L’anno scorso, Folk Studio ha dato nuova vita a una casa privata a Clovelly, un sobborgo balneare di Sydney. La sala da pranzo colpisce per la palette di colori armoniosamente coordinata, composta principalmente da giallo senape e verde pastello. Il tavolo da pranzo e le sedie dell’azienda australiana Jardan sono completati da una panca realizzata appositamente per la stanza, che corre lungo il tavolo. Il fulcro e l’anello di congiunzione della zona pranzo, tuttavia, è il dipinto dell’artista di Sydney Dan Rushford, che si integra perfettamente con la combinazione di colori dell’interno e completa perfettamente la stanza.

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In una cucina progettata dallo Studio Rhyme, un’isola in marmo verde è protagonista. Il marmo verde porta nell’ambiente sfumature fresche e naturali, creando un’atmosfera fresca. La speciale selezione e lavorazione del marmo verde trasforma la cucina in uno spazio unico e personalizzato che emana eleganza e freschezza.

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Tutto è iniziato con una domanda: come fanno gli architetti a progettare paesaggi? L’architetto e paesaggista Daniel Jauslin si è reso conto, durante i suoi studi, che esistono edifici che sviluppano esperienze spaziali simili al paesaggio nei loro interni. Alla fine ha risposto a questa domanda nella sua tesi di dottorato, i cui risultati ha voluto presentare al pubblico – nell’ambito di una mostra. Il fatto che ciò avvenisse inizialmente in modo virtuale a causa della corona non era previsto, ma potrebbe addirittura averlo arricchito. Ora „Se gli edifici fossero paesaggi…“ è visibile dal 26 marzo alla Baumuster-Centrale di Zurigo. Abbiamo parlato con Daniel Jauslin della collaborazione tra architettura e paesaggio.

Una delle aree della mostra si chiama „Come sopravvivere all’Antropocene“…

Se si pensa oltre l’esperienza del paesaggio negli edifici, si scopre un potenziale di architettura olistica che non è ancora stato sfruttato. Tuttavia, questa idea nasce più che altro dalla mia critica agli edifici di Koolhaas, Eisenman o SANAA che presento:

L’architettura di oggi, infatti, è incredibilmente dispendiosa e una delle principali cause del cambiamento climatico. Come sappiamo dagli anni ’70, gli edifici in cemento, che il modernismo ha praticamente santificato per un intero secolo, sono tutti peccatori del clima. In Olanda si discute ora della vergogna del cemento in convegni specialistici (come si fa in Scandinavia per la vergogna del volo) e, come quasi ovunque, si riscopre la costruzione in legno. Ma quando ho iniziato a fare l’architetto in Olanda, un ponte in legno come quello del nostro ponte rosso ad Amsterdam era quasi impensabile. Ma non si tratta solo di ottimizzare il metabolismo nella costruzione, ad esempio con il legno o altre risorse rinnovabili, ma anche delle condizioni locali.

Si tratta anche di un atteggiamento fondamentale: i progettisti in architettura hanno un concetto di tempo invertito. Come fornitori di servizi, ci concentriamo sui costi, sulle scadenze e su un concetto di qualità che si limita all’oggetto immobiliare commerciabile. La progettazione dura solo fino alla consegna delle chiavi e al completamento dei lavori in garanzia. Ma con le nostre città dovremmo costruire qualcosa che sopravviva per generazioni come una foresta: qualcosa che si radichi localmente e continui a crescere.

„Il potenziale intellettuale c’è“.

Quali sono le istruzioni, il „come fare“, che fornisce nella sua mostra „Se gli edifici fossero paesaggi“?

Nella mostra virtuale, per prima cosa mostro gli approcci sotto forma di link ai video delle numerose idee e concetti sostenibili. Nella mostra reale erano previsti workshop con giovani progettisti, che abbiamo voluto parzialmente sostituire con workshop virtuali. In definitiva, credo che ci siano due possibilità: O l’architettura insiste nella sua autonomia e si chiude alle enormi sfide della protezione della natura e del clima. Queste saranno risolte da ingegneri specializzati, che già oggi hanno sempre più il controllo dell’ambiente costruito. L’architettura potrebbe quindi diventare una questione secondaria, un passatempo interessante, rilevante quanto il gioco degli scacchi. Oppure potrebbe reinventarsi, e sarebbe concepibile una considerazione integrale dell’ambiente circostante e una comprensione degli edifici come parti di un paesaggio vivente.

Il potenziale intellettuale c’è sicuramente, ma la tradizione occidentale greco-romana si è sviluppata due millenni lontano dalla natura. Spero che ci sia ancora tempo. È per questo che stiamo cercando soluzioni su come l’architettura possa sopravvivere all’Antropocene, la nostra epoca in cui l’uomo ha rimodellato lo sviluppo naturale del mondo su scale temporali geologiche.

Informazioni su Daniel Jauslin e sulla mostra „Se gli edifici fossero paesaggi“.

La mostra virtuale „Se gli edifici fossero paesaggi…“, curata da Daniel Jauslin PhD e progettata dal suo studio DGJ Landscapes, è accessibile da marzo a ottobre 2021.

Appena possibile, sarà esposta al Baumuster-Centrale di Zurigo, all’Atélier Néerlandais di Parigi e alla Facoltà di Architettura e Ambiente Costruito di TU Delft e accompagnata da eventi.

La mostra „If Buildings were Landscapes“ (Se gli edifici fossero paesaggi) è visitabile dal 26 marzo presso la Swiss Baumuster-Centrale di Zurigo.

Daniel Jauslin è architetto del paesaggio, docente e ricercatore (PhD). Formatosi in architettura presso il Politecnico di Zurigo (1997), ha più di 20 anni di esperienza professionale e accademica internazionale nella progettazione a diverse scale, tra cui mobili, edifici, giardini, paesaggi, regioni e infrastrutture. Dal 1999 è cofondatore di DGJ Landscapes a Zurigo e socio fondatore di DGJ Architektur con Hans Drexler a Francoforte. Dal 2011 è iscritto all’albo degli architetti paesaggisti. In questo campo, DGJ Landscapes sta attualmente realizzando progetti tra la casa di Jauslin a Zurigo e la zona di Versailles. Dal 2008 al 2015 ha partecipato come docente alla creazione del Master in Architettura del Paesaggio presso la TU Delft, dove ha anche pubblicato la sua tesi di dottorato nel 2019. Dal 2015 al 2018 ha insegnato architettura del paesaggio all’Università di Wageningen con il Prof. Adriaan Geuze, tra gli altri, e continua a fare ricerca sulla progettazione architettonica e paesaggistica.

La sua mostra si chiama „If Buildings were Landscapes“ (tradotto: „Se gli edifici fossero paesaggi…“). Di cosa si tratta? E: come le è venuta l’idea di fare di questo confronto il tema?

La mostra riassume il tema della mia tesi di dottorato, che ho sviluppato con il mio primo relatore, il Prof. Dr. Clemens Steenbergen, quando sono arrivato a Delft nel 2008. Eravamo interessati a ciò che accade quando si inverte la sua ricerca con il dottor Wouter Reh sulla composizione architettonica dei giardini classici europei (2008): come gli architetti progettano effettivamente i paesaggi?

Mentre studiavo architettura a Zurigo, ho notato che gli edifici sviluppano all’interno esperienze spaziali simili a quelle di un paesaggio. Per esempio, l’Architectural Association di Londra, dove architetti di spicco come Hadid, Koolhaas, Moussavi & Zaera-Polo e Bos & van Berkel hanno sperimentato il paesaggio in modi diversi. Progettavano una sorta di paesaggio interiore con il terreno, i sentieri, le viste e le immagini, ma si trattava di architettura per l’abitare, di edifici come alberghi, biblioteche o terminal navali – alla fine intere città sono state ripensate come Landscape Urbanism.

Ho analizzato questo fenomeno dal punto di vista teorico e pratico, cioè attraverso testi e disegni, e alla fine l’ho chiamato Strategie di paesaggio in architettura. Dopo anni di studi accademici, ho voluto renderlo pubblico. Poiché si tratta di fenomeni spaziali, volevo che i visitatori potessero immergersi in questo mondo con filmati e modelli (3D) e ho deciso di organizzare una mostra.

La mostra „Se gli edifici fossero paesaggi“ si svolge online a causa della pandemia di coronavirus.

Naturalmente, all’inizio si trattava più che altro di un incidente. La mostra doveva essere inaugurata a Delft all’inizio di aprile 2020 e noi stessi avevamo già realizzato il progetto scenografico a Zurigo. Avevamo praticamente già fatto le valigie quando il direttore del programma di Architettura del Paesaggio, l’Ass. Prof. Dr. Inge Bobbink, mi ha chiamato a marzo per dirmi che la città stava chiudendo l’intero campus. Gli studenti, per i quali l’intero progetto era stato pensato da me, da allora non hanno quasi più visto l’interno dell’università.

