Pascal Koertel studia pittura e grafica dal 2020 all’Accademia di Belle Arti nella classe del professor Gregor Hildebrandt. È uno dei due vincitori del Premio Straubinger per la promozione della cultura, assegnato dalla Fondazione Dr. Franz e Astrid Ritter per le Arti Figurative. Restauro lo ha incontrato per un’intervista.
JMK: Congratulazioni per il Premio Culturale di Straubing! Hai già speso il premio in denaro di 3.000 €?
PK: Grazie mille! Il denaro non è ancora stato speso, ma ho già in mente come utilizzarlo. Vorrei realizzarci una serie di tre opere che intendo dipingere esclusivamente con il lapislazzuli. Voglio semplicemente sperimentare con questo fantastico materiale.
Ho scoperto che trovo le forme e le ombre molto più interessanti dei motivi elaborati in modo concreto. L’alta moda e i servizi fotografici di alta moda mi offrono un importante punto di riferimento, perché in questi contesti trovo particolarmente affascinanti le silhouette. Vorrei anche realizzare queste opere in grande formato.
JMK: Quindi si tratta di un investimento del tutto ragionevole in opere future e non, ad esempio, nell’alta moda?
PK: No, reinvesto sempre.
JMK: L’hai già accennato: utilizzi spesso materiali costosi come il lapislazzuli e produci tu stesso i tuoi colori a partire dai pigmenti. Perché ti prendi tanto disturbo e non acquisti semplicemente colori già pronti in tubetto?
PK: Ci sono due ragioni: da un lato voglio rendere omaggio ai grandi maestri del passato, dall’altro ho usato i colori in tubetto all’inizio dei miei studi, ma non sono mai stato soddisfatto del risultato. All’Accademia di Monaco mi sono quindi rivolto alla dott.ssa Kathrin Kinseher, direttrice del laboratorio di tecniche pittoriche, e le ho detto che i colori non avevano la brillantezza che immaginavo. I colori sembravano sempre un po’ “sporchi”. Lei mi ha poi spiegato che i pigmenti dei colori in tubetto in parte non sono compatibili tra loro. Un buon esempio è il bianco di titanio, che spesso contiene altre sostanze. Io però voglio il bianco di titanio puro. Quindi lo preparo da solo, per ottenere il pigmento puro. Le sostanze aggiunte, secondo me, alterano sempre il colore, cosa che noto e che mi dà fastidio.
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«Sono un feticista dei materiali!»
JMK: Realizzi anche le tue tele da solo, cioè le tendi tu stesso su un telaio a cuneo. Anche questo richiede molto tempo, potresti pur sempre comprarle.
PK: Sono un fanatico dei materiali. Le tele già pronte non hanno la qualità del tessuto che desidero. Utilizzo un tessuto speciale proveniente dalla Francia, particolarmente fine ma comunque molto spesso. Per me è molto importante anche nell’abbigliamento: mi piacciono molto i tessuti più consistenti e spessi, e qui moda e arte si fondono nuovamente nel mio lavoro. La sensazione al tatto delle tele è semplicemente importante per me; devono sembrarmi giuste.
JMK: Parli ora della sensazione al tatto; in realtà, nei musei si sa bene che non si dovrebbero toccare le opere d’arte. È possibile, come spettatore o spettatrice, vedere o riconoscere questa particolare sensazione al tatto o anche la struttura del tessuto della tela?
PK: Invito sempre le persone, se sono interessate a come lavoro, a toccare l’opera. Nella mia arte lavoro molto anche con il rame o la porcellana come supporto e ho sviluppato un procedimento che rende la porcellana meno fragile. Trovo quindi molto importante che le persone possano toccarla, perché di solito rimangono sorprese dalla sensazione che trasmette. Io stessa sono una persona molto sensibile al tatto e mi piace sentire i tessuti quando scelgo i capi di abbigliamento o anche quando acquisto il tessuto per le mie tele. Sono sempre molto sensibile al tatto in questo senso.
JMK: Lo capisco perfettamente, si percepiscono bene le qualità dei tessuti: non tutte le sete sono uguali e non tutti i cotoni sono uguali.
