stanze delle "Case del prato", arredate con amore con mobili rustici, sono emozionanti da ogni prospettiva. Ciò che l'architettura in legno di Michele de Lucchi suggerisce all'esterno si rivela all'interno senza rivestimenti. Foto: Max Rommel

• 

  Non importa da quale posizione si guardi: Le stanze delle "Case del prato", arredate con amore con mobili rustici, sono emozionanti da ogni prospettiva. Ciò che l'architettura in legno di Michele de Lucchi suggerisce all'esterno si rivela all'interno. Foto: Max Rommel

• 

  Non importa da quale posizione si guardi: Le stanze delle "Case del prato", arredate con amore con mobili rustici, sono emozionanti da ogni prospettiva. Ciò che l'architettura in legno di Michele de Lucchi suggerisce all'esterno si rivela all'interno. Foto: Max Rommel

• 

  Non importa da quale posizione si guardi: Le stanze delle "Case del prato", arredate con amore con mobili rustici, sono emozionanti da ogni prospettiva. Ciò che l'architettura in legno di Michele de Lucchi suggerisce all'esterno si rivela all'interno. Foto: Max Rommel

• 

  Non importa da quale posizione si guardi: Le stanze delle "Case del prato", arredate con amore con mobili rustici, sono emozionanti da ogni prospettiva. Ciò che l'architettura in legno di Michele de Lucchi suggerisce all'esterno si rivela all'interno. Foto: Max Rommel

• 

  Non importa da quale posizione si guardi: Le stanze delle "Case del prato", arredate con amore con mobili rustici, sono emozionanti da ogni prospettiva. Ciò che l'architettura in legno di Michele de Lucchi suggerisce all'esterno si rivela all'interno. Foto: Max Rommel

Le scandole spaccate a mano sui tetti a forma di fungo sono ancora di colore giallo miele. Come i pavimenti e le pareti interne, sono in larice, mentre le travi e le pareti portanti sono in abete. Naturalmente tutti gli interni, le poltrone e i tavoli in noce vellutato, i luminosi tappeti tessuti a mano, le rubinetterie a forma di cono e l’incorniciatura degli specchi nel bagno, che ricorda un po‘ il postmoderno, provengono da AMDL CIRCLE, lo studio di de Lucchi. Per il designer e architetto italiano, nato nel 1951, è ovvio che l’interior design è impegnato nella sostenibilità tanto quanto la costruzione delle case: le singole collezioni della „Produzione Privata“ sono prodotte in aziende artigiane selezionate per salvaguardare e sviluppare ulteriormente le loro tradizioni.

Il Zirmerhof
La famiglia Perwanger
Oberradein 59
I-39040 Radein-Aldein
www.zirmerhof.com

Prezzi: Mezza pensione da 163 euro a persona | Häuser der Wiese da 219 euro

• 

  Lo Zirmerhof intorno al 1905, foto: Paul Göhler

• 

  Trasporto ospiti dello Zirmerhof negli anni '30, © Zirmerhof

• 

  Disegno della vista della casa dello Zirmerhof nel 1893 © Zirmerhof

Questo testo è stato pubblicato nel numero di novembre 2020 di Baumeister.

L’apparecchio scandinavo „Elements“ è disponibile in tre forme diverse: a sospensione, a parete e da terra. I designer di Note Design Studio hanno creato l’apparecchio per Zero e si sono ispirati alla loro terra d’origine: le montagne nordiche e la loro luce all’alba, al tramonto e a mezzanotte. Hanno tradotto tutto ciò in una forma semplice che distribuisce la luce in modo uniforme sul tessuto.

Elements è disponibile in bianco e nero e, su richiesta, in vari colori pastello; la lampada a sospensione è disponibile in due diverse dimensioni: con un diametro di 250 o 320 mm.