Di conseguenza, ci sono state alcune mostre virtuali su temi simili, come quelle di AMO / Rem Koolhaas al Guggenheim e di Sebastien Marot a Losanna, in cui autori del campo dell’architettura e dell’urbanistica si confrontano con il paesaggio. Ma vivono più che altro dei loro testi. Non volevo assolutamente tornarci, visto che la tesi è già disponibile online come pubblicazione open source. Eravamo più interessati all’esperienza spaziale in scena; ho esaminato tre soluzioni VR di Zurigo, Berlino e Delft e l’associazione SIA International mi ha dato un sostegno finanziario. I progettisti di Delft avevano il sistema migliore in termini di tecnologia e design e hanno fatto un ottimo lavoro.

Che cosa significa in pratica?

Ora è possibile utilizzare un computer portatile o persino uno smartphone per vedere la mostra in anticipo, dato che prima o poi sarà esposta a Delft. In quanto ex alunno, non mi è stato permesso di fotografarla, per esempio. Ora è come i giochi che i miei figli fanno online e tecnicamente molto veloce, perché tutte le immagini sono renderizzate in anticipo come panorami. Forse ricorderete il vecchio gioco Myst su CD-ROM, che aveva paesaggi grandiosi per l’epoca: la tecnologia, che allora si chiamava Apple QuickTimeVR, funziona ancora oggi in modo simile.

Per noi era importante che tutti coloro che avevano accesso a Internet potessero guardarlo. Oggi, ovviamente, i bambini hanno le cuffie VR e la VR in 3D è molto più intensa. Fino a marzo 2021, stiamo costruendo un tour virtuale di uno dei progetti che ho analizzato per la mostra e per le cuffie come questo: le biblioteche Jussieu a Parigi di OMA Rem Koolhaas del 1992. Purtroppo non sono mai state costruite ed è difficile capire con progetti e modelli quanto intensamente questo edificio si sarebbe fuso con l’intera città di Parigi per formare un paesaggio urbano. Con l’odierna tecnologia GIS 3D possiamo dare vita a tutto questo. Sullo schermo o sulle cuffie dei giochi dei vostri figli.

Tuttavia, non tutto è possibile su Internet. Se volete vedere la videoinstallazione in 3D „Se gli edifici potessero parlare“, che Wim Wenders ha messo in scena con SANAA, dovete ancora venire alla mostra e indossare degli occhiali appositamente igienizzati. Non so ancora se la mostra potrà essere allestita all’aperto, nel parco Bellvoir di Zurigo, o se e quando i visitatori potranno vedere i modelli alla Baumusterzentrale di Zurigo, all’Atelier Néerlandais di Parigi o infine alla Scuola di Architettura di Delft. Resta comunque emozionante organizzare una mostra nell’anno della pandemia.

Qual è la sua posizione personale: gli architetti dovrebbero pensare di più al paesaggio o le discipline dovrebbero lavorare più strettamente insieme?

Entrambe le cose sono importanti e io le pratico entrambe. La mia prima formazione è stata quella di architetto, ma ho sempre pensato che ci fosse più spazio nel paesaggio, sia letteralmente che simbolicamente. Per me le strategie di progettazione del futuro dovevano essere trovate nel paesaggio. Questo mi ha portato a occuparmi di paesaggio, dove mi è stato permesso di progettare un parco nel mio primo grande progetto al West 8 di Rotterdam: L’Arteplage dell’esposizione nazionale svizzera Expo.02 a Yverdon-les-Bains. Accanto al mio mentore, il paesaggista Adriaan Geuze, ho lavorato con molti bravi architetti come Mateja Vehovar, Liz Diller, Tristan Kobler, Ric Scofidio e mio fratello Stefan Jauslin.

Ho costruito le prime case con i miei successivi soci Hans Drexler e Marc Guinand, ma con la nostra prima casa a Pigniu, nei Grigioni, eravamo più interessati all’architettura come veicolo per vivere nel paesaggio alpino. Peter Eisenmann, in un’intervista per la mia tesi di laurea, mi disse che era interessato alla luce tra gli alberi – ispirandosi vagamente a C.G. Jung… Devo essere cresciuto nel verde, dalla parte della luce.

„Non possiamo rimanere nelle discipline tradizionali autonome“.

Come si manifesta questo?

Ho attraversato i confini tra le discipline quasi ogni giorno: A Delft, una volta ho insegnato architettura del paesaggio ad architetti o ingegneri nella costruzione di ponti. Ho insegnato progettazione a tutti i livelli dei programmi di architettura del paesaggio presso le università di Delft e Wageningen. Definire le discipline può aiutare a fare chiarezza, ma quando si tratta di risolvere i grandi compiti di pianificazione urbana e l’enorme sfida del cambiamento climatico, non possiamo rimanere bloccati nelle tradizionali discipline autonome.

In pratica, il mio studio, DGJ Landscapes, collabora con studi di architettura molto diversi, spesso specializzati, in occasione di concorsi. Mi ritengo fortunato perché siamo sempre coinvolti fin dall’inizio e perché la progettazione del paesaggio non riguarda più solo l’ambiente circostante dopo il completamento dell’edificio, ma è parte integrante di ogni buon progetto complessivo – anche se non tutti gli edifici devono essere un paesaggio interno, come nella mostra.

„Dobbiamo comprendere l’architettura come un sistema“.

Cosa possono imparare gli architetti dagli architetti del paesaggio?

L’architettura è diventata incredibilmente specializzata. Forse proprio a causa dell’enorme aumento della complessità dei problemi che dovrebbe risolvere, gli architetti si stanno ritirando nella difesa di una disciplina autonoma. Credo che questo sia fatale: non si può piantare un albero della foresta in un vaso e metterlo in un museo. Allo stesso modo, dobbiamo pensare e sviluppare gli edifici come organicamente intrecciati con il loro contesto a tutti i livelli, in senso culturale urbano, in senso tecnico e anche rispetto all’ambiente naturale di vita, al quale apparteniamo ancora nonostante la nostra spiritualizzazione.

Gottfried Semper, importante teorico dell’architettura del XIX secolo, ha parlato di metabolismo. Si riferiva piuttosto alle tende storiche come precursori della Baute. Come classicista di formazione, era molto critico nei confronti dei suoi contemporanei precursori dell’architettura verde, come i palazzi di vetro verde popolari a Parigi e Londra in quel periodo. Tuttavia, il metabolismo è in realtà un concetto chiave per noi oggi: dobbiamo intendere l’architettura come un sistema che è connesso e interagisce con il mondo vivente di tutte le specie, comprese flora e fauna.

Ma abbiamo appena iniziato a farlo, quindi c’è ancora qualcosa da imparare per diverse generazioni a venire. In una delle sue conferenze a Losanna, Marot mi ha detto che in sostanza insegna agli studenti di architettura dell’EPFL cos’è la permacultura. Probabilmente dobbiamo ancora introdurla nell’architettura del paesaggio, ma il fatto che l’agricoltura basata sulla natura sia insegnata in un politecnico per architetti dimostra che oggi siamo più avanti.

Sistemi di progettazione ortogonali: sembra una reliquia di una lezione di matematica, ma in realtà è uno dei fondamenti sottovalutati dell’architettura moderna. Tra il dogma della griglia e la libertà digitale, tra la precisione e la rigidità creativa: chi progetta oggi difficilmente può evitare di chiedersi di quanto ordine abbia bisogno il caos. È giunto il momento di liberare il sistema di progettazione ortogonale dalla sua polvere e di analizzarne il significato per il presente e il futuro dell’edilizia.

• Un sistema di progettazione ortogonale organizza il processo di progettazione architettonica sulla base di assi e griglie ortogonali.
• Questo metodo continua ad avere un’influenza significativa sulla pianificazione urbana in Europa centrale, in particolare nei Paesi di lingua tedesca.
• La digitalizzazione, il BIM e gli strumenti parametrici stanno dando nuova vita al reticolo, spingendone al contempo i confini
• I dibattiti sulla sostenibilità e l’economia circolare richiedono sistemi modulari e personalizzabili che reinterpretino la griglia ortogonale.
• I progettisti che padroneggiano i sistemi ortogonali si assicurano competenze tecniche e progettuali per compiti edilizi impegnativi
• Le polemiche sulla monotonia, la standardizzazione e la limitazione creativa si accendono da decenni, ma la griglia rimane sorprendentemente resistente.
• Tendenze globali come l’urban mining, le piante flessibili e la fabbricazione digitale stanno mettendo in discussione la griglia classica
• Il sistema di progettazione ortogonale è più di uno strumento: è il riflesso di paradigmi sociali, tecnologici ed ecologici.