PK: Esatto, e di solito ricopro le mie opere anche con una resina o una vernice. In questo modo non è un problema se qualcuno le tocca lateralmente. Nella mia mostra a Straubing, ad esempio, ho esposto due opere realizzate con materiale organico che non si asciugherà mai. Ho versato sopra uno strato molto spesso di resina epossidica e la sensazione al tatto è davvero fantastica. La gente si avvicina sempre molto e quando mi accorgo che vorrebbero toccarle, vado da loro e dico che possono farlo tranquillamente. Per me fa parte del gioco. Con la mia arte voglio coinvolgere diversi sensi, per questo spesso realizzo anche installazioni musicali o gioco con i profumi. Per me è importante anche come è allestito lo spazio in cui viene presentata la mia arte. Ne tengo sempre conto. Ad esempio, lo scorso gennaio, insieme a un mio amico artista, Sandro Prodanovic, ho rivestito un’intera stanza con 3000 salviette disinfettanti, che abbiamo incollate, cucite e fissate con la graffatrice. Per me è semplicemente importante che si possa immergersi nella mia arte e che tutti i sensi siano coinvolti.
JMK: È ovviamente molto stimolante anche il fatto che tu collabori con altre artiste e altri artisti…
PK: Mi piace sempre molto collaborare. Forse l’ho preso un po’ dall’industria della moda. È semplicemente emozionante quando ci si apre a un’altra artista o a un altro artista e poi si entra in uno scambio non solo a livello verbale, ma anche nel processo di lavoro.
«Occupatevi del materiale!»
JMK: Come devo immaginarmi il tuo processo creativo? Hai appena detto che tendi tu stessa le tele, prepari i colori…
PK: In realtà faccio tutto da sola, non compro praticamente nulla di già pronto. Sono talmente ossessionato dai materiali che voglio sempre sapere di cosa è fatto qualcosa. È anche un consiglio che do agli studenti del primo semestre: occupatevi del materiale! Quando sai cosa puoi fare con un determinato materiale, lavori in modo completamente diverso.
JMK: E poi come procedi? Prepari i materiali e la tela e poi fai degli studi preliminari? Oppure dipingi direttamente sulla tela?
PK: Dipende molto. A volte si parte da uno studio, che però può piacermi così tanto da decidere di fermarmi lì. Ma quello studio può comunque servire per realizzare un dipinto. Mi dedico con molta attenzione al supporto, ma in realtà faccio molto raramente degli schizzi preliminari. Dipingo molto spesso a mano libera, perché con gli schizzi ho spesso la sensazione di essere limitato. Non traccio nemmeno una griglia sulla tela.
JMK: Recentemente ho letto qualcosa su un pittore i cui dipinti sono stati esaminati più da vicino con i raggi X. Si è scoperto che durante il processo creativo aveva apportato delle modifiche. Si potrebbe trovare qualcosa di simile anche nel tuo caso?
PK: Realizzo anch’io una sorta di bozzetto preliminare, e lo faccio per utilizzarlo all’interno dell’opera stessa, in modo da far apparire il fondo un po’ più sporco. Il bozzetto lo realizzo solitamente con grafite o carboncino, che produco io stesso. Per farlo brucio rami di salice. Questo pigmento nero lo stendo e lo diluisco poi con olio direttamente sulla tela. In combinazione con i colori vivaci che applico successivamente, ottengo un effetto completamente diverso.
Ispirazione dall’arte e dalla moda
JMK: Da dove nascono le tue idee?
PK: Spesso trovo i soggetti mentre vado a fare una passeggiata. Magari vedo un rilievo o una finestra che mi piace tantissimo. Allora lo riprendo. Ma anche le storie che mi raccontano le persone.
JMK: Ci sono anche artisti che ti influenzano? So dai tuoi lavori che spesso ricorre il motivo del cavallo blu. Siamo qui a Monaco, quindi mi viene subito in mente Franz Marc e i suoi cavalli blu…
PK: Franz Marc è legato al fatto che da piccola andavo spesso nei musei di Monaco con mia nonna e mia mamma, e il Lenbachhaus era spesso tra le nostre mete. Avevo un poster del “Cavallo blu I” appeso sopra il mio letto. Questo, naturalmente, mi ha lasciato un’impressione indelebile. Per il resto mi piacciono le opere di Basquiat, e questo si vede anche nei miei dipinti. Ho ancora alcuni artisti preferiti, la maggior parte dei quali non è più in vita, ma che di solito non influenzano il mio lavoro. Tra questi ci sono, ad esempio, Francis Bacon o Louise Bourgeois. Non sono certo un artista di installazioni, attualmente realizzo esclusivamente opere bidimensionali, ovvero pittura. Ma trovo le gabbie e gli spazi davvero affascinanti, mi interessano soprattutto gli aspetti cupi e astrusi. L’ispirazione che ne traggo la incorporo poi nelle mie opere e la traduco nella pittura.