Sistemi di progettazione ortogonale: dalla città antica al componente BIM

Se non volete solo consumare la storia dell’architettura su Instagram, ma volete comprenderla seriamente, non potete evitare il sistema di progettazione ortogonale. L’idea di base è tanto banale quanto rivoluzionaria: gli spazi, le strutture e le città sono organizzati secondo assi ortogonali. Sembra un accampamento romano, un’urbanistica barocca e la griglia americana. In realtà, il sistema è più antico della maggior parte degli stili architettonici. Già i Greci prediligevano l’ortogonale. I Romani lo perfezionarono tracciando le loro città con assi rettilinei di cardo e decumano. Nei Paesi di lingua tedesca, il principio dell’ortogonalità divenne standard con l’ondata di fondazioni di città pianificate, al più tardi nel Medioevo. Chi oggi cammina per le strade di Norimberga, Mannheim o del centro di Berlino si muove attraverso griglie le cui origini risalgono a secoli fa.

Ma il sistema di progettazione ortogonale non è solo urbanistica. È alla base dell’architettura moderna: dal Modulor di Le Corbusier al Bauhaus, dal modernismo del dopoguerra all’attuale ondata di costruzioni modulari. La griglia è onnipresente. Struttura piante, facciate, strutture portanti e persino arredi. Ed è sia uno strumento di disciplina che un campo di gioco creativo. Chi progetta con la griglia può creare ordine, ma anche rompere i confini. Il sistema ortogonale offre stabilità nella complessità, rende l’architettura prevedibile, ripetibile e ottimizzabile. Ma nasconde anche il pericolo della monotonia, dell’uniformità e della noia creativa. Un dilemma su cui si sono affannate generazioni di progettisti.

Oggi stiamo vivendo una sorprendente rinascita della griglia. In tempi di digitalizzazione e di Building Information Modelling (BIM), il sistema ortogonale non è più la carta a scacchi analogica, ma il codice digitale. Programmi di progettazione come Revit, ArchiCAD e altri ragionano per griglie, assi e moduli. Il progetto diventa parametrico, la griglia diventa una struttura di dati. Gli spazi non sono più solo costruiti, ma programmati. Il sistema ortogonale diventa così l’interfaccia tra architettura, tecnologia e gestione dei dati. Le sfide? Sono note e di grande attualità.

Il sistema di progettazione ortogonale è ben radicato nei Paesi di lingua tedesca. Germania, Austria e Svizzera hanno tradizionalmente privilegiato strutture chiare nella pianificazione urbana. La griglia è sinonimo di razionalità, efficienza e leggibilità. Ma è proprio qui che si moltiplicano le critiche: la griglia è un corsetto che impedisce l’innovazione? Oppure è un trampolino di lancio per nuovi metodi di costruzione sostenibili? Il dibattito è più che mai attuale. Chi progetta oggi deve padroneggiare la griglia – e allo stesso tempo esaminarla.

Da una prospettiva globale, il sistema di progettazione ortogonale fa da tempo parte del vocabolario architettonico. Da New York a Tokyo, da Dubai a Oslo, la griglia è universalmente applicabile. Ma la digitalizzazione la sta rendendo più fluida, più flessibile e più adattabile. La domanda chiave è: quanta ortogonalità può tollerare la città del futuro? E di quanto caos ha bisogno il sistema per rimanere in vita?

Digitalizzazione, BIM e progettazione algoritmica: la griglia nell’era dei dati

Da quando l’architettura ha scoperto il suo amore per la digitalizzazione, il sistema di progettazione ortogonale non è più solo una struttura statica. È diventato uno strumento dinamico nel processo di progettazione digitale. I modelli BIM, gli strumenti parametrici e la progettazione supportata dall’intelligenza artificiale si basano su griglie, assi e moduli, non per nostalgia, ma per necessità. Perché nell’era dei dati sono necessarie strutture che rendano gestibile la complessità. La griglia è il database dell’architettura. Permette di collegare geometrie, componenti, funzioni e processi. Chiunque lavori con il BIM organizza il proprio progetto secondo griglie, livelli e coordinate. Il sistema ortogonale diventa l’interfaccia tra progettazione, esecuzione e gestione.

Tuttavia, la digitalizzazione sta mettendo sotto pressione anche la griglia. Gli algoritmi non sono solo eccellenti padroni delle griglie, ma sono anche in grado di gestire irregolarità, interruzioni e curve. Il design parametrico rompe la classica griglia ortogonale. Architettura a forma libera, strutture organiche, facciate adattive: improvvisamente la griglia diventa flessibile, pieghevole, persino indisciplinata. Gli architetti che hanno imparato solo a pensare in modo rigido a 90 gradi sono rimasti indietro. Il nuovo requisito è: competenza nella griglia e sperimentazione digitale. Chi è in grado di fare entrambe le cose è a prova di futuro.

Nei Paesi di lingua tedesca, la griglia digitale fa da tempo parte della vita quotidiana, almeno in teoria. La pratica è spesso in ritardo. Mentre i grandi progetti a Monaco, Vienna e Zurigo vengono pianificati sempre più spesso con modelli di griglia digitale, gli uffici più piccoli sono alle prese con i costi del software, i problemi di interfaccia e la mancanza di competenze. La digitalizzazione non è un successo sicuro. Richiede competenze tecniche, investimenti e una nuova cultura della pianificazione. Chiunque liquidi la griglia come un mero strumento si perde la vera rivoluzione: progettare in tempo reale, simulare scenari, ottimizzare la sostenibilità e l’efficacia dei costi – tutto basato su una griglia digitale intelligente.

Tuttavia, il trionfo digitale del sistema di progettazione ortogonale non è privo di effetti collaterali. I critici lamentano che la logica a griglia del software porta a una nuova standardizzazione. Chi progetta solo in base all’algoritmo finisce per produrre edifici come in una catena di montaggio. Il pericolo della monotonia rimane, anche in digitale. La sfida consiste nel comprendere la griglia come strumento creativo e non come dogma. I progetti migliori nascono quando il sistema lascia spazio di manovra, quando il progettista usa la griglia come palcoscenico per l’innovazione.

Da un punto di vista internazionale, i Paesi di lingua tedesca non sono né pionieri né ritardatari quando si parla di rete digitale. Singapore, Copenaghen e Londra mostrano come i sistemi di rete digitale controllino interi quartieri. Germania, Austria e Svizzera stanno sperimentando, ma con il freno a mano tirato. Il dibattito sugli standard dei dati, sulle interfacce e sull’Open BIM caratterizza la scena. Ma il potenziale è enorme: chi pensa in modo digitale alla rete può accelerare i processi, ridurre al minimo gli errori, ottimizzare la sostenibilità e, in definitiva, creare un’architettura migliore.

Sostenibilità, decostruzione e ciclo: Il sistema ortogonale come strumento ecologico?

Chiunque parli di sostenibilità oggi deve rivalutare il sistema di progettazione ortogonale. Modularità, decostruibilità e riciclabilità sono le parole magiche del settore. Ed è proprio qui che la griglia mostra la sua maggiore forza. Un sistema ortogonale consente componenti standardizzati, moduli ripetibili e piante flessibili. Gli edifici diventano sistemi modulari che possono essere adattati a usi diversi. Non si tratta di una coincidenza, ma di un metodo. Se si pensa in termini di griglia, si possono risparmiare risorse, razionalizzare i processi di costruzione e semplificare lo smontaggio. L’economia circolare ha bisogno di competenze di rete.

Ma la rete non è una panacea. Il dibattito sulla sostenibilità mostra i limiti del sistema. Un’eccessiva standardizzazione può portare a uno spreco di materiali se i componenti non si adattano alla fine. Troppa flessibilità trasforma gli edifici in prodotti usa e getta. Il trucco è progettare la rete come un sistema flessibile. Moduli adattabili, connessioni reversibili, passaggi di materiali digitali: tutto questo richiede competenze tecniche. I progettisti devono padroneggiare il sistema ortogonale, ma anche conoscere le possibilità di rottura del sistema. Solo così si può creare un’architettura sostenibile.

Nei Paesi di lingua tedesca, il sistema ortogonale è lo standard per i progetti di edilizia sostenibile, dagli edifici in legno agli elementi prefabbricati in calcestruzzo, fino alla ridensificazione urbana. A Vienna, i quartieri residenziali vengono costruiti secondo una griglia che può essere riutilizzata in 20 anni. A Zurigo, gli edifici scolastici sono progettati in modo da poter essere riconvertiti in uffici o appartamenti. La grande sfida è che il sistema deve crescere con esso. Le esigenze degli utenti cambiano e i requisiti in termini di energia, clima e mobilità aumentano. La rete non deve essere un corsetto rigido, ma deve diventare un organismo vivente.

La digitalizzazione aiuta a sfruttare il potenziale ecologico del sistema ortogonale. I modelli BIM rendono visibili i flussi di materiali, calcolabili i cicli di vita e pianificabili gli scenari di decostruzione. Gli strumenti supportati dall’intelligenza artificiale ottimizzano le varianti planimetriche, minimizzano il consumo di spazio e riducono le emissioni. Anche in questo caso, però, la tecnologia è valida solo quanto il sistema che rappresenta. Se si vuole costruire in modo sostenibile, bisogna intendere la rete come uno strumento per i processi di risparmio delle risorse, e non come un dogma per l’architettura standardizzata.

A livello internazionale, il sistema ortogonale fa parte del movimento dell’economia circolare. Nei Paesi Bassi, in Scandinavia e in Giappone si stanno creando edifici progettati secondo una griglia che possono essere smantellati decenni dopo. Germania, Austria e Svizzera sono sulla buona strada, ma non hanno ancora raggiunto l’obiettivo. La grande domanda rimane: La griglia è la chiave per un’architettura sostenibile? O abbiamo bisogno di un cambiamento radicale del sistema per raggiungere gli obiettivi climatici?

Critica, visione e pratica: il XXI secolo ha ancora bisogno dell’ortogonalità?

Le critiche al sistema di progettazione ortogonale sono vecchie quanto il sistema stesso. Persino il modernismo è stato criticato per la sua monotonia della griglia. Gli edifici del dopoguerra nel formato prefabbricato a lastre sono considerati un esempio deterrente. Oggi il dibattito è più sfumato. I favorevoli lodano l’ordine, l’economia e la chiarezza. Gli oppositori mettono in guardia dalla semplicità, dalla standardizzazione e dalla perdita di identità. Come sempre, la verità sta nel mezzo. Il sistema ortogonale è uno strumento, non una visione del mondo. È adatto per la chiarezza, la riutilizzabilità e l’affidabilità del processo, ma non per tutti i compiti edilizi.

Nella pratica, la griglia è onnipresente. Dalla pianificazione strutturale alla progettazione delle facciate e all’allestimento degli interni, poco è possibile senza sistemi ortogonali. Tuttavia, i progetti migliori nascono laddove la griglia viene interrotta, variata o compromessa. Il mondo della progettazione digitale apre nuove possibilità: facciate algoritmiche, forme libere parametriche, moduli ibridi. Il XXI secolo ha bisogno di entrambe le cose: la competenza in materia di griglia e il coraggio di deviare. Chi vive la griglia solo come un vincolo perde l’opportunità di innovare. Chi la usa in modo creativo può ridefinire gli standard.

Nei Paesi di lingua tedesca, il dibattito sull’ortogonalità è di grande attualità. La svolta edilizia richiede nuovi modelli planimetrici, soluzioni spaziali flessibili e metodi di costruzione sostenibili. La griglia può aiutare, ma deve essere portata avanti. Nella ricerca, stanno emergendo sistemi ibridi che combinano l’ortogonalità con i principi organici. Nella didattica, gli strumenti digitali vengono utilizzati non solo per disegnare la griglia, ma anche per simularla, variarla e ottimizzarla. Il futuro del sistema di progettazione è aperto, ma non arbitrario.

I progettisti visionari chiedono da tempo un’architettura „post-griglia“. Vogliono il meglio dei due mondi: L’ordine della griglia e la libertà della forma. I sistemi di progettazione supportati dall’intelligenza artificiale potrebbero aiutare a interpretare la griglia come una rete dinamica, non più come una struttura rigida, ma come un campo flessibile di relazioni, dati e possibilità. La sfida: come può il sistema rimanere gestibile, comprensibile e controllabile? Come evitare che l’architettura sprofondi nell’arbitrarietà digitale?

Il sistema di progettazione ortogonale è ancora di grande attualità nel discorso internazionale. In Cina si costruiscono megalopoli a griglia; in California le aziende tecnologiche sperimentano sistemi modulari adattivi. La grande domanda rimane: Di quanta ortogonalità ha bisogno l’architettura e quanta anarchia può tollerare? La risposta non si troverà nella torre d’avorio, ma in cantiere, nel modello BIM, nel dialogo tra progettista, utente e macchina.

Conclusione: i sistemi di progettazione ortogonali – tra dogma, strumento e laboratorio del futuro

Il sistema di progettazione ortogonale è morto – lunga vita alla griglia. Rimane la spina dorsale dell’architettura, anche se è sottoposta a pressioni digitali, ecologiche e sociali. Chi conosce le regole può infrangerle. Chi le ignora perde la visione d’insieme. Il futuro appartiene ai progettisti che pensano insieme griglia e forma libera, standard e innovazione, digitalizzazione e sostenibilità. Il sistema ortogonale non è un dogma, ma una cassetta degli attrezzi – e quanto meglio sarà riempita, tanto più emozionante sarà l’architettura di domani.

Cosa rende buona l’architettura del paesaggio? Come si presenta la vostra realtà lavorativa e abitativa e come possiamo arricchirla in modo differenziato? Queste domande sono state al centro della riprogettazione di Garten+Landschaft. Abbiamo utilizzato gli ultimi mesi per analizzare, mettere in discussione, concettualizzare e infine reinventare noi stessi.

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Con il motto „PENSARE IN MODO DIVERSO“ abbiamo capito che…

… fare le domande giuste
… lasciare che gli esperti più interessanti possano dire la loro
… sollevare questioni controverse nell’architettura del paesaggio
… presentare innovazioni e tendenze di prodotto
… ampliare la visione e pensare a livello internazionale
… mostrare nuove prospettive di lavoro pratico
… fornire ispirazione, indicazioni e consigli

Vi auguriamo una piacevole lettura di questo numero!

Cordiali saluti,
I vostri
Tanja Braemer, caporedattore

Copenaghen ha una nuova infrastruttura per le biciclette. Il cosiddetto „Cykelslangen“, il „Serpente di biciclette“, è una superstrada ciclabile che aumenta la facilità e l’efficienza degli spostamenti quotidiani in città. Non solo segna un altro passo nella visione di Copenaghen di diventare un’eco-metropoli, ma permette anche di dare uno sguardo alla complessa struttura di una città moderna.

Situato tra un maldestro centro commerciale urbano e un elegante hotel, che spazia da un cavalcavia dell’autostrada fino al fronte del porto, è uno dei più recenti gioielli infrastrutturali di Copenaghen, che incarna la facilità e l’efficienza della vita urbana quotidiana. Il sorprendente e molto pubblicizzato Copenhagen Cykelslangen, il „Serpente di biciclette“, conduce i ciclisti lungo un ponte ciclabile di 280 metri – o una rampa allungata – da un cavalcavia autostradale al primo piano, molto trafficato, fino al fronte del porto, privo di auto.

Elevato di 5,5 metri dal livello del suolo nel punto più alto e appoggiato su eleganti pilotis bianchi uniformemente distanziati, il Bicycle Snake ha sostituito quello che prima era uno scomodo percorso in bicicletta lungo due rampe di scale, seguito da una lenta e cauta pedalata attraverso affollate piazze pedonali. Ora, in meno di un minuto, i ciclisti scivolano lungo la dolce curvatura del suggestivo ponte ciclabile rivestito di arancione tra gli edifici e sull’acqua fino al porto.

Il Bicycle Snake è molto utilizzato sia di giorno che di notte, e coltiva una dimensione umana in una configurazione altrimenti sgraziata e priva di anima di imponenti strutture in cemento e vetro lungo il fronte del porto di Copenaghen. La visione dell’urbanista danese Jan Gehl di una „vita tra gli edifici“ multiuso e a misura d’uomo si realizza quasi perfettamente nel Bicycle Snake, in quanto i ciclisti sono incanalati senza sforzo in una piazza pedonale con spazio per muoversi, sedersi e la possibilità di essere osservati sia dall’alto che dal basso.

Il Bicycle Snake è anche all’altezza della visione di Copenaghen come città verde, dimostrando che la città può effettivamente mantenere la promessa di essere priva di emissioni di carbonio entro il 2025. Questa visione è diventata un marchio di città verde di fama internazionale, dato che Copenaghen è stata nominata Capitale Verde Europea (2014) e città più vivibile del mondo da Monocle (2014). Una piacevole pedalata lungo il Bicycle Snake dimostra che questo marchio di città verde vive nello spazio tra gli edifici.

Superstrade ciclabili

Con il Bicycle Snake, Copenaghen – una delle migliori città ciclabili del mondo – ha realizzato un’infrastruttura ciclabile altamente funzionale ed esteticamente gradevole che eleva i ciclisti al di sopra del livello del traffico per aumentare la facilità e l’efficienza dei loro spostamenti quotidiani in città. A questo proposito, il Bicycle Snake è in linea con la visione della città di Copenaghen di diventare una eco-metropoli, o una città di ciclisti per i ciclisti. Copenaghen punta ambiziosamente a far sì che il 50% di tutti i cittadini si sposti in bicicletta entro il 2015 e che il 90% di tutti i ciclisti percepisca un senso di sicurezza mentre pedala.