JMK: Questo si vede chiaramente anche nelle tue opere. Si tratta di motivi decisamente cupi, come ad esempio i teschi.
PK: I motivi vanitas fanno sicuramente parte delle mie opere. Ma compaiono anche stati d’animo depressivi. Per un certo periodo ho lavorato con pazienti affetti da disturbo borderline, e da quell’esperienza sono nate opere molto cupe. Alla lunga, però, questo mi ha pesato troppo, quindi non ho proseguito.
JMK: Hai anche detto che ti ispiri ai grandi maestri del passato, almeno per quanto riguarda il processo di lavorazione dei materiali.
PK: A questo proposito mi trovo ora un po’ in conflitto. Un tempo mi piaceva molto visitare musei come il Louvre o anche l’Alte Pinakothek qui a Monaco, ma al momento non riesco più a guardare le opere esposte lì con gli stessi occhi. In un certo senso ne ho visto «a sazietà». Ma la loro maestria mi colpisce. Facevano ancora tutto da soli, perché, ad esempio, i colori in tubetto non esistevano ancora. Trovo impressionante questa dedizione. Oggi molti artisti non si impegnano più in questo modo. Ma una volta che si inizia a preparare i materiali da soli, non si vuole più usare nient’altro.
JMK: A cosa stai lavorando in questo momento, cosa ti tiene occupata?
PK: Al momento sto preparando una mostra a Parigi, nel Marais. Ne sono molto felice, perché mi piace moltissimo questo quartiere di Parigi, è uno dei miei preferiti. Il prossimo lavoro pittorico sarà poi il mio omaggio all’alta moda, di cui parlavamo all’inizio. In particolare, lo stilista Martin Margiela mi serve da ispirazione. Trovo i suoi modelli decostruiti estremamente affascinanti. Le forme stravaganti che ha creato mi influenzano. Il gioco con le forme mi interessa particolarmente, perché in questo modo gli spettatori possono sviluppare le proprie storie intorno all’opera. Questo aspetto era importante per me anche nella mostra di Straubing, da cui il titolo «Somewhere between them and us». Mi affascina lo spazio tra l’opera d’arte e gli spettatori, quello che poi si apre e che inizialmente è vuoto. Tu, in quanto spettatrice, puoi poi riempirlo con le tue emozioni, le tue percezioni, i tuoi ricordi e magari ti ritrovi anche a sognare. A me succede così con le opere di Chagall, che mi catturano sempre. Alcune sue opere riecheggiano poi anche nella mia arte.
JMK: Quali sono le tue prossime mostre? Dove potrò vederti, oltre che a Straubing e a Parigi?
PK: Probabilmente ci sarà un’altra mostra a Milano; a maggio, noi dell’Accademia di Belle Arti terremo una mostra di classe qui a Monaco.
JMK: Domanda finale: hai qualche consiglio su una mostra da non perdere?
PK: Sicuramente la mostra su Kafka a Villa Stuck. Non durerà ancora a lungo, ma è davvero molto bella. Poi vorrei vedere la mostra su Mark Rothko a Parigi, alla Fondation Louis Vuitton. Alla Tate di Londra, la mostra sugli espressionisti con i prestiti del Lenbachhaus e poi a Monaco, alla Kunsthalle, la mostra sui designer Viktor & Rolf. Ce ne sono anche molte altre, ne ho una lista intera.
Mostre (selezione)
2024
“Somewhere Between Them And Us” (Straubing)
2023
“MEIN TRÜBES WASSER WURDE KLAR” (Berlino)
«daslebendegefühl» (Monaco di Baviera)
«Getreidegasse 24» (Salisburgo)
2022
«MINDS ARE MAGNETS» (New York)




