Sebbene il numero effettivo di pendolari in bicicletta sia ancora inferiore a quello che la città vorrebbe (37%, secondo l’ultimo conteggio), Copenaghen ha ottenuto ciò che molte città non riusciranno mai a fare, fornendo ai ciclisti una griglia infrastrutturale di piste e corsie ciclabili rigorosamente separate, che garantiscono un elevato grado di sicurezza e velocità. Con l’attuale sviluppo della rete delle cosiddette supercykelstier – „superstrade ciclabili“ – inoltre, la città e i comuni circostanti stanno cercando di far sì che la bicicletta diventi una vera alternativa ai mezzi di trasporto quotidiani, pesanti in termini di emissioni di carbonio, anche sulle distanze più lunghe.

Percorrendo una superstrada ciclabile che collega il centro città con i sobborghi circostanti fino a 20 chilometri fuori città, sono stati eliminati molti degli ostacoli che contribuiscono a rendere l’uso della bicicletta una forma di trasporto lenta, faticosa e potenzialmente insicura nelle aree urbane. Ai ciclisti viene invece offerta la possibilità di muoversi in modo rapido, sicuro e indipendente dalla congestione generale, lungo „percorsi verdi“ di qualità spesso pittoresca.

Oltre a coltivare la visione di una cultura del pendolarismo quotidiano a zero emissioni di carbonio nelle aree urbane dense, e mentre i potenziali benefici per la salute dell’individuo sono da prendere sul serio, le superstrade ciclabili collocano i ciclisti in uno spazio curiosamente autonomo di viaggio solitario in bicicletta. Con gli auricolari inseriti, sfrecciando ad alta velocità verso il centro della città, le superstrade ciclabili offrono una liberazione estrema del ciclista dal disordinato mélange delle situazioni quotidiane del traffico urbano. […]

Continua a leggere Topos 94 – Visioni di città.

Amber Valletta è da tempo più di un semplice volto dell’industria della moda. È l’icona che combina la sostenibilità con lo stile e l’atteggiamento, sfidando così la scena dell’architettura e del design. Ma quanta sostanza c’è dietro il glamour? Il design sostenibile è più di un semplice accessorio nel portafoglio dell’élite internazionale dello stile? E cosa possono imparare architetti, costruttori e produttori da Valletta e dai suoi progetti?

• Amber Valletta come forza trainante del design sostenibile – oltre la passerella
• L’attuale rilevanza della sostenibilità nell’architettura e nell’edilizia nella regione DACH
• Approcci e tendenze innovativi: dall’economia circolare all’approvvigionamento dei materiali
• Il ruolo degli strumenti digitali, dei dati e dell’intelligenza artificiale per il design sostenibile
• Sfide e soluzioni specifiche nel contesto dell’architettura e della pianificazione urbana
• Competenze necessarie per progettisti e sviluppatori nel gestire la sostenibilità
• Influenza sulla professione: cosa significa stile sostenibile per gli architetti?
• Esame critico del dibattito sul greenwashing e delle visioni per il futuro
• Integrazione nel dibattito globale sull’architettura – tra spettacolo, sostanza e cambiamento del sistema

Amber Valletta: da icona della moda a influencer del design con attitudine

Chi conosce Amber Valletta solo come modella, volto di importanti case di moda e musa di fotografi si è perso gli ultimi anni. Valletta è diventata lo schermo di proiezione di un’industria che finalmente vuole prendere sul serio la sostenibilità – o almeno fingere di farlo. Sfrutta il suo raggio d’azione per educare le persone sulle condizioni di produzione dei tessuti, promuovere marchi sostenibili e collaborare con stilisti che non vedono la consapevolezza ambientale come un espediente di marketing. Porta con sé un atteggiamento che fa bene all’architettura: senza compromessi, scomodo e sempre un po‘ radicale perché sfida l’establishment. Nulla contro il buon design, ma senza sostanza lo stile rimane arbitrario. È proprio questo che Valletta denuncia – e tocca un nervo scoperto che da tempo arriva fino all’industria delle costruzioni.

La discussione sul design sostenibile è arrivata nei Paesi di lingua tedesca, con chiare differenze tra Germania, Austria e Svizzera. Mentre l’edilizia orientata ai materiali e l’economia circolare fanno da tempo parte del DNA di Zurigo e Basilea, Berlino e Monaco sono ancora alle prese con il lato oscuro della rivoluzione edilizia. L’Austria si sta preparando ad assumere un ruolo pionieristico con programmi di innovazione come „BauZ!“ e progetti progressivi di costruzione in legno. Ma l’industria rimane scettica: c’è un abisso tra l’eco-show di alto livello e il cambiamento reale. La stessa Valletta è provocatoria: Perché il design sostenibile è cool nella moda, ma spesso moralmente discutibile in architettura?

La risposta è da ricercare tra estetica e vincoli di sistema. Mentre la moda richiede cicli veloci, allestimenti e palcoscenici, l’architettura è tagliata per la durata, la funzione e il contesto. Valletta unisce le due cose: Per lei il design sostenibile è un atteggiamento, non una tendenza. Questo è esattamente ciò che chiede ad architetti e clienti, irritando così tutti coloro che credono che un po‘ di bambù e di cemento riciclato siano sufficienti per ottenere il marchio di qualità del futuro. Chiunque segua Valletta si rende subito conto che non si tratta di stile, ma di trasformazione.

Questo non è senza effetto: nel panorama internazionale dell’architettura e del design, Valletta è da tempo più di un semplice fenomeno di moda. È una portavoce, una fonte di idee e un’autorità critica che esamina i progetti e costringe gli attori a ripensarsi. Sia come ospite di conferenze sulla sostenibilità, sia come giurata di premi di design o come promotrice delle proprie collezioni, Valletta stabilisce degli standard. Chiunque analizzi i suoi progetti si renderà conto che la sostenibilità non è presentata come un sacrificio, ma come un lusso – e senza sensi di colpa.

È questo il vero punto di svolta: Valletta dimostra che il design sostenibile non deve necessariamente avere l’odore di un eco-cliché. Dimostra come l’onestà radicale dei materiali, i processi di conservazione delle risorse e l’estetica senza compromessi possano essere fusi in un tutt’uno. Questo cattura lo spirito dei tempi e mette l’industria di fronte alla domanda su quanto atteggiamento possa davvero assumere.

Sostenibilità nell’architettura e nell’edilizia: Status quo, tendenze e aberrazioni

Chiunque propagandi la progettazione sostenibile oggi deve misurarsi con la realtà dei cantieri. Nella regione DACH prevale un clima di ambivalenza: da un lato, ci sono progetti faro che portano all’estremo l’economia circolare e l’innovazione dei materiali. Dall’altro lato, il lavoro quotidiano di molti studi di architettura rimane caratterizzato da standard, costi e obblighi di gara che relegano la sostenibilità a uno status subordinato. Valletta direbbe che chi crede di poter salvare il mondo con certificati e brochure di marketing non ha capito il sistema.

Le grandi innovazioni? L’edilizia circolare, l’urban mining, il passaporto digitale dei materiali, i sistemi di facciata adattivi e i nuovi modelli di business che integrano condivisione, riuso e qualità duratura. L’Austria brilla con l’eccellenza delle costruzioni in legno, la Svizzera con la riduzione radicale e la precisione e la Germania con una scena crescente di start-up e iniziative sostenibili. Ma il salto dalla nicchia al mainstream rimane difficile. Il design sostenibile è ancora spesso visto come un’aggiunta, un fattore di costo o una ciliegina esotica sulla torta, non come una componente centrale dello sviluppo del progetto.

Valletta mette il settore di fronte a domande che dovrebbero interessare anche gli architetti: Chi decide cosa sia la sostenibilità? Chi beneficia dell’etichetta verde? E quanto è importante la messa in scena del nuovo movimento ecologico? Il dibattito sul greenwashing non è solo un fenomeno di moda, ma fa parte da tempo della vita quotidiana nei cantieri e negli uffici di progettazione. Le certificazioni si contano a decine, ma l’effetto reale spesso non è chiaro. La Valletta si oppone a questa situazione: La sostenibilità ha bisogno di trasparenza, misurabilità e radicalità, altrimenti rimane una posa.

Le visioni? Cicli di materiali che combinano architettura e moda. Strumenti digitali che rendano trasparente il ciclo di vita di edifici e prodotti. Reti internazionali che condividono conoscenze, risorse ed estetica. La sfida? Un sistema che si concentra sulla crescita, sulla velocità e sugli effetti a breve termine è difficile da convertire in circolarità, sufficienza e longevità. La Valletta dimostra che è possibile, ma solo con un atteggiamento e il coraggio di essere a volte scomodi.

Il discorso globale sta entrando nel vivo: mentre gli agglomerati urbani si concentrano sull’efficienza delle risorse e sulla neutralità climatica, cresce la pressione su progettisti e sviluppatori affinché adottino approcci innovativi. La Valletta funge da catalizzatore e lo dimostra: La progettazione sostenibile non è un’indicazione morale, ma un imperativo creativo. Chi lo capisce gioca in serie A, in tutto il mondo.

Digitalizzazione, intelligenza artificiale e dati: Nuovi strumenti per una cultura del design sostenibile

Da tempo la digitalizzazione non è più solo una parola d’ordine. È diventata un requisito fondamentale per il design sostenibile, e non solo nella moda, ma soprattutto nell’industria delle costruzioni. Amber Valletta comprende il potere dei dati: sostiene la trasparenza nelle catene di fornitura, chiede sistemi di verifica digitale e si batte per piattaforme che rendano visibili materiali e processi sostenibili. Ciò che Valletta sta avviando nel settore della moda è atteso da tempo nel settore delle costruzioni: strumenti digitali, database dei materiali, BIM e intelligenza artificiale stanno cambiando le regole – per sempre.

In Germania, Austria e Svizzera stanno nascendo piattaforme digitali che analizzano i flussi di materiali, i bilanci di CO₂ e le informazioni sui prodotti in tempo reale. Start-up e aziende affermate stanno investendo in strumenti di analisi basati sull’intelligenza artificiale che ottimizzano i processi di costruzione e rendono la sostenibilità misurabile. Zurigo sta sperimentando i passaporti digitali dei materiali, Vienna gli algoritmi di pianificazione supportati dall’intelligenza artificiale. La tendenza è chiara: se non si pensa in modo digitale, si rimane esclusi dalla progettazione sostenibile.

I vantaggi sono evidenti: i gemelli digitali consentono scenari basati sulla simulazione, analisi del ciclo di vita e processi di pianificazione partecipativa. L’intelligenza artificiale può valutare alternative di materiali, ottimizzare i processi di costruzione e prevedere il comportamento degli utenti. La Valletta mostra come combinare visibilità digitale e impatto reale: I loro progetti sono documentati in modo trasparente, le catene di fornitura sono rese note e la comunità è coinvolta attivamente. Non si tratta solo di una strategia di comunicazione, ma di un cambiamento di paradigma per l’intero settore.

Tuttavia, la trasformazione digitale ha anche i suoi lati negativi. Gli algoritmi non sono neutrali, le piattaforme non sono sempre aperte e i dati non sono automaticamente affidabili. Chiunque abbia la sovranità sugli strumenti digitali detta le regole, un rischio che anche Valletta sottolinea. La progettazione sostenibile richiede quindi non solo software intelligenti, ma anche governance, sovranità dei dati e linee guida etiche. Altrimenti, il nuovo mondo dei dati rischia di diventare una scatola nera che oscura più di quanto illumini.

Di conseguenza, le competenze digitali stanno diventando una qualifica chiave per architetti, designer e sviluppatori. Chiunque sia seriamente interessato alla progettazione sostenibile deve essere in grado di leggere i dati, utilizzare gli strumenti e controllare i processi. Valletta mostra come sia possibile farlo e sfida l’industria a seguirne l’esempio. Perché il futuro è digitale, aperto e sostenibile solo se rimane comprensibile per tutti.

Competenze, controversie, visioni: Cosa significa stile sostenibile per l’architettura

La sostenibilità è diventata la questione cruciale dell’architettura. Non basta più costruire belle facciate; servono sistemi, processi e atteggiamenti che conservino le risorse, migliorino la qualità della vita e creino valore aggiunto per la società. Amber Valletta rappresenta una nuova generazione di influencer del design che combina radicalmente stile e sostanza. Ma cosa significa concretamente per gli architetti, i progettisti e gli sviluppatori dei Paesi di lingua tedesca?

La sfida inizia con l’educazione: La progettazione sostenibile non è un’aggiunta, ma deve essere parte integrante dell’insegnamento. Competenze tecniche, scienza dei materiali, analisi del ciclo di vita, modellazione digitale, competenze sociali e capacità di comunicazione: questi sono i nuovi requisiti di base. Valletta chiede ai progettisti di assumersi la responsabilità e di condividere attivamente le loro conoscenze. L’architettura diventa così una piattaforma che innesca dibattiti sociali e rende visibili le soluzioni.

Il settore è impegnato in un dibattito controverso: il design sostenibile è un lusso o una necessità? Quanto stile può tollerare la rivoluzione edilizia? E che ruolo ha l’individuo nel cambiamento sistemico? La posizione chiara di Valletta è provocatoria: chi vede la sostenibilità come una restrizione non ne ha ancora riconosciuto il potenziale. I progetti migliori nascono quando coraggio, creatività e competenza tecnica si uniscono, indipendentemente dai budget e dalle etichette.

Ma c’è anche una critica: non tutti possono o vogliono assumere il ruolo di pionieri della sostenibilità. La pressione di dover soddisfare sempre nuovi standard porta a frustrazione, richieste eccessive e un numero crescente di casi di greenwashing. Valletta prende la cosa con filosofia: „Il fallimento fa parte del processo, finché permane la volontà di cambiare. È fondamentale che il settore impari ad ammettere gli errori e a organizzare i processi in modo trasparente“.

La visione? L’architettura come laboratorio per ambienti di vita sostenibili in cui stile e responsabilità non sono in contraddizione. La Valletta fornisce il progetto – la realizzazione spetta a coloro che osano pensare al di là delle convenzioni. È scomodo, ma è esattamente ciò di cui il settore ha bisogno se vuole essere qualcosa di più di un semplice banco di lavoro allargato per gli investitori.

Prospettive globali: Tra spettacolo, sostanza e cambiamento del sistema

Amber Valletta ha una rete internazionale e usa la sua piattaforma per portare il discorso sul design sostenibile nell’arena globale. I suoi progetti spaziano dalla collaborazione con architetti e designer di fama alla co-fondazione di marchi e iniziative sostenibili. Dimostra che lo stile sostenibile non è un fenomeno locale, ma fa parte di un cambiamento di paradigma globale. L’industria dell’architettura nella regione DACH può trarne vantaggio, se è disposta a pensare fuori dagli schemi.

Le sfide sono enormi: normative diverse, influenze culturali, interessi economici e standard tecnologici rendono complesso il dialogo globale. Tuttavia, La Valletta dimostra che il design sostenibile ha principi universali: trasparenza, responsabilità e spirito di innovazione. Le idee migliori nascono nel dialogo, non in una torre d’avorio. Reti internazionali, simposi e piattaforme aperte stanno quindi diventando sempre più importanti per condividere le conoscenze e sviluppare nuove soluzioni.

Il pericolo della commercializzazione è onnipresente: la sostenibilità sta diventando un’etichetta che si vende bene ma spesso ha poca sostanza. La Valletta contrasta questo fenomeno concentrandosi sull’autenticità, sull’impatto reale e su progetti convincenti a lungo termine. Si tratta di un aspetto scomodo per chi è alla ricerca di risultati rapidi, ma necessario per un vero cambiamento sistemico. L’architettura ha la possibilità di essere un modello, se non si lascia guidare da tendenze a breve termine.

Il discorso globale è caratterizzato da controversie: di quanta regolamentazione ha bisogno la progettazione sostenibile? Come può avere successo la partecipazione? Che ruolo ha la tecnologia e come possono le persone rimanere al centro? La Valletta porta in scena queste domande e costringe il settore a prendere posizione. Il risultato è un discorso che polarizza, ma anche ispira.

La prospettiva per il mondo di lingua tedesca è chiara: chi è coraggioso impara dai migliori, adatta i modelli internazionali e sviluppa le proprie risposte. Il design sostenibile non è un modello da copiare, ma un processo che consente errori, incoraggia la sperimentazione e deve essere costantemente ripensato. La Valletta mostra come sia possibile farlo e incoraggia le persone a trovare la propria strada.

Conclusione: la sostenibilità come questione di stile e come rivoluzione del sistema

Amber Valletta rappresenta una nuova forma di design che combina radicalmente stile e sostenibilità. Sfida l’industria dell’architettura a pensare al di là dell’estetica e dei certificati e ad assumersi una vera responsabilità. Il cambiamento è palpabile nella regione DACH – con luci e ombre, ma con una crescente consapevolezza della sostanza e dell’impatto. Il futuro del design sostenibile è digitale, partecipativo e aperto alle visioni. Coloro che hanno il coraggio di prendere posizione e di organizzare i processi in modo trasparente possono ottenere molto di più che lanciare la prossima tendenza. La sostenibilità non è un accessorio, ma il nuovo punto di riferimento per lo stile, e questo vale non solo per le passerelle, ma per ogni cantiere.

Dal maggio 2021, il Museum für Kunst und Gewerbe MK&G di Amburgo dispone di nuove sale di lavoro e di conferenza. L’eclettico concetto di interior design è stato creato dallo Studio Besau Marguerre. Nella nostra intervista, i due designer Eva Marguerre e Marcel Besau raccontano come un reperto della soffitta del MK&G sia diventato l’impulso centrale del progetto.

BAUMEISTER : Come è nata la commissione per il progetto?
EVA MARGUERRE: Tulga Beyerle, che ha assunto la direzione dell’MK&G nel 2018, conosceva il nostro lavoro e ci ha contattati. Dopo un primo incontro, siamo passati direttamente alla commissione degli spazi di lavoro in tempi relativamente brevi.

Partita in casa con onore

B : Come vengono utilizzati gli spazi di lavoro?
E M : È uno spazio ufficio misto. Da un lato, ci lavorano i dipendenti dei reparti marketing e social media. Dall’altro lato, c’è una grande sala riunioni per l’intera MK&G. È una sala molto prestigiosa che in passato non esisteva. In passato, per le riunioni in biblioteca si usavano gli sgabelli. Naturalmente, una sala conferenze come questa svolge anche un importante ruolo di rappresentanza, poiché vi si riuniscono molte persone importanti per il museo, non ultimi i mecenati e i politici. Per questo era importante che la sala rappresentasse davvero il museo, raccontasse una storia e avesse un atteggiamento. Questo è stato un grande vantaggio per noi, perché abbiamo potuto essere molto espressivi.
MARCEL BESAU : La grande sala ha anche una seconda funzione: i dipendenti possono organizzarvi workshop e ritirarsi per le riunioni di lavoro. C’è un tavolo centrale per le riunioni e un’area aperta accanto che può essere utilizzata per giocare e dove i gruppi di lavoro possono riunirsi.

B : In qualità di designer, che cosa c’è di speciale nel lavorare per un museo che è di per sé molto attento al design?
M B : Naturalmente siamo stati molto contenti che Tulga Beyerle ci abbia contattato per questo incarico. Per uno studio di Amburgo, lavorare per un’istituzione così importante è un grande onore. Per noi è un po‘ come giocare in casa. Conosciamo bene il settore e ci è apparso subito chiaro che volevamo adottare un approccio concettuale, combinando produttori, prodotti ed elementi diversi, nonché mobili tradizionali o classici con pezzi contemporanei. In questo modo, volevamo illustrare la vivacità che caratterizza il design e la storia del design. Il museo, l’MKG Hamburg in generale e questa sala in particolare dovrebbero essere luoghi di incontro: questo è esattamente ciò che il nostro progetto vuole rappresentare.

Nessuna sovrapposizione presso MKG Hamburg

B : Come avete trovato gli oggetti con cui realizzare il vostro concetto?
E M : Per noi era importante non imporre semplicemente qualcosa all’edificio: c’è già molta storia nell’MK&G. Per questo ci siamo guardati intorno per vedere se c’erano pezzi che potevano essere riciclati o utilizzati. Ci è stato anche permesso di entrare nella soffitta dell’MK&G, dove sono conservati innumerevoli mobili antichi: è stato davvero emozionante.

Non abbiamo trovato solo gli arredi per il nostro progetto, ma anche vecchi dischi di una mostra di Memphis. Erano perfettamente conservati lì ed erano stati semplicemente dimenticati nel corso degli anni: materiale meraviglioso, legno davvero ottimo e completamente stampato con i caratteristici motivi di Memphis. Da questo ritrovamento abbiamo tratto l’intera idea. E, naturalmente, abbiamo potuto lavorare in modo totalmente sostenibile. Abbiamo progettato un enorme tavolo per la sala riunioni e l’abbiamo fatto costruire da una falegnameria con diversi pannelli. Il tavolo è il centro, attorno al quale abbiamo poi disposto mobili piuttosto tranquilli, in tonalità naturali e chiare di bianco. Ogni sedia è diversa, non ci sono due modelli uguali.

Dialogo con il soggetto e l’oggetto

B : Come volete che il personale del museo e gli ospiti vivano il vostro spazio?
E M : Nella grande sala riunioni raccontiamo la storia del design con classici antichi e contemporanei, ma anche con nuovi design di giovani marchi. Chiunque cerchi un posto a tavola è direttamente sensibilizzato al tema che definisce il museo. Questo crea immediatamente un dialogo, una comunicazione: su quale sedia voglio sedermi? Probabilmente vi sedete su una sedia diversa a ogni riunione. E anche il modo in cui ci si siede su una sedia cambia la percezione.
M B : Questo rende il design direttamente tangibile e confrontabile. Naturalmente, si tratta di un approccio didattico completamente diverso rispetto alla presentazione di queste sedie nelle sale espositive dei musei.
E M : Si entra in un dialogo diretto con gli oggetti e magari ci si chiede: „Chi ha fatto questa sedia?“. Oppure ci si rende conto: „È davvero comoda“. C’è qualcosa di molto vivace in tutto questo.

Eclettica al MKG di Amburgo

B : Rispetto ad altre vostre opere, la varietà di forme è enorme. Perché avete optato per un approccio diverso rispetto, ad esempio, al progetto per la Elbphilharmonie?
E M : Volevamo deliberatamente incorporare il luogo. Basandoci sul tema di Memphis, a cui ci ha portato inaspettatamente il ritrovamento del disco, ci è venuto in mente il termine eclettismo. Non volevamo semplicemente progettare un interno di Memphis, cosa che si sarebbe potuta fare. Abbiamo invece cercato di riprendere il tema ma di portarlo consapevolmente ai giorni nostri: Lo abbiamo combinato in modo molto semplice, con linee molto geometriche, calme e chiare e abbiamo detto: Memphis è una parte della storia, ma ognuna di queste sedie rappresenta una direzione di design diversa, uno stile diverso. Ecco perché il termine eclettismo ci si addiceva bene, anche perché si adatta allo spirito di questo museo. L’MKG Hamburg è anche estremamente aperto e versatile quando si tratta di temi espositivi.

Spirito della casa

B : Aveva già un legame particolare con il movimento di Memphis prima di questo progetto?
E M : No, affatto. Non ci sarebbe mai venuta l’idea di progettare gli interni basandoci sul tema di Memphis se non ci fossero stati questi dischi di Memphis in soffitta. Ma questo è anche il bello del nostro lavoro.

Cerchiamo sempre di rispondere in modo molto individuale ai nostri clienti e alla location. Ciononostante, la gente dice di riconoscere il nostro stile caratteristico. Un esempio è la sala concerti Elbphilharmonie. Qui tutto è completamente desaturato nei colori, molto delicato. Per noi era semplicemente adatto all’edificio e al tema della musica. Per l’MKG di Amburgo si trattava di un pezzo di storia conservato in questa soffitta. Non abbiamo un’idea preconcetta in testa. Incontriamo i clienti, passiamo del tempo insieme, ascoltiamo attentamente, sentiamo le stanze e vediamo: „Qual è lo spirito dell’edificio, delle stanze, e come possiamo trasmetterlo?“.

B : Avete ancora dei principi che seguite sempre nei vostri progetti?
E M : Un certo equilibrio è sempre importante. Nel MK&G, ad esempio, ci siamo assicurati che non si entri nella sala riunioni e non si venga completamente sopraffatti dalle impressioni. Per questo abbiamo deliberatamente introdotto nella stanza elementi di calma come la tenda. O le luci gialle sopra il tavolo, che sono giocose ma ancora molto semplici. Oltre ai colori vivaci, abbiamo utilizzato anche molti toni naturali e il grigio. È un’atmosfera accogliente e non sovraccarica di energia Memphis.

Anche Gonzales Haase AAS, lo studio di architettura di Pierre Jorge Gonzalez e Judith Haase, ha progettato due uffici. Il risultato è visibile qui.

La serie „Archipedia“ è una collaborazione tra Baumeister e l‘Università di Scienze Applicate di Bochum, Dipartimento di Architettura. Gli studenti del Master „Architecture Media Management“ scrivono lettere virtuali alla crème de la crème del mondo dell’architettura, in questo caso al vincitore del Premio Pritzker Tadao Ando.

Caro Tadao Ando,

quando mi sono imbattuto nel suo curriculum, studiando i suoi edifici e il suo approccio all’architettura, sono rimasto piuttosto stupito. Questo sì che è un ingresso laterale! Mentre in Germania ci si lamenta a gran voce dell’abolizione del buon vecchio diploma e in Europa si discute animatamente del Processo di Bologna, uno degli architetti più stimati al mondo, vincitore del Premio Pritzker nel 1995, lavora senza aver mai studiato. E con più successo che mai. Viene spontaneo chiedersi: com’è possibile?

Mentre in Germania sono necessari una laurea, due anni di esperienza professionale e l’iscrizione all’Ordine degli Architetti per poter utilizzare il titolo di „architetto“, lei dirige con successo il suo studio a Osaka, dove è nato nel 1941, dal 1969. Cosa serve a un architetto autodidatta per acquisire le conoscenze necessarie a svolgere una professione come questa senza alcuna formazione? Abbiamo letto di lei che le sue esperienze come pugile professionista, in particolare, l’hanno influenzata nella sua vita. All’inizio sembra che questo sport non abbia nulla a che fare con l’architettura, ma a volte sono proprio queste cose e le deviazioni della vita che aiutano ad andare avanti. Quale architetto non potrebbe essere aiutato da concentrazione, autocontrollo e spirito combattivo? Spesso si tratta di concentrarsi, di difendere le proprie idee e di lottare per esse.

Nella tua architettura, ti sei concentrato essenzialmente sugli aspetti della natura, della storia, della tradizione e della società. Ha imparato come questi elementi interagiscono grazie a una buona osservazione a Osaka. Armonizzare le persone e le loro esigenze con la natura è molto importante nell’architettura giapponese. I suoi studi sono consistiti in esperienze fisiche piuttosto che in insegnamenti accademici. Per quattro anni, dal 1965 al 1969, ha girato il mondo per capire l’architettura. Durante questo viaggio ha percorso la Transiberiana fino a Mosca, ha visitato diverse capitali europee, ha visto l’Oceano Indiano e il Gange. Un periodo che sicuramente molti ti invidieranno e che fa capire che vivere in prima persona luoghi e persone può essere più istruttivo di tante ore in aula.

Oltre ai pochi materiali come il legno, il vetro e il cemento su cui si concentra, i suoi edifici si aprono verso il cielo. Lei stesso ha detto: „Per evitare la caratteristica di base dell’architettura come involucro chiuso, mi affido al cielo come elemento naturale che definisce con maggior forza l’interno architettonico“.

Questo atteggiamento può essere sperimentato non solo nella Row House e nella Church of Light di Osaka, ma anche nel padiglione giapponese all’Expo 1992 di Siviglia. Trovo impressionante la coerenza con cui avete sviluppato un’architettura completamente indipendente. È sorprendente come sia possibile acquisire conoscenze culturali e tecniche senza una laurea specialistica. La sua biografia dimostra che le discussioni sui punti di merito non sono il fattore decisivo. A volte il miglior insegnante è la vita stessa.

Cordiali saluti,

Laura Heidelauf

Dati biografici Tadao Ando

1941 Nato a Osaka, Giappone
1958 Inizio della carriera come pugile professionista
1965-1969 Formazione architettonica da autodidatta, viaggiando negli Stati Uniti, in Europa e in Africa.
1969 Fonda il suo studio a Osaka. Tadao Ando Architetto e Associati
1976 Completamento della Row House a Sumiyoshi. Il primo grande edificio di Ando
1979 Riceve il premio annuale dell’Istituto di architettura del Giappone; seguono altri premi.
1987 Inizio di una serie di cattedre come professore ospite presso università come Yale e Columbia.
1992 EXPO 92, Padiglione del Giappone, Siviglia
1995 Premio Pritzker, USA
1997 Membro onorario dell’Associazione degli architetti tedeschi BDA
2004 Collezione Langen, Hombroich
2007 Inizio del progetto Umi-no-Mori „Sea Forest“ a Tokyo
2010 Museo della scultura in pietra della Fondazione Kubach-Wilmsen a Bad Münster am Stein

Testi più importanti

Ando, Tadao, architettura e spirito, Gili, Barcellona, 1998
I colori della luce, Tadao Ando architecture, Phaidon, Berlino, 2000
Tadao Ando – Luce e acqua, Birkhäuser, Basilea, Berlino, 2003

Ulteriori letture

Dal Co, Francesco, Tadao Ando complete works, Phaidon, Londra, 2000
Il Museo d’arte Chichu. Tadao Ando costruisce per Walter De Maria, James Turrell e Claude Monet, 2005
* La geometria dello spazio umano, 1941. Casa editrice Taschen, Colonia, 2006
Jodidio Philip, Ando, Opere complete (Jumbo), Taschen Verlag, Colonia, 2007

Altri collegamenti web

www.tadao-ando.com
www.pritzkerprize.com
www.andotadao.org

Ritratto: Christopher Schriner

Siete interessati agli ultimi risultati dei concorsi di architettura del paesaggio, ma non avete molto tempo per guardarli bene? Nella panoramica dei concorsi G+L, Heike Vossen fornisce regolarmente informazioni sui concorsi più interessanti. Ecco altri risultati di concorsi nel mese di aprile 2021.

La giuria è stata conquistata dall’idea carismatica di un ampio parco che si estende fino al centro della città, accompagnato da una spina dorsale spaziale di blocchi edilizi urbani differenziati. Gli autori derivano il motivo del parco dal paesaggio dunale topograficamente in movimento dai corridoi di transito orientati da nord a sud. La modulazione della superficie del parco reagisce alle altezze di collegamento con l’esterno. Sentieri, piste ciclabili e vegetazione accompagnano il gioco di altezze, creando nuove prospettive sul parco, sul quartiere e sulla nuova silhouette urbana.

Il paesaggio dunale funge da barriera antirumore verso l’esterno, mentre il parco nel suo complesso funge da corridoio d’aria fresca e da elemento costitutivo della rete di spazi aperti urbani. I volumi degli edifici si adattano ai movimenti spaziali fluidi, e i loro bordi spaziali sono di conseguenza più ampi. Le strade residenziali a forma di cuneo verde si estendono in profondità nel nuovo quartiere urbano e collegano il parco con lo sviluppo dell’isolato. Offrono spazio per incontri di quartiere sotto forma di piccole piazze o aree gioco.

Ulteriori risultati del concorso dell’aprile 2021 sono disponibili qui.

Il corridoio verde di 200 ettari a nord-est, previstonell’ambito della BUGA 23, è destinato a diventare il „polmone verde“ di Mannheim. Il futuro parco sportivo è un’importante pietra miliare nello sviluppo del corridoio verde accanto al sito militare Spinelli smantellato. Il progetto vincente della BHM Planungsgesellschaft di Bruchsal ha colpito per il suo gesto grandioso e le diverse strutture verdi. Un bastione alto otto metri modella il terrapieno ferroviario occidentale e funge da punto di riferimento e collegamento spaziale.

Allo stesso tempo, il lato del muro che degrada verso sud funge da parete di arrampicata e da attrazione principale del parco sportivo. Il parco si basa su un paesaggio modellato che combina strutture per l’esercizio fisico ed elementi che creano spazio. Il parco può essere utilizzato sia come percorso attivo che come percorso naturale. Il primo struttura lo spazio aperto attraverso una catena di opzioni di esercizio che definiscono luoghi importanti e li integrano nel paesaggio. Parallelamente, i luoghi per vivere la natura formano una catena di habitat diversi, tra cui aree ruderali ghiaiose, siti asciutti e avvallamenti umidi.

I risultati del concorso di aprile 2021 sono disponibili qui.

Tutte le immagini: Franz Reschke Landschaftsarchitektur GmbH

Parco culturale e ufficio distrettuale di Strausberg; 1° premio Franz Reschke Landscape Architecture, Berlino

L’obiettivo del progetto vincitore non è quello di reinventare il parco, ma di svilupparlo ulteriormente in modo sostenibile. A tal fine, gli autori hanno rafforzato l’ambientazione spaziale, hanno suddiviso il parco in zone e hanno creato una netta separazione tra lo spazio aperto al centro e le aree ad uso intensivo per il gioco e lo sport lungo i bordi. Due sentieri dolcemente curvilinei conducono dall’ingresso ai margini della città vecchia alla riva del lago e al cosiddetto Horizontsteg. Quest’ultimo si estende in profondità nel lago e mette in risalto l’acqua e il bordo della riva.

In futuro, una fitta cornice di alberi circonderà i bordi del parco a nord e a sud. Gli alberi non solo costituiscono una chiusura e uno sfondo del parco, ma creano anche un netto contrasto con la distesa aperta del prato centrale e del lago. Le zone di attività confinano con l’ampia area del prato a sud e a nord, integrate da gradinate e terrazze. Il collegamento tra il parco e la città vecchia è costituito dall’ampia area d’ingresso con gradini coperti da alberi. Nello stesso materiale delle aree pavimentate del centro storico, conduce senza barriere al parcheggio.

I risultati del concorso di aprile 2021 sono disponibili qui.

Leggi qui i risultati del concorso di marzo 2021.